美国舞台美术
历史再现+贝隆夫人——新版音乐剧《艾薇塔》的舞台美术
的 艾薇塔 在洛杉矶的 Ｄｏｒｏｔｈｙ Ｃｈａｎ－ ｄｌｅｒ 帐篷剧场开演 公演了９个星期后 该剧搬到三藩市的奥菲姆剧院 Ｏｒｐｈｅｕｍ Ｔｈｅａｔｒｅ 演出了７个星期之后 就直接进军纽约的百老汇了 在纽约 伦敦剧团的原班人马都汇集在一起 使 艾薇塔 在百老汇一炮而红 艾薇塔 不仅获得了当年百老汇音乐剧界的大量 奖项 在之后的几年里也一直是百老汇 常驻剧目 而许多巡回演出剧团也把 艾薇塔 带到了全球各地 １９９６ 年 麦 当娜击败一众好莱坞女演员 将艾薇塔 的形象带到大银幕上
灯光设计团队为这次经典重现付出 了很大努力 灯光设计师乔 克拉克
Ｊｏｎ Ｃｌａｒｋ 是康斯泰保的助手 灯光 程序师维克 斯莫尔顿 Ｖｉｃ Ｓｍｅｒｄｏｎ 通过Ｓｔｒａｎｄ ５００系列控制台对整个装置
艾薇塔 海报
进行控制 运行于Ｓｔｒａｎｄ ５２０ｉ控制台与 作为在线追踪备份的防灾ｒａｃｋ－ｍｏｕｎｔｅｄ 机 Ｓｔｒａｎｄ ５１０ｉ 联网 格里 阿米斯
部分灯具和灯光控制设备由伦敦的 Ｗｈｉｔｅ Ｌｉｇｈｔ公司提供 包括一些常规装 置 如椭圆成像聚光灯ＥＴＣ Ｓｏｕｒｃｅ Ｆｏｕｒ 和Ｓｏｕｒｃｅ Ｆｏｕｒ ＰＡＲ Ｓｔｒａｎｄ Ａｌｔｏ 和 Ｃａ－ ｄｅｎｚａ ＰＣ Ａｌｔｏ Ｆｒｅｓｎｅｌ Ｓｔｒａｎｄ 和 Ａｒｒｉ ５ｋＷ Ｆｒｅｓｎｅｌ ＰＡＲ６４ 以及 ＡＤＢ Ｓｖｏｂｏｄａ Ｌｉｇｈｔ Ｃｕｒｔａｉｎ吊杆外加２００个不同大小 的Ｒａｉｎｂｏｗ Ｐｒｏ 换色器 还有两个Ｆｏｘｉｅ 和两个 Ｋｏｒｒｉｇａｎ 追光灯 这些都来自于 Ｒｏｂｅｒｔ Ｊｕｌｉａｔ公司 电脑灯装置有Ｖａｒｉ－Ｌｉｔｅ 的新版 ＶＬ５００ 水下灯 ＶＬ１０００ ＶＬ３０００Ｑ Ｗａｓｈ单元 ＥＴＣ Ｓｏｕｒｃｅ Ｆｏｕｒ Ｒｅｖｏｌｕｔｉｏｎ 和Ｃｌａｙ Ｐａｋｙ Ａｌｐｈａ Ｈａｌｏ水下灯
历史再现 贝隆夫人——新版音乐剧《艾薇塔》的舞台美术
又译 《 贝隆夫人 》 ）于 ２ ０ 年 ６ 该 剧 搬 到 三 藩 市 的 奥 菲 姆 剧 院 ０６
关于舞台设计
布景设计 奥拉姆介 绍 ：“ 台设计 舞
】 在伦敦西 区艾德菲剧院 （ ｄｌ ｉ （ ｒｈ ｕ Ｔ ｅｔ ） Ａｅｈ ｐ Ｏ ｐ ｅｍ ｈ ａ ｅ 演出了７ ｒ 个星期之后
、
舞台上的一个巨大墙壁构成了胡宁
殳 计 克 里 斯 托 弗 ・奥 拉 姆 常驻剧目，而许多巡回演出剧团也把 乡下的场景 ，那是一个公共广场 。故事 ： ｈ ｒ ｒｍ） 音响设计米克 一 ｏ ｅ ａ 、 ｐ Ｏ 波 《 艾薇 塔》带到了全球各地 。ｌ９ 年 ， ９ ６ 麦 采用了倒叙的方式， 音乐剧中仅有的录
连成一体。 上部是楼梯和露台， 表政 绕方式 。
府玫瑰 宫 （ ａａ ｏａａ Ｃ ｓ Ｒ ｓｄ ）的那个 著名 的 露台 ，艾薇 塔后 来就是 在这 里发 表
达到 Ｌ ｅ ３ 的强度 ， ｅ ６ ２ 但不是明显的橙 色。 大多数的颜色在Ｌ ｅ ０ 到Ｌ ｅ ０ ｅ ３ ｅ ２５ ２ 或２４ ０之间。康斯泰保还想把布宜诺斯 ”
” 楼梯以及宽大的陶瓦平铺的地面，描 的设备要尽量遮掩起来。 我们还要仔细 长制的社会中表现权贵女人的状态。
Ｒ Ｓ 架的位置 ， 架设新的光桥 。 康斯泰保说：“ 我试图让这些衣服在灯 绘出一个繁华都市的环境特征。台口 考虑 Ｔ Ｕ Ｓ ｅ ５ ２ 向 台外做 出了延 伸 部分 ，使台 上 台下 所有的工作人员需要重新培训绳索的缠 光中呼 吸。暖色 调可以是 Ｌ ｅ ０ 或者
《 世 巨 星 》 （ ｅ ｕ Ｃｈ ｉｔ 谁 。艾薇塔出生贫寒 ，十五岁时到阿根 万 Ｊ ｓｓ ｒＳ
一
位悲痛的母亲，伴随着安魂曲悲泣。
美国百老汇音乐剧艺术特征分析
美国百老汇音乐剧艺术特征分析美国百老汇音乐剧是世界著名的舞台艺术形式之一，其独特的艺术特征使得百老汇音乐剧成为了世界各地观众所喜爱的经典作品。
在这篇文章中，我们将对美国百老汇音乐剧的艺术特征进行分析，并探讨其在全球范围内的影响力。
百老汇音乐剧的艺术特征在于其多样化的题材和风格。
百老汇音乐剧涵盖了各种不同的题材，包括喜剧、爱情、历史、悬疑、奇幻等等，这使得百老汇音乐剧在内容上具有极大的丰富性和多样性。
无论是《猫》、《音乐之声》、还是《悲惨世界》，每一部音乐剧都有着自己独特的故事线和情感表达，给观众带来了不同的精神享受。
百老汇音乐剧的艺术特征还在于其高水准的舞台表现和制作水平。
百老汇音乐剧所采用的舞台布景、服装设计、灯光效果等都是极其精致和专业的，每一部音乐剧都经过精细的制作和精心的安排，舞台效果极为震撼。
百老汇音乐剧的演员们有着丰富的表演经验和扎实的演技，他们能够将角色栩栩如生地展现在观众面前，吸引着观众的目光，让他们沉浸享受音乐剧带来的视听盛宴。
百老汇音乐剧的艺术特征还在于其独特的音乐和舞蹈编排。
音乐是百老汇音乐剧的灵魂所在，每一部音乐剧都有着精心设计的原创音乐，这些音乐充满了激情、感动和力量，能够深深触动听众的内心。
百老汇音乐剧中的舞蹈编排也是十分精彩，舞蹈设计师们能够将舞蹈和音乐完美融合，为观众呈现出了无与伦比的舞台视觉盛宴。
百老汇音乐剧的艺术特征还体现在其对当代社会和文化的深刻反映和探讨上。
百老汇音乐剧所呈现的不仅仅是一个个生动的故事，更多的是人性的探讨、道德的思考和社会现象的观察。
很多百老汇音乐剧都通过故事情节和角色塑造来反映当代社会的政治、经济、文化等方面的现实，使得音乐剧成为一个思想的交流和碰撞的平台。
美国百老汇音乐剧以其多样化的题材和风格、高水准的舞台表现和制作水平、独特的音乐和舞蹈编排以及对当代社会和文化的深刻反映和探讨而成为了世界舞台艺术的典范。
百老汇音乐剧的艺术特征不仅吸引了无数观众的目光，更极大地推动了全球舞台艺术的发展和交流，对世界文化产生了深远的影响。
美国的现代主义设计
壳牌国际石油公司的标 志（罗维 1967年） 该标志的贝壳型设计代表 壳牌石油公司的企业形象。
罗维为西格蒙特.格斯特 纳设计的复印机。 把原来布局混乱，操作 不便，油腻肮脏，张牙 舞爪的机器变成了造型 整体，形式现代，安全 好用而便于批量生产的 新机器，取得非常好的 市场效果。
“法玛尔”农用拖拉机， 一改以往笨重，零乱和 难于清洗的形象，采用 了人字纹的胶轮，易于 清洗，四个轮子的合理 布局也大大增加了稳定 性，为现代拖拉机设计 特征确立奠定了基础。
美国早期产品设计发展阶段起重 要作用的设计家，来自法国，曾 在巴黎大学和兰诺学院学习电气 工程，1919年到达美国，并长 期在美国工作，早期主要从事橱 窗设计和杂志的插画设计。 1929年为企业家西格蒙特.格斯 特纳设计的复印机采用了现在主 义设计的手法大获成功，1935 年“冰点”电冰箱则标志着设计 水平的进一步提高。此后设计了 宾夕法尼亚铁路的“GG-I型” 火车头，可口可乐的玻璃瓶包装， “协和式”飞机的内舱等。
英国BP石油公司标志
长途观光旅游巴士
灰狗汽车公司长途 观光旅游巴士 。
该火车头摈弃不计其数的铆钉，采用焊接技 术，制造机头外壳的设计，不仅使其外形完 整，流畅，而且简化了维护过程，从而降低 了生产成本。
沃尔特.蒂格 美国最早的职业工业设计师
为柯达公司设计的最早的 便携式相机，其基本部件 都被收藏在面盖之内，外 形简洁，利落，使用方便， 为现代135相机提供了一个 原型与发展基础。 具有现代主义外形的设计 不仅使用方便，也较好的 解决了功能与技术的统一。 体现美国工业设计师的一 个重要特点：与企业紧密 联合，使产品最大限度的 满足市场。
5外国美术史第五章
第五章１９世纪欧洲及美国美术概况1、法国大革命打碎了传统观念和权威。
艺术的题材不再限于宗教、神话、风俗、肖像。
2、艺术家摆脱了教会和宫廷的束缚，具有独立个性。
3、官方举办展览会，艺术作品走向市场。
4、以法国为中心的新古典主义、浪漫主义、写实主义、印象主义等各种艺术运动和思潮相继产生，将欧洲艺术发展推向高潮。
（古希腊可视为第一个高潮，意大利文艺复兴是第二个高潮，19世纪以法国为中心的艺术运动就可以称作欧洲艺术发展的第三次高潮。
）第一节法国新古典主义美术新古典主义美术，是相对于17世纪的法国以普珊为代表的古典主义美术而言的。
因为新古典主义美术运动与法国大革命紧密相关，也被称为"革命的古典主义"。
法国两个不同时期的古典主义17世纪法国古典主义美术——具有严正、高贵、秩序的特点。
很多画家到意大利学习，甚至长期居住，他们以希腊、罗马为典范，受到卡拉瓦乔强烈对比的手法及威尼斯色彩的影响。
19世纪法国新古典主义美术——以复兴古希腊罗马艺术为旗号。
但不是古希腊和罗马美术的再现，而是适应资产阶级革命需要，在美术上的一次借古开今的革命运动。
新古典主义美术的艺术特点1、以古希腊，罗马的艺术为范本，以古希腊、罗马神话和英雄故事为题材2、强调英雄主义3、重素描轻色彩4、讲究艺术形式的严谨完整，体现一种庄严、典雅的风格。
新古典主义美术代表人物1、大卫大卫是新古典主义风格的创立者。
《荷加斯兄弟的宣誓》《苏格拉底之死》《马拉之死》《萨宾女人》《加冕式》2、普吕东普吕东的作品具有柔和的效果。
他的绘画形象非常柔美，都是飘忽不定、处于梦幻朦胧境地。
《约瑟芬在马尔梅松》（又名《约瑟芬皇后像》）《西风劫走普赛克》3、格罗《阿科尔桥上的拿破仑》《雅法城的黑疫病人》《埃罗战役》4.安格尔安格尔一生追求古典美，视拉斐尔为典范，以温文典雅为理想，迷醉于古希腊艺术。
他善于描绘女人体，具有圆润细腻，健康柔美的艺术效果。
《瓦平松浴女》《大宫女》《泉》《奥迪普斯和斯芬克斯》第二节法国浪漫主义美术传奇故事、离奇遭遇、具有想象色彩的事称为浪漫主义。
美国百老汇音乐剧艺术特征分析
美国百老汇音乐剧艺术特征分析百老汇音乐剧是美国最有影响力和知名度的舞台艺术形式之一。
它在充满活力和创新精神的同时也延续了传统的音乐剧表演风格。
以下是对美国百老汇音乐剧的艺术特征的分析。
音乐剧是一种综合艺术形式，融合了音乐、舞蹈和戏剧。
音乐是百老汇音乐剧的灵魂，通过歌曲和配乐来展现故事情节和角色的内心世界。
舞蹈也是百老汇音乐剧的重要组成部分，通过精彩的舞蹈编排和动作表演来展示故事情感和表达角色性格。
戏剧元素通常通过对话和表演来呈现，结合音乐和舞蹈创造出独特的艺术形式。
百老汇音乐剧注重演员的表演和演技。
演员的声音培训和表演能力是成功演出音乐剧的关键。
他们需要能够通过歌唱、对话和舞蹈来传达角色的情感和角色的复杂性。
演员通常具有出色的音乐才华和声乐技巧，擅长演唱各种音乐类型，如流行、摇滚、爵士等。
他们还需要具备出色的舞蹈技巧和戏剧表演能力，以充分展现角色的动态和情感。
百老汇音乐剧在剧本和故事情节方面具有创新和原创性。
百老汇音乐剧不仅通过改编经典文学作品和电影来创作剧本，还创造了大量具有独特故事的原创音乐剧。
它们经常涉及到现实生活中的社会问题和人类情感，让观众在欢乐和娱乐的同时思考和反思。
剧本的创作和故事情节的发展是音乐剧艺术的关键要素，它们必须使观众产生共鸣并引起他们的兴趣。
第四，百老汇音乐剧注重舞台艺术设计和制作。
音乐剧的舞台设计包括舞台布景、灯光设计、服装设计等，它们都是为了营造适合剧情发展的氛围和环境。
舞台和道具的设计要符合剧本的需求和故事背景，通过视觉效果激发观众的情感和想象力。
音乐剧的制作还需要配乐、音效、化妆和特殊效果等，以增强表演的质量和观赏性。
百老汇音乐剧是现场表演的艺术形式，背后需要团队的协作和合作。
剧中的演员、乐队、舞者、导演和制作人等各个角色都需要密切合作以呈现出完美的演出。
百老汇音乐剧的制作周期是一个复杂而耗时的过程，包括创作、排练、舞台化和表演等环节。
所有参与者的专业技能和艺术才能都是成功演出的关键。
舞台美术知识：舞台美术的历史沿革发展
舞台美术知识：舞台美术的历史沿革发展舞台美术，是指利用各种艺术形式和技术手段来设计和布置舞台以及舞台上的美术装置，旨在展现剧情、突出主题和构建戏剧的视觉效果。
舞台美术在戏剧、音乐剧、舞蹈和其他舞台艺术表演中起着非常重要的作用，它通过布景、道具、灯光、音响和特效等手段，为观众呈现出一个精彩的视觉世界。
舞台美术的历史沿革可以追溯到古代文明时期，不同文化背景、不同艺术形式对舞台美术的演变和发展都有着自己独特的贡献。
下面将分别从古希腊、中世纪、文艺复兴以及现代舞台美术的发展历程来进行详细探讨。
古希腊时期，戏剧艺术是舞台美术的发源地。
在古希腊时期，人们开始意识到舞台美术对于戏剧演出的重要性，并开始尝试用装饰艺术来丰富戏剧的表现形式。
在古希腊时期，舞台美术的布景主要以帷幕和画面为主，人物和情节表现都是通过后台的布景来呈现。
这一时期的舞台美术在发展初期主要是以绘画为主，刻画希腊古代神话和历史故事，其装饰艺术和色彩运用都十分丰富多彩。
而在中世纪，由于教会在戏剧表演中扮演着重要角色，舞台美术也随之受到教会宗教文化的影响，舞台美术呈现出了极具宗教色彩的特点。
教会崇尚宗教思想和教义，对于戏剧演出装饰和表现形式都有着自己独特的要求。
舞台美术作为戏剧演出的重要组成部分，在中世纪时期仍然承担着大量宗教色彩的装饰任务。
在文艺复兴时期，舞台美术经历了一次重大的历史变革。
文艺复兴时期，人们对古典艺术和文化进行了广泛的研究和传承，这对于舞台美术的发展产生了深远的影响。
文艺复兴时期，图画、雕塑和建筑等艺术形式都得到了极大的发展和提高，这使得舞台美术在装饰艺术和造型设计方面得到了前所未有的发展。
在文艺复兴时期，舞台美术呈现了更为多样化和丰富多彩的特点，装饰风格趋于大胆、个性化，这在一定程度上推动了文艺复兴时期戏剧艺术的繁荣和发展。
在现代舞台美术的发展中，舞台美术逐渐摆脱了传统的束缚，开始注重审美效果的营造和观念表达，对于舞台美术的形式和内容都有着更为宽泛的选择和展示。
舞台布景艺术
舞台布景艺术- 舞台布景艺术舞台布景艺术- 正文舞台演出视觉形象中构成景物环境实体的部分。
它与灯光、化装、服装等共同综合塑造演出外部形象，帮助演员表演，揭示剧本内涵。
古代和中世纪布景在古希腊戏剧的演出中，“换装建筑”上的门和剧场两边的观众出入口已具有指示事件发生地点的作用。
古代戏剧中也出现过立体布景如山石、祭台等，这就把绘画引进了剧场。
古罗马剧场开始出现了大幕。
罗马建筑家维特鲁威在他的《建筑十书》中提到古希腊和罗马剧场的演出台上出现过“三棱柱景”和分类布景。
中世纪欧洲戏剧的布景中“同台（场）多景”的原则具有代表性，所谓“同台（场）多景”，是指在一次演出中把剧情所需要的若干行动地点(称为布景点)，如天堂、地狱以及人间的教堂、海洋、耶稣诞生地、磔刑十字架等等，在一个演出场所同时布置出来，使之“同台(场)”并置。
中世纪的演出中还常运用机关装置、魔术变幻等特技效果，其中天堂和地狱是最吸引观众的地方。
16～17世纪布景15～16世纪初，在意大利出现了布景艺术的新变化，突出标志是焦点透视法则和多种造型手段在舞台上的综合应用。
最早研究焦点透视法并用于布景的是画家和建筑家伯拉孟特，最早付诸舞台实践的是佩·乌金诺和鲍·佩鲁齐。
建筑家赛利奥在舞台上实践了古罗马建筑家维特鲁威记述的分类布景：演悲剧用的宫殿庙宇、演喜剧用的市井住宅和演牧歌剧（田园诗剧）用的山林幽谷。
当时的一些大艺术家如达·芬奇、拉斐尔等都参加过演出设计工作。
舞台布景艺术16世纪末至17世纪欧洲布景艺术的发展与宫廷歌剧和舞剧有着密切联系。
演出的神话题材和对豪华富丽场面的追求，促进了舞台技术和舞台机械的发展。
古代的三棱柱景被借鉴来解决换景问题。
透视法在舞台上进一步应用并同舞台技术结合，产生了新的布景样式──侧片布景体系。
这种布景体系的特点是在边片、簷幕、背幕上面画出各种不同的形象，组成树拱、建筑群或带天花板的室内景物等。
这种布景体系的发明者是意大利布景师阿列奥蒂，使其进一步得到完善的是许多意大利的建筑家及布景师，其中最著名的是剧场建筑家、布景师、舞台机械师托列利·德·法诺。
欧美音乐剧舞美设计浅析
把神奇的想象变为可以感知的现实——欧美音乐剧舞美设计浅析夏江源“音乐剧”这种集歌、舞、剧于一身的表演艺术形式，从十九世纪开始形成以来经历了一个世纪的演变以及历次重大变迁，以其无与伦比的票房收入，创造出一个又一个商业奇迹，使音乐剧成为当代最重要的，也是最具商机的表演形式之一。
我国直到20世纪90年代才开始有了音乐剧方面的尝试。
1994年下半年，中央戏剧学院作为中国最高的戏剧学府，开始了关于音乐剧的学习与探索，在日本“四季剧团”的大力协助下，表演系本科高年级进行了最初的探索，排演了美国著名音乐剧《西区故事》的主要片段，取得了良好的效果，这标志着音乐剧这一独特的艺术形式正式走入我国。
几年来，音乐剧在我国方兴未艾，对音乐剧感兴趣的人也越来越多，各地排演的音乐剧层出不穷，像《山野里的游戏》《羊城故事》《未来组合》等等，我院也排演了音乐剧《纯真年代》。
但是由于种种原因，我们的音乐剧与欧美存在着巨大的差距。
音乐剧知识及信息的贫乏，使绝大多数接触音乐剧的人以偏概全地仅仅透过《悲惨世界》、《歌剧魅影》等少数剧目来认识音乐剧，仅仅以音乐是否动听、是否悦耳来判断音乐剧的优劣，于是音乐剧三字被塑造成“以动听音乐为主要诉求的半古典作品”，不仅窄化了视野，更忽略了音乐剧广阔而丰富的内涵。
欧美现今的音乐剧，吸引观众的已不仅仅是动听的歌曲和剧情，舞美家以其登峰造极的高科技舞美手段，为观众营造了变化万千的舞台奇观，使观众产生前所未有、终身难忘的剧场体验，成为创造票房奇迹的最重要的手段。
一、舞台美术举足轻重40～60年代是古典音乐剧的黄金时期，以严谨的叙事结构为发展核心。
到了70 年代，开始发生变化，融入更多的电影及社会因素。
到了80年代，音乐剧产生重大变迁，表现为全球化、商品化、巨额投资用来创造舞台奇观，舞台美术显得举足轻重。
从某种意义上讲，现代欧美音乐剧的演出形式实际上是由舞台美术来决定的。
音乐剧的舞台美术包括了舞台上除演员以外的一切造型因素：舞台布景、灯光、效果、服装、道具、音乐等。
西方舞台美术的历史演变
西方舞台美术的历史演变作者：李慧来源：《大观》2016年第03期戏剧的起源：戏剧源于原始初民的祭祀仪式和庆典活动。
古代的希腊戏剧和罗马戏剧，是欧洲戏剧史中的一个重要组成部份，它为后来欧洲各国的戏剧艺术奠定了深厚的基础。
一、古希腊古希腊的狄俄尼索斯剧场1765年被发现，1862年重新发掘。
它是“酒神”“果神”的结合剧场原台旁有神庙，此剧场为最古老的。
其中厄比道勒斯剧场是最完整的，对称的剧场。
古希腊剧本以人与神为主，是酒神的颂歌。
按希腊人悲剧这个字的原意是“山羊之歌”，喜剧的原意是“狂欢游行之歌”。
亚里力多德在他的《诗学》里说，悲剧起源于“酒神赞美歌”的序曲，喜剧起源于“下等表演”的序曲。
埃斯库罗斯被称为“悲剧之父”，制定过悲剧服装，长袖袍、面具。
一共写过 90多部剧本。
索福克勒斯引进第三个演员，发明了绘景。
一共写过 120多部剧本。
欧里庇得斯他一生共创作了九十多部作品，保留至今的有十八部。
最为代表的喜剧家是阿里斯托芬。
雅典的“半圆形剧场”是古希腊最著名的剧场之一，可容纳一万七千多人，以时期出现了平片和三棱柱景。
二、古罗马古罗马戏剧不再以鬼神为主，其中历史学家，李维举行了公历性的演出。
1.色妥拉：类似传统的马戏团。
2.阿特拉闹剧：用面具来进行角色定位。
3.拟剧：变戏法、杂剧、舞蹈等。
在某地搭平台进行演出，男女演员平台。
公元前147年仍然没有固定的剧场，都是临时搭建的，直到公元前145年出现了第一座完整剧场。
到公元前55年出现了第一座石头的剧场，公元前58年建木制剧场。
公元前33年克里奥在父亲葬礼期间建造木制转台剧场，当时是一创举。
维特鲁威剧场的特点：1.可平地而起，不必再依山而建。
2.观众和舞台本身也有变化。
3.观众席和舞台较近（宽一百尺，深二十尺）。
舞台的建筑墙面华丽。
4.结构上有所变化，成一种立体的舞台形势，对声音传播也有便捷。
5.过道、出入口的改变，古罗马为无过道，舞台和剧场分开。
维特鲁威剧场舞台和剧场为一体。
“2007年度美国乡村音乐电视大奖颁奖盛典”的舞台美术
的热烈氛围 。为了保 证最佳的视觉效果
视频团队配备了２ 台Ｂ ｒ 数字转 ０ ａｏ ｃ
（ 区别于传统的双摄影机画面） ，舞台设 换器 ， 各组 Ｌ Ｄ单元提供 ６ １ ＤＩ 为 Ｅ ０ 信 Ｓ 计还提供了多个 聚焦点给歌手 、司仪以 号 。Ｌ Ｄ单元的信号均 由 Ｐ ｇ ｓｓ Ｅ ｅ ａｕ 转播 ８ ７ Nhomakorabea普资讯
Ｎｏ． ２ ０７ Ａｃ ｕ ５． ０ ｃ ｍｕｌｔ ４ ａｅｄ ＮＯ ２
Ｅ Ｔ Ｒ Ａ ＭＥ ＴＴ Ｃ Ｎ Ｌ Ｇ Ｎ ＥＴ Ｉ Ｎ Ｎ Ｅ Ｈ Ｏ Ｏ Ｙ
包括 摄影组 、 ＭＴ区 Ｃ 的舞台及伸展台 。 以我的任务就是尽 信号转播这场演 出 ， 所 ”迈尔斯说道 ：“ 与 名工作人 员 ，
三分之 一的座位 ， 以便容纳大 型舞 台及 横向安装 ，获 得了意想不到的效果。
伸展 台。 可以说 ， 这是迄今为止采用最多视
根据 莫罗西的理念 ， ＭＴ Ｃ 团队 在伸 频制作的～届 Ｃ 颁奖典 礼。 ＭＴ 除了通常 展台上设置 了独立的突起圆台 ，成为歌 使用 的大屏 幕， ＭＴ Ｃ 团队还特别订作 了 手演唱时自然而然驻足的位置 ，形成舞
在歌手 正背后安装大型的 Ｉ ｇ屏幕 ， 象背景视频 。 － Ｍａ 很大程度上煽动了观众现场的热 情。
灯 光的设计 理念
创 意十足的视频 设计
“ 让观众 能够感受 到 Ｃ ＭＴ颁奖盛 资 深设 计师 安东 ・ 斯 （ ｔ ｎ 典特有的激情 ”是灯光设计师西 蒙 ・ 戈 Ａｎ ｏ 迈
Ｃ ＭＴ制作团队面临的 巨大挑战 。
台科技 、以及其他让演 出更具 动感 的创
新元素 。
为 了 实 现 戈斯 的 舞 台设 计理 念 ，
ＩＭａ 公 司提供了 ８ － ｇ 组由 Ｂ ｒｏＤ７ Ｅ ａｃ Ｄ Ｌ
谈我国戏剧与西方戏剧舞台美术手法之异同
谈我国戏剧与西方戏剧舞台美术手法之异同戏剧作为一种表演艺术形式，通过舞台美术手法的运用来展示剧情和角色的情感。
我国和西方在戏剧发展过程中都形成了各自独特的舞台美术手法，虽然两者在文化背景和审美观念上存在差异，但也有一定的相似之处。
本文将分析我国戏剧与西方戏剧舞台美术手法的异同点。
一、舞台布置（1）我国戏剧我国戏剧注重整体性和多维度的空间处理。
传统的我国戏剧舞台布置以高台为主，通过层层叠加的台阶和幕布来表现场景层次感以及角色的身份地位。
在京剧和昆曲等传统戏曲中，使用大量的道具（如屏风、桌椅等）来表达场景和角色的情感。
此外，口轮舞台和转轮舞台等特殊的舞台机械也被广泛运用。
（2）西方戏剧西方戏剧注重舞台设计的现实主义和表现手法的多样性。
西方戏剧舞台布置以舞台画面的效果为主，通过细节的呈现和幕布等来表现场景。
现代西方戏剧强调简约的舞台设计，往往使用简单的背景幕布或装置来代表场景，由演员和剧情的推进来强化观众的想象力。
二、道具和服装（1）我国戏剧我国戏剧的道具和服装注重装饰和象征性的意义。
道具和服装设计根据不同剧种和剧目的特点，注重颜色、纹饰和造型的表达。
传统的我国戏剧有丰富多样的服装，如京剧的戏服、昆曲的旗袍和武戏的战袍等。
道具方面，通常使用扇子、剑和纸伞等来表达角色的身份和情感。
（2）西方戏剧西方戏剧的道具和服装注重真实感和角色的塑造。
道具和服装的设计更加注重时代背景和环境，追求真实性和可信度。
服装款式和颜色的选择往往与角色的性格和背景相关。
我们常见的西方戏剧服装多以雅致、简约的形式为主，通过剧情和角色的对话推进来展示角色的性格和心理。
三、舞台灯光（1）我国戏剧我国戏剧的舞台灯光设计注重色彩和氛围的营造。
传统的我国戏剧使用自然光和烛光作为主要的照明方式，通过灯光的调整来表达角色的内心世界和情感。
现代我国戏剧使用更为复杂的灯光设备，如亮度可调的聚光灯和LED灯光，以满足多变的舞台效果需求。
（2）西方戏剧西方戏剧的舞台灯光设计注重景深和阴影的运用。
舞台美术艺术的概念与详解
舞台美术艺术的概念与详解本文来自网络舞台美术是戏剧和其他舞台演出的一个重要组成部分，包括布景、灯光、化妆、服装、效果、道具等。
它们的综合设计称为舞台设计。
其任务是根据剧本的内容和演出要求，在统一的艺术构思中运用多种造型艺术手段，创造出剧中环境和角色的外部形象，渲染舞台气氛。
舞台美术兼有时间艺术和空间艺术的性质，是四维时空交错的艺术，具有很强的技术性和对物质条件的依赖性。
“恢宏的场面，豪华的装置，闪动耀眼的灯光，奇异的服装”等等，使舞美设计者逐渐认识到“艺术包装”的重要性。
同时随着科技的发展，LED 显示屏幕，视频技术以及灯具和控制技术的提高，还有冷烟火，水造型的运用等，重要的舞台语汇不再像戏剧那样仅仅是演员和布景本身，新材料的运用大大丰富了舞台美术的表现力。
一、传统戏剧：传统戏曲舞台的一个重要的美术特征，即它的“虚拟性”。
经营好虚实关系，是舞台美术设计的一个关键问题。
戏剧舞台的设计就是布景，运用实的布景为虚拟的戏剧服务，舞台上所有的布景和空间都具有假定性，一个景片或景块就可以是墙、门、山等等，这都是简单的实的营造，而舞台上空的部分才是真正的百宝囊，是观众无限遐想的发源地。
可以说舞台设计就是通过实在布景的规划来经营舞台上空的空间，设计的主要任务就是布“空”而非布“实”。
戏曲舞台美术历来有关于“四个统一”说法，一是似于不似的统一，二是神似与形似的统一，三是生活真实与艺术真实的统一，四是有限空间与无限空间的统一。
在空间处理上，用“虚拟艺术手法”，充分调动观众的想象力，从而，丰富舞台环境。
这时的舞台美术，既讲生活真实，又重艺术加工、提炼，讲艺术夸张。
二、文艺晚会：随着表演艺术的形式增多，随着电视文化以及大众审美的偏爱性，舞美设计逐渐由剧院更多地进入演播厅、广场、体育馆等空间。
这些大型文艺晚会的舞台设计也称为综艺舞台美术设计，其实也是经济发展和表演艺术要发展的产物。
“恢宏的场面，豪华的装置，闪动耀眼的灯光，奇异的服装”等等，使舞美设计者逐渐认识到“艺术包装”的重要性。
论舞台美术特性和功能所体现意蕴和魅力
论舞台美术的特性和功能所体现的意蕴和魅力摘要本文就舞台美术的特性和功能展开阐述，介绍和分析了舞台美术的重要作用，展现了舞台美术美的意蕴和诗的魅力。
关键词：舞台美术特性功能意蕴创造综合中图分类号：j01 文献标识码：a在源远流长、丰富多彩的戏剧文化中，舞台美术已成为戏剧艺术大厦中不可或缺的一根擎天支柱。
著名戏剧家曹禺给了它概括、简明的鉴定：“没有舞台美术就没有戏剧。
”由于戏剧整体的不断发展和整体观念的加强，使舞台艺术越来越具有独特的生命力。
它以其最大的限度发挥着作用，力图通过戏剧演出的整体，向观众传达美的意蕴和诗的魅力。
那么，舞台美术是如何体现其美的意蕴和诗的魅力呢？世界各国的戏剧家对舞台美术设计都做出了恰当而中肯的评价和精彩的论述，如美国舞台美术家罗伯特·麦德蒙·琼斯在《戏剧想象力》中说：“归根结底舞台布景的设计不同于建筑师、画家、雕塑家、音乐家的工作，这是诗人的工作。
”中国导演焦菊隐在《略论话剧的民族形式和民族风格》中说：“一出戏演出的成功与失败，舞台美术几乎是起着一半的决定性作用的”，“舞台美术是半个导演。
”下面，我们将从舞台美术的特性和功能来阐述其意蕴和魅力。
一舞台美术的特性1 在艺术创作上属二度创造艺术舞台美术须在剧本文学创作及导演总构思的基础上进行再创作，以其特有的形象语言表达剧作的内涵。
其源于生活，但又须以剧中人物、事件和规定情景为依据，并与导演的创作意图相协调。
在演出中起到丰富、补充和加强人物形象塑造，深化主题思想的作用。
2 从属于表演艺术，在舞台艺术诸因素的交互作用中获得表现力、生命力一幅画或一件雕塑作品，它的表现力完全决定于它自身。
而舞台美术始终处在以表演为核心的各种艺术因素共时、历时的交错网络之中，其表现力不完全决定于它自身，也决定于它同表演艺术等的动态关系。
在舞台上，当桌子作为一种中性装置时，可以由于演员对它不同的用法而获得不同的意义，它可能是桌子，也可能是床、楼台或其它。
“诗画交融”的思维方式在舞台美术中的运用
“诗画交融”的思维方式在舞台美术中的运用作者：蔡婷来源：《商业文化》2011年第12期摘要：舞台设计总是为演剧服务的，在舞台设计多元化的今天，他既为角色创造剧中环境，也向观众传递精神世界的信息。
美国舞台美术设计师爱德蒙·琼斯曾说：舞美设计是诗人的工作；“舞台设计要像诗一样”。
胡妙胜先生也指出：在诗的舞台设计中，占支配地位的是意，剧作与角色的精神世界。
意象是中国艺术审美的核心，也是诗画创作的一个十分突出的感性标志。
用中国传统山水画的创作思维来创造“诗意的舞台布景”，“画代表眼见的东西，诗代表被传达出来的东西”。
诗画交融的思维方式就是要促使绘画转化为表现，达到画中有诗的意境。
关键词：舞台美术；诗画交融；意境中图分类号：J714 文献标识码：A 文章编号：1006-4117（2011）12-0354-01在舞台设计多元化的今天，人们强调舞台布景不仅要为角色创造剧中环境，也向观众传递精神世界的信息，表现一定的思想感情、人物的内心世界和剧作的思想。
二十世纪后舞台设计革新的美学原则是表现，从心理上深入戏剧的精神世界，通过视觉隐喻可以传达戏剧的内在本质，通过视觉化的意识流可以表现角色意识深处的活动。
中国诗中出画或中国画中有诗，正是这样一种“作者得于心，览者会以意”的方式去表现思想感情。
我们可以看到现如今充满诗意的舞台效果并不少见，并且往往极具感染力。
写意的舞台美术是中国传统艺术精神的继承与创造性的发展。
二十世纪东西方戏剧都从对方的戏剧传统中寻求到了自身革新的支持，并相互影响。
从大量事实可以看出西方戏剧如何影响现代中国戏剧的进程，而从未用过写实布景中国传统戏曲也大大的扩展了西方戏剧家的视野。
这样，中国戏曲使西方戏剧的革新者从中借鉴写意的戏剧精神、方法和技巧。
我国传统艺术和古典美学讲究诗中有画，画中有诗。
在西方，不断有人对诗与画的界限进行区分，在中国“诗画交融”却一直是衡量诗歌艺术的一个重要的审美标准。
《舞台美术设计》课件
灯光设计在舞台美术设计中 起着重要的作用，它能够为 演出创造出一个完美的光影 效果，增强观众的观演体验 。
道具设计
01
道具设计是舞台美术设计中 不可或缺的一环，它能够为 演出提供必要的道具和物品 ，帮助演员更好地表现人物 和情节。
02
道具设计师需要根据剧本的 内容和导演的要求，设计出 符合情节和人物性格的道具 ，同时还要考虑到道具的材 质、尺寸、颜色等因素，确 保道具能够在舞台上呈现出 最佳的效果。
布景移动
通过移动布景或调整布景的角度、位置实现场景的转换。
演员调度
通过合理安排演员的位置和移动路径实现场景的转换。
05
舞台美术设计的未来发展
新材料与技术的应用
新材料
随着科技的进步，新型材料如LED屏幕、投影布、透明材料 等将被更广泛地应用于舞台美术设计中，为观众带来更丰富 的视觉效果。
创新材料
科研人员不断探索新的材料，如智能材料、变色材料等，这 些材料将为舞台美术设计带来更多可能性，使舞台效果更加 生动和立体。
特点
舞台美术设计具有很强的综合性，需 要融合艺术与技术，同时要考虑到舞 台表演的需求和观众的视觉体验。
舞台美术设计的重要性
塑造舞台视觉效果
舞台美术设计通过布景、灯光、道具等手段，为观众呈现出生动 、逼真的视觉效果，增强表演的感染力。
营造氛围与情感表达
舞台美术设计能够通过布景、灯光、音效等手段，营造出特定的氛 围和情感，帮助演员表达角色的内心世界。
抽象主义
以几何图形、线条、色彩等 抽象元素为主要特点，强调 形式感和现代感，适合表现 现代派戏剧和实验性剧目。
印象主义
以光影变化为主要特点，强 调色彩和光影的表现力，适 合表现具有梦幻感和浪漫气 息的剧目。
西方音乐剧视觉表现的特点与创新——以美国音乐剧《汉密尔顿》为个案
北方音乐Northern Music西方音乐剧视觉表现的特点与创新——以美国音乐剧《汉密尔顿》为个案王玮婧 张宇琪（贵州大学外国语学院，贵州 贵阳 550025）【摘要】自上世纪末，西方音乐剧风靡全球，受到全世界人民的喜爱，深刻影响了英语国家乃至全球的文化娱乐。
2015年，美国音乐剧《汉密尔顿》横空出世，轰动一时。
本文重点从舞美与舞蹈两个角度入手，分析这部百老汇现象级音乐剧的特点与创新之处。
【关键词】西方音乐剧；《汉密尔顿》；视觉表现；特点；创新【中图分类号】J605 【文献标识码】A 【文章编号】1002-767X（2020）03-0018-01【本文著录格式】王玮婧，张宇琪.西方音乐剧视觉表现的特点与创新——以美国音乐剧《汉密尔顿》为个案[J].北方音乐，2020，02（03）：18，27.音乐剧是一种独具魅力的文化产品，它协调融合音乐、戏剧、舞蹈等诸多元素,给观众以多重感官的享受，视觉享受是最直观的一环。
舞蹈与舞美等视觉手段，强化了音乐剧的叙事性、实现了气氛的渲染和风格的塑造。
一、舞台美术舞台美术包括灯光与布景等，根据剧本，还原剧中环境、塑造角色形象，对渲染气氛、烘托主题都有不可替代的作用。
《汉密尔顿》中，舞美各元素实现了经济与多样的统一，并在相互协调中创造出历史与现代交织的世界。
（一）灯光汉密尔顿音乐剧的灯光设计师豪威尔·宾格里荣获第70届托尼奖最佳音乐剧灯光设计奖与劳伦斯·奥利弗奖最佳灯光奖。
整体来说，汉密尔顿的灯光使用十分经济。
全程只用一组灯光集，却能在与布景和音乐音效的共同作用下，制造出50首歌曲场景中各不相同的效果。
在剧中，不同颜色的灯光被用于渲染不同的场景，烘托不同的气氛：白色灯光被用于刻画人物，产生雕塑般的效果；深红色灯光烘托战场，伴随闪电的蓝光表现暴风雨，波光闪动的蓝光则表现海面。
在重要的人物出场与独白时，精准的聚光灯定位也发挥了重大作用。
灯光还表现了空间的变化，通过舞台上光线明暗的调整，为观众提供更多理解剧情的线索。
乔·梅尔齐纳——战后美国舞美设计界领袖
作者： 郑国良
出版物刊名： 戏剧艺术
页码： 70-77页
主题词： 舞美设计;美国;戏剧艺术;20世纪;经典剧目;设计领域;乔·梅尔齐纳
摘要：梅尔齐纳（1901—1976）是20世纪美国戏剧界最著名的布景设计师，在长达半个世纪的艺术生涯中，他设计的许多著名作品推动了美国戏剧的成熟。
他的设计领域广阔，不论是话剧、音乐剧还是芭蕾舞剧，不论是莎士比亚或肖伯纳的经典剧目还是威廉姆斯或米勒的探索戏剧，或是罗吉斯和汉默斯坦的音乐剧，他为演出创作出一台台出奇制胜的、令人耳目一新的杰作。
他坚持自己设计灯光，并把灯光提升到高层次的艺术领域，他甚至还设计服装，让人吃惊的是他设计的剧目有360台之多，常常显示出一种敏感而富有创造力的直觉，以这种神奇的才能去选择关键点展示出确切的舞台环境，以完美的视觉形式解释剧作。
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美国舞台美术（Martha S. LoMonaco博士，美国Fairfield大学表演艺术系主任、副教授）从18世纪到20世纪，美国舞台的发展与政治、经济、科学、技术的发展齐头并进，同步发展，也正是在这段时间里美国从一个英国殖民地变成了现在强大的世界超级大国。
所以你们也应该不会感到意外，美国舞台在18、19世纪引进并模仿了很多英国的舞台技术。
只有在20世纪和21世纪，美国才开始发展它自己舞台技术，并创立了一种特殊的美国风格的舞台美术设计。
有四种主要的舞台美术风格可以表现美国舞台的特色：布景设计，现实主义，“新舞台技术”，还有一个我把它叫做“建筑设计与演员/观众的关系”，或者简单的叫做“建筑舞台美术”。
前面两个――布景设计和现实主义――出现在18世纪和19世纪，受英国和欧洲的影响很深。
但是，在20世纪的时候发展成为有美国特色的特殊风格，因此在今天的美国舞台和娱乐行业保持的主要的是美国自己的艺术风格。
美国奢华而又富含高科技的舞台布景通过像百老汇音乐剧这样的传达手段在全世界广泛传播。
后面两种风格――“新舞台技术”和“建筑舞台美术”――是在20世纪出现的，是为了顺应编剧形式和非文本娱乐的潮流而出现的，也叫做“表演艺术”。
虽然“新舞台技术”和“建筑舞台美术”都真实的体现了美国舞台艺术作为一种严肃的艺术形式，这并不是人人都知的艺术形式，所以也并不出名。
但是要对美国舞台艺术从18世纪开始到今天的发展有一个全面的了解，我们必须弄懂这四种风格。
在开始探索这四种风格之前，我们有必要先提到灯光设计技术在新的舞台美术形式发展过程中所担当的重要角色。
18世纪早期气体灯光的发展使得19世纪舞台美术复杂的舞台布景和现实主义的特性得到发展。
当时的气体灯光是舞台照明用的灯光也是可以控制的光源。
20世纪之交，剧院电子灯光系统的安装完全永远的改变了舞台美术设计，这通常被认为是20世纪唯一一场真正的舞台革命。
20世纪的灯光不仅仅是提供照明，它已经转换为舞台艺术有效的工具了。
”灯光画面”和拥有灯光效果成为生动活泼的舞台场景的主要因素，并且成为20世纪越来越多人更普遍的选择。
自从舞台场景的颜色、结构和整体效果在单场演出中能够通过简单的改变灯光而迅速、连续的改变以来，灯光也成为更多传统舞台改革的一个动力。
在我个人作为舞台艺术系主任的工作来说，我对灯光设计比对具体场景的布置更感兴趣。
给我一个立体结构的舞台，再配备多层次的演出空间和先进的灯光效果，我就会很高兴作为这个舞台的导演，真的。
但是，我作为一个21世纪的导演，如果没有丰富的美国本土舞台艺术传统，我的个人审美观也就不会有现在这么好的发展。
布景设计美国舞台最著名的也许是它的壮观的舞台美术，特别是通过很多百老汇音乐剧在全世界的传播，例如“歌剧院的幽灵”、“西贡小姐”、“猫”、“悲惨世界”、“42街”、“俄克拉荷马”，还有其他很多很多，我在这里讲都讲不完。
虽然这些很多都是由英国和法国都作曲家和作词家的作品，这些音乐作品经过包装和推广就成为美国独特的作品，通常舞台美术比音乐或者表演者本身更著名。
然而，布景设计对于美国舞台来说并不陌生，因为它从18世纪开始以来就已经成为我们舞台的一个重要部分。
当英国的巡回演出公司到美国来演出的时候都会带来他们最新的潮流，早在1784年的时候就有一位法国的布景画家，叫Charles Busselotte的开始在美国工作。
最早形式的舞台布景是由善于制作丰富着色背景幕的艺术家们创作的。
Charles W. Witham是公认的美国第一个著名的土生土长的舞台布景艺术家，而且他的出名是因为他与一位人们认为的19世纪最著名的演员Edwin Booth通力合作。
Booth于1869年在纽约城建了一个剧院，那是当时技术最先进、布置最豪华的剧院，而Witham是那家剧院的首席设计工程师。
[SLIDE] 这是一个侧面图，包括拱形舞台、侧包厢、观众席和布景，这些都是由Witham为Booth的开篇力作莎士比亚的“罗密欧与朱丽叶”而设计的。
然而Booth是因为他扮演的“哈姆雷特”形象而著名。
[SLIDE]，这个节目为他带来了全世界的掌声。
[SLIDE] 这是一副水彩画，表现的是Witham 为Booth主演的作品“哈姆雷特”的第1幕，第2场（在宫殿的接见室）的舞台设计。
我们可以看到这是一副非常漂亮的画面，还有包厢布景的特色，这是19世纪中期起源于英国的一种非常受欢迎的新的舞台美术风格。
Witham和一批能干的助手们在剧院特别设计的绘画室里面制作出了他那些漂亮的布景[SLIDE]。
Witham绘出的这副水彩画，不仅体现了舞台结构上的美观，而且体现了这作为一个精心设计而创造了一个大型多样化的舞台布景。
Booth的剧院和剧院先进的技术同样著名，该剧院可以容纳各种各样的机械设备来增强舞台效果。
O.B. Bunce于1870年5月在Appleton’s Journal 期刊上发表了一篇文章，赞美舞台后台装备，附有这些图表。
[SLIDE] 这副图可以看到舞台底下有活板门的小房间和平台，这些东西是可以通过水压机来升降的布景设备，“几乎没有任何声音而且升降的位置非常精确”。
对于观众来说，这些道具的升起“就像魔术一样，激起他们美的感观”。
[SLIDE] 这里图片里面的索具装配阁楼为我们展示了幕布的上面部分。
[SLIDE] 这张升降画布显示的位置是工人在适当的位置适当的时间利用平衡力系统提升和下降幕布的位置。
Bunce 告诉我们这个升降画布是离舞台地面65英尺[ 20 米]，而且帮助提升道具的人的水压机是在他们的下面95英尺[29米]的地方。
这种类型的剧院成为美国很多主要城市剧院的标准，而且今天仍然存在，虽然现在使用的是更精密的电脑化电力驱动系统来实现场景幕布的变化。
随着19世纪中期的工业革命连续发明了更多先进的机械设备，剧院很快就结合使用这些先进的设备并非常骄傲的宣传他们的剧院正在使用的是最先进的技术来创造前所未有的令人惊异的壮观布景。
Steele MacKaye，一位19世纪末期非常有才气的演员、剧作家、建筑师和发明家，在1879年开设了一家比Booth的剧院更加高科技的剧院，拥有一个像升降机一样的舞台。
[SLIDE] “麦迪逊广场剧院”，就是这个标有1880年的节目封面描写的这样，这个剧院是集中于更好的舞台布景。
注意看一下在那个扩大了的舞台拱形墙里面的双舞台。
两个舞台可以同时放到适当的位置或者在演出过程中通过舞台管理人员来改变，这都是得益于MacKaye升降舞台的发明。
[SLIDE] 如这副图所示。
在这张图里面，演出正在舞台上进行中，而舞台管理人员正在忙着改变舞台上面的布景。
一场演出或一幕戏完了的时候，幕布就可以暂时的降下来，只剩四个人在绞盘上升的位置，或者让一个节目正在舞台上演的时候在适当的位置放下有些幕布让下一个演出能够做好准备。
根据一份很受欢迎的杂志Scientific American上面的一篇文章所述，这篇文章出版于1884年，文章说到“舞台就像电梯车箱一样以同样的方式上升和下降。
这个巨大的电梯舞台通过一个轴上升和下降，离顶上到底下的高度是114英尺[35米]。
这个舞台就在一个紧凑的两层结构的铁制木头结构上升和下降，并且上面和下面都交织装有灯具吊架结构。
提升或者下降舞台到适当的位置只需要大约40秒的时间，整个过程不会产生噪音、刺耳声或者振动，这是因为舞台的平衡性及其平衡力作用。
” [SLIDE] 这些都是MacKaye对电梯舞台的设计图纸，他在1879年在美国专利局已申请专利。
布景设计是19世纪的美国剧院两大最流行的流派――情节剧和音乐剧，中主要的部分。
情节剧，注重的是情感情节和完美的舞台效果，情节剧很快就应用了最新的技术来吸引观众的眼球。
其中最著名的一场是在Dion Boucicault的非常受欢迎的戏剧，1857年的“纽约的街道“ The Streets of New Yo rk ，[SLIDE] 那时候有一个大的经济公寓住宅在舞台上面着火被毁坏了。
舞台景象通过场景画面、音响效果和灯光方面的新发展受到非常大的影响，气体热力特性的发展为舞台灯光亮度提供了统一整齐的控制，舞台上面采用了Drummond 或石灰灯，提供了第一个高亮度的有方向性的舞台照明――这就成为第一个聚光灯。
在音乐剧方面，采用的技术能让歌舞团的女演员在舞台上空“飞翔”。
[SLIDE] 这副图描绘的一些女演员在音乐剧《恶骗子》里面表演空中芭蕾的场面，人们广泛认为这是美国音乐喜剧的开端。
演出是在1866年9月开演的，连续演出了16个月的时间，通过壮观的舞台布景和舞蹈演员的性感穿着吸引着无数的观众。
当时的一位评论家说：“布景很壮观，芭蕾舞很优美，而戏剧本身是垃圾”。
但是，漂亮的空中飞行女演员的景观的出现主要是由于舞台新技术的应用，在1866年确实是一件很轰动的事。
而这一年正是美国内战结束后的一年，当时的美国人只是想放松放松并在剧院节目中享受一下的时候。
《恶骗子》之后随之又出现了一系列同样类型的剧目，包括1899-1900的Ben-Hur ，这部音乐剧被认为是十九世纪舞台布景的顶峰。
[SLIDE] 这是楼座布景，[SLIDE] 这是过道布景。
这部音乐剧有一段开场白、6幕、17场，第一幕就有14场。
当时有一个评论员惊讶的说“这台演出最重要的人员是现场布景的绘画师”，因为没有他们，这场演出就不会有这么好的效果。
当然，Spectacle成为美国剧院的舞台美术全世界都知是在20世纪和21世纪这段时间内。
20世纪的老板和设计者很快引进了新的技术使得他们的演出更宏伟、更精细。
[SLIDE] 设计师Joseph Urban 和舞台监督人员Florenz Ziegfeld一起为一系列的音乐喜剧创造了五光十色的布景和服装，这些音乐喜剧也叫做Ziegfeld Follies，在1907年到30年代中期每年一版连成了一套音乐喜剧。
这是Urban 对1916年Follies音乐剧开场剧的设计。
他的布景的特色之处是舞台上五颜六色的生动的舞台图案，他采用了法国的点画法技术，典雅的灯光使得整个布景看上去微光闪烁。
也许他对Ziegfeld最大的成就就是他为《表演船》这部音乐剧所设计的布景。
[SLIDE] 1927 年Jerome Kern －Oscar Hammerstein II 的音乐剧是真正的第一部具有美国特色和主题的美国音乐剧。
Urban的布景设计，虽然也是非常奢侈的设计，他引进了现实主义，这是一种从意大利舞台布景技术引进过来的现实主义，这种风格完全占据了但是美国文化的新理念，后来成为20世纪中期美国音乐剧的典范。
Shubert兄弟是20世纪最成功的剧院老板，在他们的高峰期，他们在全国拥有100多家剧院，并垄断了其他1000多家。