西方古典油画大师作品的感触

洪尘

欣赏大师们的艺术作品使人感触最深的有三个超常,所谓三个超常指的是：一是技巧上的超常；二是耐心和毅力的超

常；三是思想领域和知识面的超常。

一技巧上的超常

欣赏任何一件伟大的艺术作品，它所给人带来的不仅是一种令人神往的美感，同时也为作品中所使用的技巧叹维观

止，这些技巧所体现出来的并不只是手法上的谙熟，而是庞大的知识容量，它需要一个艺术家花掉大量的时间甚至是毕生

的时间才能获得，并且在某个方面所表现出来的难度是一般画家很难承受的。

技巧指的是绘制一幅作品时所采用的各种技术和手法，包括对形体的塑造，结构的处理，色彩的使用，以及比例、透

视、黑白、构图等一系列必需的制作工艺。这些手段和技能是任何一个学习绘画艺术的人都必须掌握的东西，掌握和运用

这些技能的熟练程度直接影响着一个画家的艺术表现能力。因为它就象我们说话的语言一样，如果没有熟练的表述能力就

不可能把自己所要说的内容表达清楚。因此我把作为一个画家应该具备的这些能力基本上分了三个层次，也是在造型技巧

训练上的三个过程，同时也是一个画家走向成熟的三个阶段。

（一）对可见物象的模仿能力

在这里我所说的模仿，指的不是临摹，而是对可见事物的写生能力，换句话说就是用所学到的基本的造型手段和知识

对大自然中形形色色实际形象在画面上的模仿能力和再现能力。它要求一个画家能够在画面上把可见的任何视觉现象——

包括形状、结构、体积、空间、黑白、色彩和质感等所能看到的任何细节——都能够准确、标准、如实地近乎照相机般地

一一再现出来，其真实程度甚至超过一般照相机所拍摄到的效果。能够做到这一点，就达到了作为画家的第一个层次。

为什么这样要求呢？

首先，我们必须明白，我们搞的是视觉艺术，所有的视觉形象都可能被作为我们说话的语言，它如同我们学写字一

样，每种文字都有最标准的书写形式，最标准的文字也是表达内容、思想和情感最有效、最完善、最具效率的工具。我们

所要掌握的这种语言工具的正确性和标准性，它有助于我们准确地反映和表达我们的思想和情感，不至于对欣赏这种语言

的观众造成误导。而作为一个画家，解决一切可见的视觉现象那是一种天职，一种必须的工作。

其次，任何被我们所刻画的形象，在画家对它进行针对性的写生时，与我们平时在生活中所草草接触到的一些同样的

物象具有明显的差异，这到不是因为在写生时和不写生时这个物象本身发生了什么变化，而是由于写生时与仅仅靠观察所

产生的心理上的感受大不相同。写生一个东西，就是用画笔来述说这个东西，就象用文字写说明文一样。画家要把这个东

西说清楚，就需要把视觉能见的一切画得尽善尽美，任何一个细节都不能放过，也就是要达到人们肉眼看到的那种样子。

一个画家如果能够画到这种程度，他必然会对所刻画的这个形象理解和认识得更彻底更全面，如果往深里想，等他完成这

个形象之后他会体会到上帝在创造这个形象时是多么得不容易，他本人也会认为——他实际上也象上帝那样把这个东西重

新创造了一遍，其中的感触只有他自己才能明白，那也是一种特殊的心灵体会，一段心灵的历史。假如他只是平时的那种

观察，或者仅仅限于视觉的观察，他所得到的仅仅是一种视像般的记忆，或者仅仅对它的其中一个特点有所了解，而不是

全部的理解和体验，同时在他的形象思维中形不成一个完善的形象资料，这就必然会影响他将来的创作。

另外，这种训练实际上是一种磨练，特别是一种心理素质的磨练和技巧的磨练。它既能够使画家养成一种观察入微、

严谨认真、一丝不苟、精益求精的态度和习惯，又能使画家在不断的写生训练中获得更多的造型技巧和熟练程度的补益。

画家是通过视像来说话的，没有选择过这种语言的人们体会不到使用这种语言时的那种心态，也就是说刚刚拿起画笔的画

家对表现直观的视觉形象是非常陌生的，他需要一段时间的适应，尽管他曾经把一些有关的造型理论和技巧原理理解的十

分透彻，一旦真的动起手来，即使他十分明白这般如此、如此这般地处理和用笔就能达到目的，也会被一股莫名其妙的抵

抗心理搞得烦躁不安而无从下笔。实际上，自从一个人那起画笔开始就一直在与这种心理障碍做斗争，一直训练到能够随

心所欲地、运笔自如地表达形象时，这种心理障碍才会逐渐缓解。在这段时间里，这种心境是非常难熬的，因为它既枯燥

乏味，又限制情感，因此多数画家会在这种心态下失去耐心和毅力，或者干脆得过且过、草草收笔。在这种情况下，就需

要有经验的教师进行心理帮助——指明这种心理上的种种反应是极为正常的——只要突破这个特殊阶段就会逐渐逐渐轻松

起来和成熟起来，或者画家本人主动地调整心态，才能使这种训练继续下去。然而，不管是被动的心理帮助，还是主动的

调整，一旦画家圆满完成了这么一种特殊的训练，他就一定对绘画这种特殊语言产生新的认识，也就能够自发地训练和调

整心态，从而得到心理素质的训练和完善。另一方面，画家在如实地反映任何一个可视物象时，总会不断地遇到难度，这

些难度都是由于人们平时的视觉习惯造成的。一般情况下，人们在观察一个东西时，往往获得的是这个东西的大概印象—

—只有那些比较突出的特点才能在短时间内形成记忆，而对那些构成这个东西的另外一些并不突出的部分特点就很容易造

成忽略，只有在如实地写生中才能遇到这些被我们的视觉所忽略的部分。因此，画家每遇到一个难度，就会遇到一次技巧

性训练，每突破一个难度，就会获得一种新的技巧，画的东西越多，碰到的难度就越多，碰到的难度越多，技巧掌握得越

多。这样，久而久之，从量变达到质变，画家就会在造型技巧上越来越熟练，进而产生质的飞跃——使手法和技巧进入一

种下意识的“无法”状态，就象成年人走路一样，走得多了就自然而然忘记了走路的姿势和技巧——只关心要做某些事，

却从没有意识到自己的两条腿和两只脚在悄悄地、不知不觉地进行着相应的协调和配合。一个画家如果能在写生中做到了

这一点，才算一个合格的画家，也完成了走向一个艺术家的第一个阶段。

（二）默写能力

大量的写生使画家能够接触到无数的形象，每一个形象都能或多或少地在画家的心目中留下了记忆和印象，这些印象

得益于对某些物象的第一个阶段那种全面细微的研究和真实耐心的描摹。它的作用并不仅仅是能够记下某一物象的某某构

造或特点，也不仅仅是一种基本功的训练，其作用和意义远远超出了能够形成明确记忆的功能和简单的基本功训练的好

处。更重要的是，它为我们的大脑积累了可以进行自我整理和自由加工的无数形象信息，需要特别指出的是，人的大脑对

它所接受到的所有形象信息在整理和加工过程中是不受主观意识支配和左右的，它既能够把某些形象特点以记忆的方式在

我们的主意识中储存下来，也能把另外一些通过非记忆的方式暗暗地埋藏起来——就是我们平常所说的下意识或潜意识。

也就是说，我们在认识一个形象时，有主意识和潜意识这两个脑子在同时工作。主意识能够把进入我们大脑中的全部形象

资料通过我们的视觉接受下来，它就如同一所房子的外屋一样，进来的所有成员就在外屋中开始分工，一部分具有明确特

点的部分和最容易辨认的部分被保留在这个外屋，被储存下来形成记忆，而另一部分则由潜意识来挑选。潜意识就如同这

所房子的内屋一样，它会把它所需要的和喜欢接受的部分形象信息有选择地纳入内屋，并储存下来，而对那些不需要和不

喜欢的部分就把它们排斥在外屋，这一部分既不被主意识接受，又得不到潜意识的接受，因此就自然而然地从我们的头脑

中被抛弃或着被永远地忘记。主意识所纳入的东西，往往都能通过记忆回忆起来，因为那些部分都是比较明显的具有明确

特点的成分，是通过理智和有意识的思考能够推敲和推理出来的部分，而进入潜意识那些部分，最具有隐藏性和不可测知

性，是通过记忆思考所不能测知的部分，它们深深地潜藏在我们的内心深处，只有在我们的视线偶然看到与这些部分的形

态特点相近或相一致的情况下，它们才会突然被唤醒而跳出来，这些东西会给人一种莫名其妙和似曾相识的感觉。

默写，是一个画家走向艺术表现必需的一种训练手段。通过默写可以帮助画家把储存在大脑中的形象记忆和形象信息

诱发出来，同时也能够把画家本人的个性展现出来，也是一个画家学会用视觉形象说话的开始。这个过程看起来很平常，

但却是一个相当复杂的过程，也是一种极为重要的训练。

曾经有过默写经历的画家大都有过这样的体会，通过写生画出来的一个苹果和靠默写画出来的一个苹果在视觉效果上

有明显的差异，往往会感觉默写出来的那个苹果总要比写生出来的那个苹果看起来更有意思；具有同样写实水平的几个画

家对同样一个苹果进行如实地写生，往往画出来的东西就象一个模子刻出来的一样，虽说几个画面是由不同画家画出来，

但它好象出自一个人的手，假如让他们都去默写曾经画过的那个苹果，情况就大不相同了——你会惊奇地发现，那个曾经

象是“出自一个人手笔”的苹果，在经过默写之后，突然间变得各具情态，形象各异，其中的妙趣使人难于言表。尽管它

们看起来都是苹果，并且在结构和大型上都具有苹果的基本构造，但它们好象都被赋予了另外一些不同的内容。其中的原

因既简单又复杂。简单的是，写生中的画家尊重于苹果的事实真相的表达。复杂的是，不同的画家在默写这个苹果时，所

依据的是储存在主意识中的形象记忆和潜意识中的未知的形象信息——都是经过整理和被筛选过的形象信息——已不是关

于这个苹果的全部真实的形象记录，而不同的画家，他们的审美趣味各不相同，导致主意识的记忆各有偏向，同时，每一

位画家与生具来的潜意识，也与其他画家潜意识的选择取向有明显的差异，这就必然导致——尽管针对的是同样的一个物

象，而最后默写出来的结果却大相径庭。然而，可喜的是，一个画家的个性就在这种默写过程中被自然而然地体现出来。

写生与默写是两个不同的造型过程，它们的区别是，写生所针对的是肉眼看到的形象，而默写则是塑造画家心目中的

形象，如果一个画家能够完成从写生到默写的飞跃，离真正的艺术创作就不远了。

（三）理想化的处理能力

模仿真实的自然，不需要自己的观点，它只是对上帝所创造的世界和自然万物的一种体会和理解。在如实的描摹和复

制自然的过程中，画家对他周围世界的许多形象进行了多方面长期的考察，一系列踏踏实实的塑造活动和实践活动，使他

能够把心灵中的无数形象以默写的方式再现在画面上。然而，与生具来的特殊的审美趣味和表现欲望，使任何一个达到这

种熟练程度的画家决不满足于这样无休止的复制、模仿和再现工作，他总能发现被他默写出来的形象在某些方面不尽人

意。他要使这些形象更完美，他要使它们更具有生命的活力和理想的魅力，自此一种大胆而主观的设想和举动就在这一刻

间开始萌动。

理想化的处理，是建立在一个画家的写实功力和默写能力的基础上的又一次新的尝试和飞跃。尽管画家所面对的是一

个空白的画面，但它不同于一般的默写。默写是尽可能地追述某一形象的真实性和合理性，说白了就是一种“背诵”记忆

的过程，也是用来检验画家对生活中的一些形象的熟悉程度和了解程度，还是处在一种对绘画语言的熟悉和掌握阶段，而

理想化的处理则是画家根据平时的写生经验，和他对所熟悉形象的全面透彻的了解和认识基础上，对某一形象所体现出来

的某些突出的特点和最能给画家本人留下深刻印象的部分主观有意识的有目的的进行夸张和提炼的一种造型训练，也是把

形象理想化的一种手段。具体的要求是，被理想化处理的形象，不能因为对其突出特点进行夸张和提炼，而导致这一形象

失去属性，变成另外的一种东西，而应该使它的属性更加突出；在保持住其属性和特点更为突出的同时，画家可以根据自

己的意愿——把自己认为最美的一面或者最能展现这一形象美的一面进行大胆的夸张和提炼，使这一形象打破其原始的真

实面貌，而赋予它更强的生命活力和人格化的魅力。

然而，最值得注意的是，这种理想化的处理方式已不再是——仅仅反映形象本身，完全是画家纯粹的心灵中的构想，

是简单的写生和默写所无法比拟的。它是画家第一次利用形象语言抒发情感和看法的开始，是学会用心灵说话的的开端。

另一方面，值得重视的是，画家在构筑自己的形象时，是完全摆脱写生和默写方式的，尽管表面上与默写相似，但是它决

不是平常的默写，而是着重于对美的挖掘和生命活力的情感性、思想性的追求，是在努力地用自己的思想、观点和感受对

生命着的事物和自然世界下定义。

欧洲古典主义女性人物油画作品欣赏

法国的保留下来的艺术珍品，尤其是看到整个欧洲历来的艺术大师在人生起伏中留下的心血作品，心情是很激动的，这是艺术之间一种能产生共鸣的文化激情碰撞吧，虽不同地域和不同的历史文化意识形态，但国画、书法、油画给人的震撼是一样的。摩尔人物油画《四重奏：一个画家对音乐艺术的赞颂》，1868年画布油画，61×88.30厘米阿尔伯特·约瑟夫·摩尔英国，1841―1893年摩尔出生在约克郡一个著名的艺术家庭。父亲威廉·摩尔和哥哥亨利·摩尔（1831―1895，著名风景画家）引导他走上了艺术创作的道路。19世纪五十年代，他到了伦敦，先在肯辛顿艺术学校学习，后考入英国皇家学院，1860年前往巴黎和罗马深造。渐渐地，摩尔形成了着色轻柔，线条细腻的独特风格，在维多利亚时代的画家中也显得十分突出。他的大部分作品都是以古希腊和古罗马的休闲人物为主人公，人物形象明显受到希腊风格的影响。

《四重奏：一个画家对音乐艺术的赞颂》展示了19世纪六、七十年代摩尔艺术创作的多样性，充分表现了他在调理线条和色彩搭配上的巨大创造力。这幅作品在寻求音乐与美术之间的联想的同时，把沃尔特·佩特称之为“音乐的特性”的东西用绘画的方式表现了出来。画面上并没有明示出音乐家们与听众之间存在着什么联系，更看不出四位演奏家有什么特别之处。把现代乐器画进作品里，目的是为了避免观众“较真儿”，同时又把画家为了突出作品时代性的意图表现了出来。欧洲古典主义人物油画《海边捡拾鹅卵石的希腊女孩》，1871年画布油画，84×129.50厘米弗雷德里克·莱顿英国，1830―1896年《海边捡拾鹅卵石的希腊女孩》1871年在英国皇家学院画廊第一次展出，这意味着画家莱顿朝着开创古典题材的创作道路迈出了第一步，也是对这位画家解决构图比例的高超技艺的一次总结。画中四个女人

刘宇一油画作品欣赏

刘宇一油画作品欣赏刘宇一，1940年生，南京人。1960年毕业于中央美术学院附中。擅长大题材油画，专为国家领导人及名人画像。历任广西人民出版社美术编辑、桂林画院画师、广西艺术学院副院长、广西书画院副秘书长。现旅居香港，为香港宇一画院院长，南京大学、东南大学、洛阳大学客座教授。美国萨凡那艺术设计学院(国际艺术大学)人文学荣誉博士。第十届、十一届全国政协委员。刘宇一是享誉国内外的著名油画家、国画家。他的作品《伟业千秋》被人民大会堂珍藏，《开国盛典》、《人民万岁》、《祖国万岁》被天安门城楼珍藏，作品《良辰》以两千三百万港币的天价被一家公司珍藏，成为当时中国画家作品的最高拍卖价，应邀为美、英、俄、日、卡塔尔、洪都拉斯、委内瑞拉等国家元首和港、澳、台名人作肖像画，珍藏于多国国家殿堂，影响深远。刘宇一是新中国自己培养的国际上享有盛名的油画大师，他数十年来勤奋耕耘，创作了《良宵》、《良辰》、《伟业千秋》、《春回神州》、《女娲之歌》、《瑶池会仙图》、《和平颂》等一系列大气磅薄、显现中华民族“辉煌美”的宏图巨构，以哲思、诗意和浓郁的中国风情形成中西合璧、雅俗共赏的艺术风格。其巨作深受国际艺术市场瞩目，二十世纪末连续四

次创华人画家作品最高价位纪录。他创作的巨幅（1000cm×200cm ）油画《博爱颂》，以180 多个国家首脑及知名人士为原形，描绘在人类迎接新千年之际，180 多个国家的元首和各界人士300 余人共同庆祝和分享这个伟大而独特的历史时刻的欢乐场面。寓意人不分种族，国不分大小，全人类要共同倡导团结和谐。联合国秘书长安南说，“ 《博爱颂》在维护联合国宪章的原则上起了重要作用” 。这幅油画作品因具有文献价值而载入人类文明史册。他为2008北京奥运创作的百米油画《奥林匹克颂》震撼了全球艺术界。画上的上千个人物，包括世界历史上的政要名流、著名运动员等，惟妙惟肖、栩栩如生，既形似更神似。刘宇一爱好画画、收集石头，尤其是雨花石；最喜爱读古典文学作品；对他影响最大的人是他的太太和女儿。他的格言是“甘自苦来生妙境，愈能奋发展雄才”，奋斗目标是自己的作品为越来越多的人所喜爱。在北京的龙脉上，珍藏着刘宇一的两幅大型油画——毛主席纪念堂的《良宵》和天安门城楼的《人民万岁》。1982年，中国美术界权威人士江丰在“人民日报”撰文称誉刘宇一为“热爱和尊重人民的艺术家”。刘宇一曾为200多位中国政要及各界名人画像，被作家丁玲称为“我国肖像画史上实属罕见的创举”。1991年定居香港后，多次应邀为日本等国元首

油画风景的写生与创作

油画风景的写生与创作贵州师范大学美术专业09级成人本科班魏秀竹油画风景写生是油画风景创作的主要手段，是作者体验现实生活表现大自然风貌的主要形式。通过油画风景写生学习，一方面可以掌握油画创作构图的基本规律、观察方法、分析方法、绘画色彩的运用和丰富多样的技法表现；另一方面还能培养画家即兴式的敏锐而生动的审美能力，丰富拓展画家的审美感受空间以及油画创作能力的提高。一、油画风景写生及其意义风景画是以大自然为题材的绘画。其审美价值的高低在于作者是否真实完美地表达出自己的审美理想，使被描绘的景物传达出人的神韵和生活气息，能否体现出民族的审美情趣。通过所描绘的景物来抒发情怀，引导观者的参与共鸣，并给予美的享受。风景写生是油画家很注重的一种观察，是感受自然，体验生活，历练、提高自身素养的重要手段。从某种意义上说，写生不仅仅是画画，更重要的是体验，酝酿心中的意境。为使画面的构成和谐而具有美感，还有地域特点和画家的情感合拍等因素，“删繁就简”、“查漏补缺”是很好的取舍手段。色彩搭配的是否对比响亮、协调美观、情境合理，直接关系到作品的成败、优劣。对一个风景油画家来说，积累丰富的写生经验，真实地描绘出自己的情感和思想，表达出对自然的理解、感怀和认识，以此才能抵达美感追求的最高境界。发现美是艺术家的首要任务，艺术家的眼睛是敏锐的，也是具有穿透力的。画家面对大自然时，会在事物表象中发现内在的韵律，这韵律在画家的内心世界中构成美感。油画风景写生作为绘画专业的基础课程——画家到大自然中去“感受自然”，培养画家良好的视觉阅历和高雅的审美能力，同时锻炼画家体会自然、观察自然、归纳自然和表现自然的能力，吸收传统师承方法的宝贵经验——有着其他写生课程所无法取代的意义。风景

向日葵油画作品赏析

向日葵油画作品赏析在欣赏一幅油画作品时,主要从作品的思想内容、艺术技巧两个方面来鉴赏.油画起源于西方,任何的油画作品都需要靠视觉形象来反映一定的思想内容. 一方面油画作品所塑造的形象,把观赏者带到了画家所反映的一个艺术境界之中,引起思想感情上的共鸣,产生审美作用.另一方面观赏者又根据自己的生活体验来认识和丰富了油画作品的内涵.对一幅油画作品的理解,不同人所理解的深度是不一样的,它同观赏者的素质条件相联系.优秀的油画作品所传达的思想内容,起到了陶冶人的情操, 提高人的精神境界的作用关于艺术技巧上的鉴赏,要有对油画语言的认识和了解.油画的材料本身具有区别于水墨画版画、水彩的特点,这种材料之美是油画的一大特性. 技巧高超的作品体现在画家掌握了材料的特性熟练运用材料和工具来塑造形象.画面反映出了整体和局部的和谐关系,丰富和统一的对立关系. 《向日葵》是凡.高在法国南方时画的.南方阳光的灿烂令画

家狂喜,他用黄色画了一系列静物,来表达内心的感受,《向日葵》便是这时的代表作.画家以短暂的笔触把向日葵的黄色画得极其刺眼,每朵花如燃烧的火焰一般,细碎的花瓣和葵叶象火苗一样布满画面,整幅画尤如燃遍画布的火焰,显出画家狂热般的生命激情. 《向日葵》的色彩是用不同明度、不同纯度的黄色绘成的,黄色的背景,黄色的花瓶,黄色的花.深黄、浅黄、柠檬黄、橘黄、土黄,只用了少量的深绿和草绿画枝干和叶子, 配一点天蓝色的花蕊.凡高把色彩用绝了.他把黄色使用得如此动人,使黄色发挥出感人的魅力.你看空气中流动着金色的阳光,瓶中的向日葵生气勃勃地张开花瓣,尽情地吸着空气和阳光.饱吸了阳光的花朵似已融化在空气中,深黄、浅黄、柠檬黄、橘黄色的花辩,多么辉煌,多么灿烂夺目.凡高把心中全部的爱赋予可爱的向日葵,向日葵也为凡高吐出"爱的最强光"《向日葵》中注入的是凡高心中强烈的感情,令人震撼、令人感动,这就是《向日葵》所产生的魅力.他怀着强烈的感情不厌其烦地画他最喜欢的向日葵,强烈地表现画家对这一客观事物的主观感受.他擅长使用强烈的色调,充分发挥色彩的感情因素,使色彩成为他表达思想感情的重要手段,这便是凡高艺术的重要特色. 植物油画素材：https://www.360docs.net/doc/aa694063.html,/img/98_679.aspx

欧洲古典油画透明画法的技术美

欧洲古典油画透明画法的技术美作者：孙海佳单位：佳木斯大学美术学院本文系黑龙江省教育厅2013年度人文社会科学研究项目《宾卡斯与伊维尔油画材料技法比较研究》论文项目编号：12534099 摘要：14世纪到16世纪的古典油画技法的主要特点就是画面色彩与造型相分离，运用提白和罩染的技术手段来表现物象的光滑质感和体积感。欧洲古典透明画法是人类历史中从尊重自然到发挥主观能动性的过程，是利用客观自然规律所表达的一种视觉美感。体现了人类在尊重自然规律的基础上改造世界的目的。传统油画中艺术形象所体现的美必须也只能通过传统油画的各种技术作为物质载体体现出来。这种由技术上美感反应出的精神上的美感就使得古典油画有了很强的绘画性。克劳德·伊维尔是法国当代超写实主义画家，是世界上著名的幻境画画家，以极大的生命力影响着世界画坛。关键词：透明，提白，罩染，技术古典油画透明绘画技法是指公元14世纪到16世纪的油画技法，主要包括的是尼德兰的油画技法和意大利文艺复兴时期的油画技法。尼德兰的油画技法是以凡·爱克为代表的油画技法，意大利文艺复兴时期的油画技法是指以达·芬奇为代表的佛罗伦萨画派技法和以提香为代表的威尼斯画派技法。使坦培拉与油彩结合画法进一步向油性颜料和技法过渡并作出贡献的是意大利的威尼斯画派，以贝利尼、乔尔乔涅和提香等人为代表的画家继承了油画混合绘画技法，开创了使用亚麻布深色底子作画的先例，在运用油画色彩、罩染技巧和用笔塑造形体上开拓了新的视觉效果和绘画观念。 “古典透明画法是欧洲古代大师常用的一种技法，是古典油画的主要特征。这种画法的主要特点就是画面色彩与造型相分离。作者在起稿前不必过多考虑画面的最终色彩或色调，而主要研究画面的构图、物象的造型,这样画家的精力就可以全部集中在这些方面，即在一种称为“纯灰画法”的过程中进行。”在传统上，这个过程基本上是用一个基本的单色层来完成画面中需要表现的内容，再用坦培拉白提出亮部，这个阶段要尽可能表现的完整、充分，使画面中的构图、造型基本完成。等到素描造型完成之后,画家就可以全身心投入到色彩的绘制中了。

谭建武油画作品欣赏

谭建武油画作品欣赏谭建武油画作品欣赏转自：网易- 李梨的日志谭建武，男，1971年出生于湖南耒阳，1991年毕业于湖南师范大学美术系，之后受聘于《深圳青年》杂志社美编，1993年从事职业油画创作至今。作品崇尚新古典主义风格，画功深厚朴实，尤其在古典肖像画领域颇有造诣。曾为多位政商界精英绘制肖像，多幅作品被海内外机构和私人藏家收藏。现为上海大东方当代艺术中心画家。

《一缕阳光》获建国60周年当代油画展优秀奖，中国美术家协会主办，《美术》2009第6期刊登。《姚明》“中国百年体育明星风采油画大展”三等奖，国家体育馆“鸟巢”。《信天游》“艺术中国制造上海当代艺术展”上海大东方美术馆。《世纪伟人邓小平》上海意得画院开幕邀请展，上海大东方美术馆。《月光下的旋律》中/意当代名家精品展上海国际会议中心。《西藏儿童组画》2011年“东博西画”艺术精选作品展上海东方网博宝艺术网。（李梨根据网络资料编辑收藏）当看到这样充满了情绪的儿童绘画作品在博宝宝珍商城中出现，带给我们的是前所未有的震撼。画家谭建武先生用不同以往的艺术语言，把一张张如此纯美的儿童为主题的油画展现到我们的面前，将儿童那最为闪光的亮点作为整个系列的一个表达主题，再次完美诠释了儿童那天真烂漫的生活状态和精神面貌。在人物油画作品中，很多人都会选择儿童或者老人，这是在我们人类中最具有特点的一段生活时间，处于成长初期的儿童，他们有着太多我们成人早已失去的精神状态，相信每一个看到谭画家在博宝宝珍商城中展出的西藏儿童油画系列作品时，都会被其深深的吸引，被其深深的打动，在这样成

油画笔触的欣赏参考资料

油画笔触的欣赏油画笔触是油画的表现语言。我们在欣赏一幅油画的时候，不太了解油画的人，常常会有许多困惑：为什么有些油画的画面，有的地方颜色堆得很厚？而有的地方却露出画布的底色？真如常人说的：油画是近看一块疤，远看一朵花吗？此话似乎有些道理，至少朴素地说出了油画的笔触和机理效果，如果，我们从初略的油画历史说起。早期古典的油画作品多是平涂式的，如达芬奇、拉斐尔等著名大师，以及18世纪初的大卫和安格尔，他们都是采用此法。这种方法是用宽大的笔一遍又一遍地从暗部画起，最后加亮部，精雕细琢的直至完整地表达对象为止。我们再从绘画崇尚自然说起。长期以来的画家都是崇拜自然的，以表达自然为荣，或是迎合市场。他们的作品感觉光滑、细致，笔触磨得很光，几乎不易察觉，但这不等于说他们用色较少，他们在光感、质感上的追求仍达极高的水平。应该说，古典派画家在画面底层上做了很多功夫，只是喜欢用“扫”、“磨”甚至“揉”等绘画方法，表现画家自己对自然的理解和表现。如达芬奇的著名油画《蒙拉丽莎》，就是用这种方法完成的。这种绘画的方法细腻，具有照相术的视觉效果；这种方法也能在一定的范围内表达光感，以及素描效果较强。但这种方法较易束缚画家的个性，尤其在照相术发明之后（18世纪中叶），古典的、细腻的写实画风被工业文明所代替。可以说，是工业文明迫使画家在油画风格上趋向个性化，或者说是画家的生存不得不与照相术玩表现技巧。我们从油画色彩理论上说，厚堆法的出现，是欧洲画家长期研究自然、光学、色彩学的成果。他们在照相术出现以后的绘画实践中，在表达一些质感和光感等方面尚达不到所追求的效果时候，逐渐加强了色彩层，厚厚地堆上颜色，使欣赏者看画的时候，常常要退后稍远一些看，神奇的效果才出现。诸如形象、立体感、光感才被表现出来。如最初出现“堆”颜色的画法是伦勃朗，他在《戴金盔的人》画面上，金盔就是经过了多次的厚厚重叠，使之成为“浮雕”似的造型方法得到表现金盔的质感，从而准确地表达了花纹的凹凸起伏，加强了金盔的金属质感，并和人面部的距离拉开。在这幅画里，光感、质感、空间感都得到了完美的表现。当然，伦勃朗的时代照相术还没有发明，而他的“堆”颜色的画法只是追求当然，初学油画的同学，由于在这种表现方法上的经验不足，初期的笔触总是显得拘泥杂乱，细节也多。而成熟的画家由于在个性方面大多趋向豪放，细节也相对减少了许多。如列宾、透纳的画，我们常常是只见到飞舞奔放的笔触，但也准确地表达了形与色，这与画家对技法的熟练，以及个人的感情也在他们的笔触中显露。这也印证了中国人所说的“字如其

中国最为经典十幅油画作品欣赏(收藏佳品)

中国最为经典十幅油画作品欣赏（收藏佳品）中国油画最早起源于17世纪初距今400多年前。中国油画的历史，一般认定是从“五四”前后李叔同、李铁夫、林风眠等大批艺术青年的留学风潮算起。一般可分为四个阶段：一是引进起步阶段（20世纪初—1936），代表性画家有林风眠，刘海粟等人。二是艰难坚守阶段（1937—1949），代表性画家有徐悲鸿等人。三是曲折探索阶段（1949—1976），代表性画家有董希文等人。四是自觉构建期阶段（1977—2015），代表性画家有罗中立等人。一百多年中国油画的发展历程中，油画的思想、观念、风格、技法等明显地表达出不同历史背景、时代精神下民族化的过程，产生了一大批优秀的中国经典油画作品。 1、自画像李叔同1911年布面油彩60.6x45.5cm 日本东京艺术大学藏这幅画是李叔同1911年（辛亥清宣统三年）32岁春，于东京美术学校毕业时创作的自画像。该画画风细腻缜密，表情描写细致入微，类似清末融合中西的宫廷肖像画，有较高的写实能力。李叔同（1880—1942），又名李息霜、李岸等，

学名广侯，字息霜，别号漱筒。他是中国新文化运动的前驱，著名音乐、美术教育家，书法家，戏剧活动家，是中国话剧的开拓者之一。他是1906年（丙午光绪三十二年）9月29日27岁时，以“李岸”之名注册，考入东京美术学校油画科，1911年3月毕业。毕业后偕日妻回国，担任过教师、编辑之职，后剃度为僧，法名演音，号弘一，被人尊称为弘一法师。1913年受聘为浙江两级师范学校（后改为浙江省立第一师范学校）音乐、图画教师。1915年起又兼任南京高等师范学校（南京大学前身）音乐、图画教师。1942年九月初四圆寂于泉州。 2、音乐家李铁夫1918年布面油画68×56cm 李铁夫（1869-1952），生于广东江门市鹤山。艺术大师，革命家。中国近现代油画艺术与民主革命先驱。1885年，16岁随叔父到国外谋生与求学。1887至1891年，分别在英属加拿大阿灵顿美术学院、英国皇家艺术学院学习。1896年，加入孙中山的民主革命，1907年在英国与孙中山等创立兴中会。1908至1911年，入威廉·切斯画室。1913年入美国纽约美术大学，1914年获铜像雕刻学冠军。是中国美术史上第一个赴欧美学习并取得较高成就者。1930年由美归国，

古典油画的价值和意义

西方古典油画对于我们中国人来说，有什么特殊的价值和意义？我可能不会过多地讲怎么看怎么欣赏作品，因为，你们无论是在展厅还是听其他老师的讲课，或者是自己面对作品的时候，都已经有了很多的知识和准备。我讲的问题似乎是一个学术问题，确实也是一个问题学术问题。西方的古典油画对于中国人来说是一个外来的东西，但是它又根植于人对于世界的一种把握方式。我们会把这种把握方式作为外国文化逐步地接受，但是，由于这样的接受已经经过了一百多年的历史，作为一个民族，已经习惯于接受西方的文化和西方的艺术的成就。但是，事情并不总是如此，因为，如果我们看中国的艺术，这样的一个世界，我们会发现似乎我们有两种意识，一种叫做西画或者叫做油画，另外一种叫做国画。好像有两样东西，但是，假设我们面对艺术的时候，或者说面对绘画的时候，我们发现有两种东西，那么，我们就要做出选择，我们其实已经做出了选择。譬如说，大家今天来看这个展览或者来听这个讲座，就是这样。好，那我可以看西方的那一种，当然也可以同时看中国的另外一种，这两种东西之间有什么关系？有什么区别？这种区别今天我们如何来看待它的价值，并且把这个价值不仅是看成一个欣赏的途径，而且看成是我们对文化的理解，我们就不得不讨论这样一个问题。首先,我们看待这个世界的时候，过去都以为我们会用眼睛看世界，其实不是这样，无论是中国伟大的敦煌，还是八大山人和齐白石这样伟大的艺术家，他们一直用眼睛看世界，但是，他们从来没有准备去画出一双非常真切的手，这样的一个方法，他没有做过。也就是说，他对于世界的认知，并非是他的眼睛直接认知，然后用他的手去表达出来，而是他根据一种看世界的特殊方法来对这个世界进行把握的。那么，古典油画是另外一种，表面上看起来好像很像，也许他真的可以画出一双手。就像我们在展厅里看到有一些作品，甚至你贴得很近了，还以为这不像画出来，好像是生来如此，身在画中。这种感觉，凭我们的直觉，我们就能够欣赏它，能够感受到它的技巧和它的一种艺术的魅力。但是，画得再像，也不如拍一张照片又快又准，拍一张照片不如看真人，如果一个人就在你面前的话，他更像他自己。如果我们只是从绘画作为接近真实的角度去衡量，其实，这个接近的程度的多少，只是一个比较简单的标准。尤其是摄影发明了以后，这个标准就显得不那么重要。还有什么事情更为重要呢？我们开始追索，是不是即使画得像，他也有一个怎么来画的问题藏在里面。这就是今天我们要讨论的题目。实际上，我们讨论的题目中包含着两个层次的问题，我们说的古典绘画跟中国不同，我们今天要讲这个不同，我不侧重讲这个不同。但是，我们讲不同的时

古典油画技法

古典油画技法(宾卡斯油画的透明画法) .

透明画法是宾卡斯先生的主要授课内容之一。他对透明画法的讲授并没有做一套从头到尾的完整技术示范，他自己也认为他所示范的一些透明画法已不再是绝对精确的古典模式，而只是他个人对这种传统技术的研究成果。一幅作业的开始：一幅艺术品的开始并不是在画家举笔落墨之时，而是从画家观察对象，选择绘画表现手段、工具以及材料时就已经开始了，所以完成一幅作品的全过程应包括选择表现内容和准备工具材料两项内容。这两个最初的绘画步骤对于整幅作品的完成起着不可忽视的作用。正因为如此，它们应该引起我们的重视。油画通常画在布、板或纸上。每种材料都有其独特的美感，利用和表现这种美感是画家的水平所在。画布：纯亚麻布、棉布和混纺布。画布中最佳者莫过于纯亚麻布，它作为油画布已经具有久远的历史。国产亚麻布质量较好，可选用。但混纺亚麻布不适于作画，因为不同质地的纤维收缩程度不同，作品表现的油画色会因纤维的收缩差异出现龟裂。另外好的棉布也属油画布中的佳品。眼下商店出售的现成的油画布由于制作工艺水平的局限极易出现问题，如龟裂、脱落等。我们应该提倡艺术家自己刷制画布，因为它是你的绘画过程中的一个有机部分。绷画布：绷画布时应注意四点。第一，买来的亚麻布用之前要用水洗去胶质；第二，不要绷的太紧，像鼓一样，而是绷的即要紧又要有弹性。太紧，布眼会被扯大，对涂胶层以及将来的绘画过程都有影响，太紧也会导致

颜色层龟裂；第三，画布须钉得平整，纤维的纹路要平直，不能扭曲，扭曲的纹理（尤其是粗画布）会破坏作品表层的肌理美感；第四，钉子间距以四公分为宜。涂胶：（1）胶层的调治：涂胶是绘画过程中的极重要的一环，也是作品的第一层结构。（注意：透明画法要求胶层为白色，以便于形成色层的透明折光效果）（2）涂胶：第一遍和第二遍胶要以稀薄为佳。第二遍要待第一遍干后再涂。涂是画布要平放，同样，涂毕也要平放晾干。第三遍胶要略厚于前两遍，干后可用刮胡刀修整。如用砂纸打磨，磨后要上一遍稀薄的胶以防吸油。有时因刷的胶太多，或因画布网眼太大，背面会出现漏胶现象，以往大家都不予以注意，宾卡斯先生强调说，这种现象能是画面吸油程度不一,并导致油画曰后局部损坏，如出现这种情况可做如下处理：先用海绵将漏出的胶吸去，再用画刀将余者刮掉即可。绘画工具：（1）画笔：这方面有两点值得注意。A.画笔与绘画的技巧语言、肌理、画面的气势有着密切的关系，正如我们认为不同的依托材料有不同的美感那样。不同样式、不同毛锋产生的绘画效果。单一的画笔不会产生丰富色彩的用笔和笔触效果。B.国产毛笔是很好的画笔，毛锋较挺健的可以充当非常好的油画笔。在西方，类似中国毛笔形制的油画笔有很多种。

中国著名油画作品欣赏_最著名的油画作品介绍

竭诚为您提供优质的服务，优质的文档，谢谢阅读/双击去除中国著名油画作品欣赏_最著名的油画作品介绍随着油画的不断发展,各种油画的派别都有了不同的改进和技术上的突破,从东方的意象式的绘画方式到西方具象式的写实绘画都有了不同的发展,主要表现在绘画语言表达的相同方式上。小编整理了最著名的油画作品，欢迎阅读! 最著名的油画作品图片展示最著名的油画作品图片1

最著名的油画作品图片2 最著名的油画作品图片3 最著名的油画作品图片4 最著名的油画作品图片5 油画在中国的历程

国油画家的出现源于康熙年间，传教士郎世宁、潘庭章、等以绘画供奉内廷，从而把西方的油画技法带入了皇宫;雍正，乾隆年间，宫廷的包衣〔满语即奴仆〕受命于皇上，向传教士学习油画，但并未留下一些痕迹。到了1840年鸦片战争爆发，中西文化大冲撞，民间的画坊、画馆兴起，画技亦得到了改善。但此时由于画工的地位低微，文化素养也有限。清末维新变法后，许多青年学子先后赴英、法、日本等国学习西洋油画，有油画家：李铁夫、冯钢百、李毅士、李叔同〔弘一法师〕、林风眠、徐悲鸿、刘海粟、颜文梁、潘玉良、庞薰琹、常书鸿、吴大羽、唐一禾、陈抱一、关良、王悦之、卫天霖、许幸之、倪贻德、丁衍庸等。这些油画家归国后带来了西方及日本先进的教学方法及理念，如1911年西洋归国的周湘创办了中国第一所美术学校;1912年刘海粟创办上海图画学术院，并第一次起用人体模特写生;1919年任教育总长的蔡元培先生倡导开办了第一所国立美术学校--北京美术学校，1927年，中央大学开设艺术科〔徐悲鸿任主任〕;1928年杭州创办了第一所大学制

论中国传统绘画与西方古典油画的差异性

论中国传统绘画与西方古典油画的差异性若有永恒，为何人有限而天地独无穷，若有不朽为何心中烈火敌不过强暴的风，为何世间有一物能做到无尽永恒与不朽。那便是艺术。任世间万物流转，时间洗礼，她巍然不动，光芒越盛。若谈艺术，中华传统艺术必定是人类艺术史上不可不提的。中华艺术文化源远流长、博大精深，是中华民族伟大创造的结晶，更是屹立在世界东方、自成体系且独具特色的文化。正是在这丰厚的中华文化土壤中，孕育出光辉灿烂、绚丽多彩的中国传统艺术，涌现出历朝历代无数杰出的艺术家和不朽的艺术品，形成了具有浓郁民族特色的中国传统艺术理论和美学理论。中国古典美学有自己的独特的范畴和体系。因此，中国美学和西方美学分属两个不同的文化系统。下面我们就从绘画方面谈一谈，中国传统绘画与西方古典油画的差异性。第一、社会背景与艺术思潮。看问题要找根源。我们要探究中国传统绘画与西方古典油画的差异性，就要从中西方的文化背景与艺术思潮开始分析。所谓艺术思潮，是指在一定社会历史条件下，特别是在一定的社会思潮和哲学思潮的影响下，艺术领域所发生的具有广泛影响的思想潮流和创作倾向。中外艺术史上，曾经出现过不少艺术思潮，突出地反映了某一特定时代的社会思潮和审美理想，对各门艺术都程度不同地产生了重大影响。仅仅从17世纪以来，在艺术史上产生过重大影响的艺术思潮，以及20世纪后半叶开始出现的后现代主义等等。西方古典油画的古典主义是以尊重古希腊、罗马的审美原则，构图上对称、均衡，气势上庄严、辉煌、崇高向上，技法精湛，

刻画深入。由于在17世纪，欧洲普遍信奉天主教，追求，西方古典油画的素材也大多是源于圣经或基督故事，画法也讲究写实，客观。而中国传统文化深受儒家美学、道家美学和禅宗美学的影响，正是这三者的不断冲撞和融汇，影响和决定着中国传统艺术思想、审美趣味的不断变化与发展，形成了中国艺术的鲜明特色、形成了民族艺术气派和民族艺术风格，形成了中国艺术特有的意境、虚实、气韵、文质、含蓄的特点。中国传统绘画也是在这样深厚的文化艺术背景下发展转变而来的。由于艺术风格的特色是由本民族的地理环境、社会状况、文化传统、风俗习惯等多种因素决定的，体现出本民族的审美理想与审美需要。因此，丰子恺说：“东西洋文化，根本不同。故艺术的表现亦异。大概东洋艺术重主观，西洋艺术重客观。东洋艺术为诗的，西洋艺术为剧的。故在绘画上，中国画重神韵，西洋画重形似。” 第二、透视与构图（表现手法）。所谓透视，就是在平面上表现立体物。中国传统绘画是不重视透视的，而西方古典油画要力求写实，因此极注重透视。在描绘市街、房屋、家具、器物等形体都力求逼真。而且很注重背景，凡物必有背景，例如果物，其背景为桌子，人物，其背景为室内或野外。画面全部填涂，不留空白。就像著名的达芬奇

油画的代表人物

油画的流派分为两大类。第一类是以客观的再现为主的创造性作品；第二类是以主观表现为主的创造性作品。在第一类中如文艺复兴后出现的巴洛克、洛克克、古典主义、学院主义、浪漫主义、现实主义、写实主义、照相写实主义、印象主义都是以再现自然为基础，表现画家不同的思想与目的。巴洛克派——巴洛克流行于17世纪至18世纪。“巴洛克”一词原意有不整齐、扭动、怪诞的意思。推崇运动的扭曲，形体的丰腴与量感，其艺术语言强烈、夸张、动、浮华，这是巴洛克派绘画的特点，其代表人物为鲁本斯。洛克克派——“洛克克”原意是指贝壳的形状，其艺术风格为繁琐、精巧、纤细、甜腻、流行于18世纪，其代表画家有华多和弗朗索·布欧等。古典主义与学院主义——古典主义是以尊重古希腊、罗马的审美原则，构图上对称、均衡，气势上庄严、辉煌、崇高向上，技法精湛，刻画深入。这也是学院主义的奉行的原则。正如学院派奠基者法契诺所讲“美是所有艺术品的最高目标，它是事物的一种客观性质，由秩序、和谐、比例、规矩所组成”。其代表作家有拉斐尔、安格尔等等。浪漫主义——浪漫主义起源于法国19世纪初期，其代表作是籍里柯的《梅杜萨之筏》，在此作品中的构图、光线、色彩、动态、表情都表现了艺术家丰富的想象力，它打破了古典主义的构图中的水平与垂直，光线的柔和与均匀，使画面产生了一种激情。这也是浪漫主义绘画的重要元素，注重感情的宣泄与表达。现实主义——现实主义绘画指19世纪中叶，以米勒为首的画家主张用忠实于对象的手法去表现正常的视觉形象，反映生活的本质。其代表作有米勒的《拾穗》等。写实主义和照像写实主义——写实主义就如它的创始人库尔贝在1885年所讲的：“象我所见到的那样，如实地表现我这个时代的风俗，思想和它的面貌。一句话，创造艺术就是我的目的。” 照相写实主义是对生活以一种照片式的形式搬上画面，如克洛斯的《约翰像》。它绘制作品要先拍成照片或幻灯片，再把它以比真人大十倍的比例精细地放大到布上，更细腻、更逼真地表现出对象的细节，如脸上的每一丝肌理和每根汗毛等。印象主义——印象主义是19世纪的画家们走出了自己的画室，去探索自然界中光与色的瞬间变化，打破了传统观念上固有色的概念，如树是兰绿色、阴影是黑色，它把周围的环境色对固有色的影响进行了客观的绘制。其代表画家有莫奈、修拉、塞尚、雷诺阿等。如果说以上提到的画派还是画家在忠实的再现自然，只是对其进行了发挥添加，强调和发展的话，下面所介绍的第二大类，即后印象主义、野兽派、立体主义、未来主义、抽象主义、超现实主义等，它们不再是对客观对象的真实描绘，而是根据画家的主观意图进行自由创作，它们大多出现在20世纪以后。

吴冠中油画作品欣赏(7)

吴冠中油画作品欣赏（7）草原风景油画1989年作印度风景油画1987年作夜咖啡油画（珂罗版）1989年作巴黎协和广场画布1989年作香港夜景珂罗版画此作表现了香港维多利亚湾繁华的城市景色。画家用抽象的色块和线条概括了香港的高楼、广告牌和灯光，给人以富丽堂皇的视觉效果。此作乃是油画原作的有限印刷品，发行数量极少。巴黎蒙马特1989年作一九八九年，在巴黎之行中，吴冠中共绘了三件以蒙马特为创作题材的作品，分别取景于蒙马特的街头，本幅取景于咖啡馆林立的Place du Tertre，以巴黎著名的餐厅Le Consulat 为画作主角，街道背后高耸的圣心堂伴随着蓝天白云，点绘出画家当时愉快喜悦的心境，画中街道背后隐约可见圣心教堂。鸽子油画木板1989年作塞纳河畔1989年作塞纳河1989年作塞纳河风景布面油画1991年作巴黎公路画布1989年作

巴黎大皇宫油画1989年作吴冠中先生此件油画作品题为《巴黎─大皇宫》，作品构图简洁，色彩明快亮丽，兰色的塞纳-河上是巴黎最著名而且最多人拍照的亚历山大三世桥，周围绿树环抱，桥的一端这座雄伟壮观的白色园顶建筑便是举世闻名的大皇宫。整个画面所采用的灰白色调将巴黎这座国际大都市在喧闹之余所呈现出的宁静祥和的气氛表现的淋漓尽致。荷塘清趣1989年作绍兴湖江南水乡油画1989年作高原人家画布1990年作倒影油彩画布1990年作布面油画1990年作命名为《夜》的作品，总是让人不由自主地联想到米开朗琪罗为美第奇家族礼拜堂制作的不朽群雕《昼、夜、晨、昏》，这一组伟大的雕刻，曾以象征性的手法，将文艺复兴时期纷繁复杂的精神内涵展现在人们面前。站在吴冠中的《夜》面前，人们将不得不说同样的话，这次被展现的，不是一个时代的宏大的精神，而是整个现代的灵魂。画家不惜用成片的黑色涂抹这寸土寸金的画面；把用阔大的笔触把这纪念碑一般、却带着令人心碎的柔弱的女体，呈送到我们面前：她俯伏在她的手臂上，她的身体作极不舒服的扭转，我

中国古代绘画作品欣赏

韩熙载夜宴图《韩熙载夜宴图》是中国画史上的名作，中国十大传世名画之一。它以连环长卷的方式描摹了南唐巨宦韩熙载家开宴行乐的场景。韩熙载为避免南唐后主李煜的猜疑，以声色为韬晦之所，每每夜宴宏开，与宾客纵情嬉游。此图绘写的就是一次韩府夜宴的全过程。这幅长卷线条准确流畅，工细灵动，充满表现力。设色工丽雅致，且富于层次感，神韵独出。《韩熙载夜宴图》是五代大画家顾闳中所作，这幅画卷不仅仅是一幅描写私人生活的图画，更重要的是它反映出那个特定时代的风情。由于作者的细微观察，不放过任何一个细节，把韩熙载生活的情景描绘得淋漓尽致，画面里的所有人物的音容笑貌栩栩如生。在这幅巨作中，画有四十多个神态各异的人物，蒙太奇一样地重复出现，各个性格突出，神情描绘自然。《韩熙载夜宴图》从一个生活的侧面，生动地反映了当时统治阶级的生活场面。画家用惊人的观察力，和对主人公命运与思想的深刻理解，创作出的这幅精彩作品值得我们永久回味。泼墨仙人图梁楷，南宋人，生卒年不详，祖籍山东，南渡后流寓钱塘( 今杭州) 。他喜好饮酒，酒后的行为不拘礼法，人称是“梁风（疯）子”。《泼墨仙人图》是现存最早的一幅泼墨写意人物画。可以说是梁楷与画院画风决绝后，自辟蹊径，独树一帜，在绘画创作中所创“减笔”画之杰作。画面上的仙人除面目、胸部用细笔勾出神态外，其他部位皆用阔笔横涂竖扫，笔笔酣畅，墨色淋漓，豪放不羁，如入无人之境。作者在构造人物形象时，有意夸张其头额部分，几乎占去面部的多半，而把五官挤在下部很小的面积上，垂眉细眼，扁鼻撇嘴，既显得醉态可掬，却又诙谐滑稽，令人发笑，以生动的形象表现了作者的思想境界和生命态度，极尽嬉笑怒骂之态。据画史记载：梁楷为人不拘小节，好酒，自得其乐，狂放不羁，且任性高傲，在艺术上有自己的创见，不肯随波逐流，因而有“梁疯子”之称。应该说梁楷所画的不是“仙人”，而是他自己的写照。梁楷在他艺术生涯的前期，曾受画院“格律”的严格训练，人物画继承李公麟之画风，后因作者本人的素质和历史因素，梁楷凭着这股“疯”劲，反对因循守旧，敢于标新立异，敢于创造发展，因而他在中国画史上占有一席之地。秋江渔隐图轴，绢本，墨笔，纵：37厘米，横：29厘米此图画面单纯，一老渔翁怀抱木桨，蜷伏在船头酣睡。小舟停泊在芦苇丛中。这幅作品体现了马远人物画创作的造诣，画处于静态的人物，已达到妙化入境的地步。老渔翁头部处理很见功底，眉、发、胡须的画法用的是传统的线描法，但对脸颊、鼻尖、眉宇、下唇、眼窝的晕染，却富有体积感，这在古代传统绘画里是一个突出而少见的表现手法，即使在马远其它人物画作品里也没这幅画运用得这么成功。另外，他能娴熟地用线条表现物象的质感，如水的轻盈、布衣的皱褶和船板的木质等。几枝将枯未枯的芦苇轻轻摇摆，秋风萧索，细波粼粼，渲染出一片静谧的秋意，画面气氛烘托较为成功。

世界经典油画赏析

世界经典油画赏析 1、无名女郎1883年克拉姆斯柯依俄国75.5cm×99cm 布油彩莫斯科特列恰科夫美术馆藏这是一幅颇具美学价值的性格肖像画，画家以精湛的技艺表现出对象的精神气质。画中的无名女郎高傲而又自尊，她穿戴着俄国上流社会豪华的服饰，坐在华贵的敞蓬马车上，背景是圣彼得堡著名的亚历山大剧院。究竟“无名女郎”是谁，至今仍是个谜。画家在肖像画上创造了一种新的表现风格，即用主题性的情节来描绘肖像，展示出一个刚毅、果断、满怀思绪、散发着青春活力的俄国知识女性形象。 2、入睡的维纳斯约1510-1511年乔尔乔内意大利108.5cm×175cm 布油彩德累斯顿国家美术馆藏这是乔尔乔内最成功的油画作品，最后由提香完成。作品中的维纳斯展示出造化之美，没有任何宗教女神的特征：在自然风景前入睡的维纳斯，躯体优美而温柔，形体匀称地舒展，起伏有致，与大自然互为呼应。这种艺术处理不是为了给人以肉感的官能刺激，而是为了表现人的具有生命力的肉体和纯洁心灵之间的美的统一。这种充满人文精神的美的创造，

是符合文艺复兴时期理想"美"的典范的。 3、蒙娜丽莎1503年-1506年莱奥娜多·达·芬奇意大利77cm×53cm 板油彩巴黎卢浮宫藏达·芬奇的《蒙娜丽莎》成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级妇女形象。据记载，蒙娜丽莎原是佛罗伦萨一位皮货商的妻子，当时年仅24岁。画面中的蒙娜丽莎呈现着微妙的笑容，眉宇间透出内心的欢愉。画家以高超的绘画技巧，表现了这位女性脸上掠过的微笑，特别是微翘的嘴角，舒展的笑肌，使蒙娜丽莎的笑容平静安祥而又意味深长。这正是古代意大利中产阶级有教养的妇女特有的矜持的美好表现，不少美术史家称它为"神秘的微笑"。 4、亚威农少女毕加索西班牙1907年油画244×233.5厘米纽约现代艺术博物馆这是现代艺术创始人毕加索早期立体主义的代表作品，是一幅颠覆了以往的艺术方法的立体主义经典画作。可以说，《亚威农少女》是毕加索一生的转折点，没有它，也就不会诞生现在的立体主义。所以，人们往往称呼它为现代艺术发展的里程碑。这幅画的题目是诗人萨尔蒙所起的。当时，青年时代的毕加索生活比较贫困，住在“洗衣坊”大楼。而“亚威农大街”当时是巴塞罗那的一条“烟花巷”。这幅画中的女人原型就是这条街上的妓女们，所以也有人把这幅画称为《青楼少女》。这幅画，作者抛弃了对人体

欧洲经典油画作品赏析 6(165-219)

欧洲经典油画作品赏析6（165-219）欧洲经典油画作品赏析6（165-219）原标题《一生必知的传世美术经典》来源/ 老阿更的收藏原创/ 不祥复制·编辑/ 塞上其翁165、《维纳斯与战神》作者：波提切利（1445—1510）意大利【年代】1485年【藏处】英国伦敦国家画廊维纳斯扮演着大自然和人类之母的角色，而不是充满情欲的爱的女神。画中的她穿着朴实无华的洁白长袍，长袍绣着金边，和她浓密的金发相互辉映；而战神则脱去了令人生畏的形象，正暧洋洋地睡着，为了加强这种平和的气氛，森林之神农牧神则在他身旁嬉戏，一个玩弄着丢在一旁的甲胄，一个朝着酣睡的战神耳旁用力吹螺，画家发挥了高度的想像力，用轻松诙谐之笔画出古代天神休憩的状态，整个画面充满一种安宁。这幅作品色泽纯洁鲜明，人物形态完美，谑而不虐，笼罩着一片和谐气氛，是波提且利最优美的作品之一。同时也是波提切利神话画作中，惟一未收藏于意大利的作品。166、《诽谤》作者：波提切利（1445—1510）意大利作于1490年；藏于意大利佛罗伦萨乌菲齐美术馆波提切利的这件著名的传世作品取材于古希腊画家阿贝列斯的一幅画中的文字记载。描绘的是在宽敞的罗马建筑大厅里，有三个女子和一个男子，正把一位裸体男青年拖到国王面前审判。被黑色风衣包裹着的男子是

“诽谤”，他的手势伸向国王，竭尽诽谤之能事；手持棍棒，揪着裸体男子的正是“叛变”，她出卖了同伴，并把他交给国王；裸体男青年是孤立无援的“无辜”，他合掌向上祈求真理能拯救他免遭诽谤的命运；后面两个女子，一是“虚伪”，另一是“欺骗”，也有说是“妒嫉”和“仇恨”，她们俩正在为“叛变”者梳理头发；在宝座上坐着一位长着两只驴耳朵的国王，昏庸无能，愚蠢无知到极点，听信诽谤，同时在他两边分别是“无知”和“轻信”，不断地向他的耳朵里灌输无知和轻信；画面的另一边站着一位被黑色长袍包裹着的“悔罪”，他正向着立在身后的全裸体女神，那就是“真理”，希望她能出面拯救“无辜”者。可是站立不稳的真理，手指上天，意思是说：“对于这里所发生的一切我也无能为力，去找上帝吧。”这件作品是一件寓意深远的作品，它告诉人们一个道理现实社会中罪恶都是用美丽的形象乔装打扮以欺骗人民的，统治者听信坏人之言，正直好人总是落难，而面对这一切，真理也是无能为力的①“真理”，②“悔罪”，③“叛變”，④“無辜”，⑤“虛僞”，⑥“欺騙”，⑦“誹謗”，⑧“國王”，⑨“無知”，⑩“輕信”。167、《帕拉斯和人头马神》作者：波提切利（1445—1510）意大利创作时间：约1482年藏于意大利佛罗伦萨乌菲齐美术馆《帕拉斯和肯陶洛斯》取材于希腊神话故事：宙斯劫夺欧罗巴来到

油画风景写生教学大纲 (1)

油画风景写生教学大纲教学单位名称：美术与艺术设计学院课程名称：油画风景写生英文名称：Landscape Painting 课程号：06226101 课程学时：4周课程学分：4 课程开设学期：第6学期一、教学目的与任务 1．本课程是绘画专业油画方向学生的专业课程。油画风景写生课的主要任务之一就是训练学生敏锐的色彩感受力和画面色彩的表达能力。为了有利于最初写生时学生观察和把握色彩的整体关系，应尽可能选择一些颜色变化不太复杂、易于表达的风景来画。东西方绘画的差异使我们了解到：画面中的空间效果，可以是对视觉记忆中的客观世界的空间形态作直接的类似模仿，也可以是人类追求回归自然的一个精神家园。本科课程教学目标为： 1、通过外出进行油画风景写生，优秀的风景画作品往往寄托着人类对于自己所生活的那个空间的依恋和对于真、善、美的无限情思。 2、训练学生敏锐的色彩感受力和画面色彩的表达能力。为了有利于最初写生时学生观察和把握色彩的整体关系，应尽可能选择一些颜色变化不太复杂、易于表达的风景来画。 3、通过写生，学会观察生活，挖掘生活的内涵，并且在写生中寻找归纳个人绘画语言，从而提高对景创作的能力。 2．本课程在专业教学计划中具有重要的地位，起着承上启下的作用，通过进入山区、农村、有特色的城市和具有典型特色的文化、风俗地区进行实地风景写生训练，提高学生对自然的观察力和感悟力，陶冶学生的艺术情操，激发学生的创作灵感，搜集创作的素材，丰富生活的体验和艺术的情感，为提升学生的艺术修养做好眼界与经验上的准备。 3．本课程为理论讲授（包括讲评和辅导）和技法演示两部分组成。采用写生、创作两段式课程结构进行教学，方法主要采用讲授法、演示法和个别辅导法，并注重启发式教学。二、教学基本内容、要求与学时分配油画风景写生课的主要任务之一就是东西方绘画的差异使我们了解到：画面中的空间效果，可以是对视觉记忆中的客观世界的空间形态作直接的类似模仿，也可以是人类追求回归自然的一个精神家园。优秀的风景画作品往往寄托着人类对于自己所生活的那个空间的依恋和对于真、善、美的无限情思。大自然的景色是变幻无穷的，崇山峻岭、长河浩海无不使人激动。为了描绘它，需要在长期的绘画实践中总结出许多宝贵的经验。但要想在艺术的天地中纵横驰骋，除了前人的经验外，还需要成熟的技巧以及正确的观察方法。第一章风景写生的基本要求

印象派油画代表人物以及作品

印象派油画代表人物以及作品印象派绘画是西方绘画史上划时代的艺术流派，19世纪七八十年代达到了它的鼎盛时期，其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地，但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。19世纪后半叶到20世纪初，法国涌现出一大批印象派艺术大师，他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨制，例如，马奈的《草地上的午餐》、莫奈的《日出印象》。印象派的基本特点印象画派是以光和色彩作为认识世界的中心，随着科学研究的深入和发展，19世纪人们已懂得物体之所以呈现不同色彩，是由于它们吸收和反射不同的光所造成的。物体全部吸收日光便呈黑色，全部反射

日光则为白色，反射蓝色光波而吸收其他光波呈现蓝色等等。自然界的任何物体都必须受到光源色和周围环境其他物体色彩的影响，因此不可能有绝对纯的固有颜色存在。那种认为树是绿色的，花是红色的观念，只是一定历史条件下的认识，在科学发展的19世纪，它显然已过时了。人们认识到哪怕是同一个光源，在清晨和傍晚不同的时间，也会在物体上产生不同的色彩影响。而且物体与光源的距离，受光的角度，物体表面的光洁度等条件均会影响其色彩的变化。光和色彩之间的关系是极为复杂微妙的。这样，传统固有色的观念被彻底打破了。随着对固有色观念的抛弃，人们对色彩的认识也大大深化。人们发现有几对色光两两相混成为白光，而有几种颜色互相混合会变成黑色，这样，人们称这些色光和颜料互为补色关系，把这样的两种颜料称为补色，如黄与紫、红与绿、橙与蓝。在色彩写生中，这种补色关系有助于人们去分析和识别色彩。北京桔子树少儿美术培训班课程内容通常分为：少儿素描培训班、少儿国画培训班、少儿油画培训班、少儿水粉培训班、少儿漫画培训班、少儿创意美术培训班。北京桔子树少儿美术培训班课程介绍：按照教学总计划指定的课程内容包括：线描创作，水粉创作，油画基础，欣赏，及课外活动包含考级，户外写生，展览观摩等内容；通过教学计划的针对性从而达到通过灵活生动有趣的绘画教学引导形式，