歌剧中的唱法分类及其特点
中国戏剧和西方歌剧的特点
歌剧中的唱法分类及其特点
正歌剧（opera seria）——盛行于十七世纪的题材重大严肃、音乐风格崇高华丽
讲求歌唱技巧的歌剧。
歌唱芭蕾剧（opera-ballet）——十七、十八世纪盛行于法国的歌唱与舞蹈并重的体裁。
喜歌剧（opera buffa）——又称“谐歌剧”，和正歌剧相对力的歌剧种类。
盛行于十八世纪。题材取自日常生活。音乐风格轻快幽默。
大歌剧（grand opera）——盛行于十九世纪的法国，多采用历史题材，具有史诗性
音乐风格华丽恢宏，场面较一般歌剧大，常常插入芭蕾舞。
轻歌剧（operetta）——又称小歌剧，盛行于十九世纪的法国，常常有对白，
音乐风格轻快幽默，有时又比较抒情。
乐剧（music drama）——十九世纪德国作曲家瓦格纳对自己歌剧作品的称谓。
他以此来表示他对乐队以及戏剧、舞台设计等因素的高度重视，强调歌剧的
“综合艺术”特性，而不像其他作曲家那样把歌唱放在首要位置。
音乐剧（musical comedy）——音乐剧，也称作“音乐喜剧”。或者更确切地称为
“美国音乐剧”。十九世纪末发源于美国百老汇（Broadway）。美国纽约的娱乐中心，
戏剧活动的重要阵地）。内容从轻松幽默的到严肃深刻的都有，但常常与现实生活
有密切的联系，音乐风格较为通俗，有时是融合了严肃和通俗音乐风格的混合体。
歌剧——清唱剧（opera-oratorio）——将歌剧和清唱剧（包括独唱、合唱和乐队的
一种古老的音乐体裁，与歌剧不用之处是静态的表演方式——演员没有戏剧性的动作，并且以宗教题材为主要内容）题材混合而成的体裁，近代俄国作曲家斯特拉文斯基
对自己的作品《俄狄普斯王》的称谓。
……
除了以上的类型，还有巴罗克歌剧（Baroque Opera），古典主义歌剧（Classical Opera），浪漫主义歌剧（Romantic Opera），民族主义歌剧（Nationalist Opera），真实主义歌剧（Verismo Opera），印象主义歌剧（Impressionistic Opera）
表现主义歌剧（Eepressionist Opera）等类型
在实际作品中，歌剧的类型常常是混合的，因此有些作品不能简单的归与某一种类型。
2.古典乐派交响曲乐章的典型安排是什么
第一乐章快板或急板
第二乐章广版或慢板或柔版
第三乐章谐谑曲或小步舞曲
第四乐章快板或急板
简单的说就是快-慢-快-快
总体上讲是如此，但也有例外，比如贝九就是快-快-慢-快的安排
中国西区的分类：
苏州评弹
中国的戏曲有哪些？
2011-11-18 16:04 提问者：倾城XH | 浏览次数：984次
推荐答案
2011-11-18 19:43 中国的地方戏剧种有360多种，也就是说，你一天看一个戏曲剧种不休息，可以用一年的时间把中国戏曲剧种看全。
历史的前进，时代的变更，使一些戏曲剧种消弱甚至消失，也使一些剧种新生、壮大。以戏曲的发源或流行省区划分:
北京市：京剧北方昆曲西路评剧北京曲剧
河北省：河北梆子评剧丝弦老调哈哈腔河北乱弹武安平调武安落子西调蔚县秧歌隆尧秧歌定县秧歌四股弦唐剧横岐调上四调
山西省：蒲州梆子中路梆子北路梆子上党梆子锣鼓杂戏耍孩儿灵邱罗罗上党皮黄上党落子永济道情洪洞道情临县道情晋北道情襄武秧歌壶关秧歌沁源秧歌祁太秧歌繁峙秧歌朔县秧歌孝义碗碗腔曲沃碗碗腔弦子腔凤台小戏
内蒙古自治区：内蒙大秧歌二人台漫瀚剧
辽宁省：海城喇叭戏辽南影调戏蒙古剧彩扮莲花落
吉林省：二人转吉剧新城戏黄龙戏
黑龙江省：龙江剧
陕西省：秦腔汉调二黄阿宫腔合阳跳戏合阳线腔眉户腔陕西碗碗腔陕西老腔陕南端公戏陕西道情弦板腔陕南花鼓戏安康弦子戏
甘肃省：陇剧高山剧影子腔甘南藏戏
青海省：青海藏戏青海平弦戏
新疆维吾尔自治区：新疆曲子戏
山东省：山东梆子枣梆莱芜梆子东路梆子柳子戏吕剧茂腔柳腔五音戏柳琴戏两夹弦四平调
江苏省：昆曲淮剧扬剧通剧锡剧苏剧淮海戏丹剧丁丁腔海门山歌剧淮红剧
安徽省：黄梅戏徽剧青阳腔沙河调岳西高腔安徽目连戏安徽傩戏庐剧安徽端公戏泗洲戏坠子戏含弓戏芜湖梨簧戏文南词皖南花鼓戏凤阳花鼓戏淮北花鼓戏推剧嗨字戏洪山戏
上海市：沪剧滑稽戏奉贤山歌剧
浙江省：越剧婺剧绍剧新昌高腔宁海平调松阳高腔醒感戏温州昆曲金华昆腔戏黄岩乱弹诸暨乱弹瓯剧和剧杭剧甬剧湖剧姚剧睦剧
江西省：赣剧弋阳腔盱河戏东河戏宁河戏瑞河戏宜黄戏南昌采茶戏赣南采茶戏萍乡采茶戏万载花灯戏抚州采茶戏吉安采茶戏宁都采茶戏赣东采茶戏九江采茶戏景德镇采茶戏武宁采茶戏高安采茶戏
福建省：莆仙戏梨园戏高甲戏平讲戏闽剧庶民戏词明戏大腔戏闽西汉剧北路戏梅林戏右词南剑调小腔戏三角戏闽西采茶戏南词戏闽西山歌戏芗剧打城戏竹马戏游春戏肩膀戏
台湾省：歌仔戏
广东省：粤剧潮剧正字戏白字戏广东汉剧西秦戏花朝戏粤北采茶戏乐昌花鼓戏雷剧粤西白戏
广西壮族自治区：桂剧邕剧丝弦戏广西师公戏彩调牛娘剧桂南采茶戏壮剧苗戏侗戏
海南省：琼剧临剧
湖南省：湘剧祁剧常德汉剧衡阳湘剧巴陵戏辰河戏湘昆长沙花鼓戏岳阳花鼓戏常德花鼓戏湘西花灯戏湘西阳戏衡阳花鼓戏邵阳花鼓戏零陵花鼓戏师道戏湘西苗戏新晃侗族傩戏
湖北省：汉剧荆河戏南剧湖北越调山二黄湖北高腔楚剧东路花鼓戏黄梅采茶戏阳新采茶戏远安花鼓戏襄阳花鼓戏荆州花鼓戏梁山调郧阳花鼓戏随县花鼓戏堂戏文曲戏鄂西柳子戏
河南省：豫剧河南越调南阳梆子大平调怀梆大弦戏罗戏卷戏河南曲剧河南道情豫南花鼓戏乐腔五调腔
四川省：川剧四川灯戏四川曲艺剧秀山花灯戏
云南省：滇剧云南花灯戏昆明曲剧关索剧傣剧白剧彝剧云南壮剧
贵州省：黔剧贵州本地梆子贵州花灯剧贵州侗戏贵州布依戏贵州苗戏安顺地戏
西藏自治区：藏戏
以上，罗列了273个还在流行的中国戏曲剧种，这些剧种各有自己的艺术特色，各自有独特的代表剧目，各自有才华出众的表演艺术家。假如把各个剧种的艺术家、代表剧目再罗列出来，那真够您看一阵子的了。
简单地说，无论是从质量上看还是从数量上看，中国戏曲都是世界文化宝库中一颗光辉灿烂的明珠。对这一点，无论是中国，还是在世界各国，人们是没有争议的。
另外，在前述的二百多个戏曲剧种中，近半个世纪以来，流布最广泛，观众群最多的有五个剧种，即京剧、评剧、豫剧、越剧、黄梅戏，被称为“五大剧种”。
3.
声部划分体系
声部划分体系 一、绪论 声音生理条件的不同构成了声部类型的不同。不同类型的声音条件，构成了不同类型的声音声部。将女高音划分为不同的声部，这是在共性上承认了女高音之间的差别。根据各声部的生理特点，采取具有针对性的训练，这是一种严谨科学的教学方式。当然，具体到个别声音，我们会发现，即使同一声部类型的声音，它们之间也存在着很多细微的差别，其中的关系属于共性与个性的关系。因此，在声乐教学中，根据声部划分理论的指导，尊重每个声音的生理特征显得尤为重要。是否能够根据学生的生理特点，正确决定学生的声音声部类型，从声乐教学技术层面上看，这是对每位声乐教师的一个严峻考验。 声乐作品选择，以歌剧为例，歌剧的每首咏叹调都是作曲家为某个特定的角色而写，而每个角色都属于特定的声部类型。作曲家在音乐创作过程中，充分地考虑到了角色的声部特征，因此，每首咏叹调的音乐都相当具有针对性。有些曲目，甚至是作曲家专门为某位歌唱家而写。为此，每位歌唱者必须选择适合自己声部的咏叹调演唱。能否根据学生的声部类型，为学生选择适合的声乐作品演唱，这在艺术修养层面，向每位声乐教师提出了更高的艺术要求。 总体来说，声部类型的确定是一项复杂的声乐教学活动，它不能取决于教师的僵硬教学方法和模仿某位歌唱家的演唱方式。在声乐教学工作中，根据学生自身的生理条件，正确地确定学生的声部；同时，根据学生的声部类型，选择演唱适合学生声部的声乐作品，这是声乐教学中重要的教学内容之一。错误地确定学生的声部，可能会限制一个优秀学生的歌唱发展，而错误地让学生演唱不属于自己声部的作品，可能会毁灭学生的声乐演唱生命。美声声部划分体系所承担的学术任务就是解决声部划分和声部曲目问题。无论对声乐教师还是对声乐演唱者，都应当精确地掌握美声声部划分体系。 二、西洋歌剧艺术的声部划分体系 经过上百年的发展变化，歌剧艺术已经成为一门成熟的艺术形式。声部划分方式、声部划分依据和声部嗓音训练标准构成了完整的声乐学科声部划分体系。在这一体系中包括德国、法国和意大利等国的声部划分体系，其中当属德国声乐学科声部划分体系（Fach）系统性最高。本套教材以德国声部划分体系为主，兼顾意大利和法国声部划分体系。 1.何为德国声乐学科声部划分体系（Fach） 德国声乐学科声部划分体系（Fach）是西方歌剧艺术广为采用的声部划分系统之一。根据歌唱演员自身生理条件、声音演唱能力和声音的具体质量，该体系界定了各类型声部以及每个声部的演唱曲目。德国声乐学科声部划分体系被称为Fach。Fach在德文中有两个意思：一是抽屉、格层。二是学科、专业、课程。目前，在国内出版的音乐专业词典中，尚未对该专业术语作确切的界定。为此，笔者暂且将其称为“声乐学科声部划分体系”，简称“声部划分体系”。这里有两点需要说明：（1）虽然德国声部划分体系对各声部及各声部演唱的角色进行了非常系统的界定，但该系统也承认声音的动态性。由于演唱者的生理发展和技术改善等方面的因素，声音可能从一个声部转向另一个声部，曲目的选择也可以拓展至不同声部的曲目。（2）法国和意大利等国也有自己的声部划分方法，但从系统化角度来看，德国声部分类法比较完善，而且这些系统在本质上也没有绝对的不同，只是名称略有出入而已。 2.声部划分依据的声音生理
格里高利圣歌的特点
格里高利圣歌的特点（源起古希腊） 1，吸收了古代东方，古希腊以及民间音乐的特点，没有固定的节拍。没有乐器伴奏。 2.唱词一律用拉丁文。 3.旋律崇高，超脱。不是用来欣赏的音乐。而是实用性的音乐。格里高利圣歌在音乐史上有重要的地位。是欧洲万代作曲家创作的源泉 复调音乐的萌芽。（公元9世纪） 1.奥尔加农无节制体裁弥撒套曲，经文歌 2.迪斯康特有节奏 3.福布尔东三声部 小结。 1.中世纪宗教支配着社会意识，在音乐方面，宗教音乐有统治地位。 2.中世纪的教会音乐是单音音乐发展的高峰，成为历代作曲家创作的源泉。 3.音乐开始有了复杂的节奏，多声部音乐逐渐代替了单声部音乐产生了最初的对位法。 4.乐器种类的增加预示着乐器的产生。 14世纪的法国音乐和意大利音乐 新艺术（14世纪） 14师姐产生于法国和意大利，法国作曲家兼音乐理论家维特利在其著作《新艺术》中提出新的作曲法，歌词自由创作，少用固定掉。节拍的结构要规范，力求节奏简明匀称。禁止用平行5，8度。提出了对位法复调写作的理论。 代表人物：法国马肖，意大利兰迪尼 文艺复兴时期音乐（约1450 1600年） 1.勃垦第乐派 代表人物： 杜费其成熟时期的代表作品标志着文艺复兴时期的繁荣， 本舒瓦其宗教作品为三个声部构成的和声式织体，世俗作品（尚松）多为回旋歌。 2.弗兰德乐派 拉索运用了主调和声与复调模仿手法的结合 3.威尼斯乐派 A.加布里埃利G。加布里埃利 风格特征：分组合唱的原则，形成富有四声效果的‘威尼斯风格’ 4.罗马乐派 帕莱斯特里娜无伴奏合唱风格，后期作品有清日析的主调化倾向，被誉为‘教会音乐的救星’
第二章 16世纪的新趋势 世俗音乐： （声）法国的尚松，产生于15世纪，法语演唱的世俗多声部歌曲 意大利的牧歌：原意为用母语写的诗或田园诗，14世纪，直接启示意大利抒情歌曲的产生。 德国的利德：用德语演唱的艺术歌曲。 器乐曲：利车卡尔，康佐涅，舞曲，幻想曲，托卡塔 通俗低音（也叫数字低音）：在乐谱低声部下方加注数字，意标记和弦性质，位置与进行，演奏者可以依据数字低音即兴增加或者变化，通常两种乐器同时：大提琴，大键琴。管风琴。 第三章 奏鸣曲：泛指各种结构的器乐曲，17世纪后期，科雷利对套曲形式的奠定起了重大作用，他的奏鸣曲通常由慢→快→慢→快四个乐章组成。 现奏通常3到5个乐章，由乐器独奏或者加钢琴来演奏。 奏鸣曲的形式; 三重奏鸣曲：两件小提琴和通俗低音 独奏奏鸣曲：一件小提琴和通俗低音 键盘乐器 1.克拉维克德：击弦古钢琴 2.哈普西科德：羽管键盘，拨弦古钢琴，管风琴，现代钢琴 协奏曲的代表人物，（独奏协奏曲，大协奏曲） 亨德尔：英籍德国伟大作曲家 主要作品：歌剧《塞尔斯》（1738年）题材：历史题材，神话题材和浪漫题材。 艺术成就：亨德尔音乐简洁明朗，结构宏大，旋律庄严，宽广，悠长，合唱有壮丽的气魄。他重视纵向的和声关系，常用简洁的手法，创造出感人的作品。 巴赫：欧洲近代音乐之父（1685--1750） 声乐作品：200多部康塔塔，5部受难乐 器乐作品：键盘作品《二部创意曲》《三部创意曲》《法国组曲》《英国组曲》《平均律钢琴曲集》《哥德堡变奏曲》 艺术成就：巴赫被誉为“欧洲近代音乐之父”，他的作品博大精深，他使发展了几个世纪的复调音乐达到了最后的高峰，并将高度的复调思维和新颖的主调手法结合起来。创作出了大量优秀的作品，成为音乐史上继往开来的关键人物。
威尔第、普契尼及其歌剧作品异同之比较
南京理工大学 《西洋歌剧名作赏析》选修课结课论文 威尔第、普契尼及其歌剧作 品异同之比较 班级：10042203 姓名：马若飞 学号：1004220334 电子工程与光电技术学院 2011-12-10
威尔第、普契尼及其歌剧作品异同之比较 世界歌剧的历史，是从意大利开始谱写的，歌剧于1600年左右在佛罗伦萨诞生以来，创造了灿烂辉煌的历史，经过几代作曲家创作、积淀，终于在威尔第、普契尼的创作中达到了又一个顶峰。 不可避免地，全世界的歌剧发展几乎都是在意大利歌剧的影响下进行的。威尔第与普契尼的歌剧创作有着极其相近的共同点，他们都十分敏感、十分准确地观察、审视着他们身边的社会情况，用符合社会心理的思想指导歌剧创作； 因此所创作出的作品风格迥异。但是，他们之间又具有显而易见的差异，两位作曲家所处的时代背景、人生经历、个人审美观的不同，直接影响了他们的思想和艺术创作，影响了他们对人、对社会的认识方式和程度，反映在他们的作品中，因而使得他们作品的社会价值有所区别。虽然他们的歌剧都是十分重要的音乐文献，但如果我们把他们的歌剧与他们的社会、思想联系起来，再把他们之间由于所处的环境差异而导致作品的不同来进行比较研究，我们就可以更准确地学习研究两位作曲家的作品，进而更好地诠释两人的作品。 一、作品整体风格方面 刚刚已经提到，两人作品间有着明显的差异，我以为这种差异具体表现在“威尔第的歌剧中那种胸怀宽广的气度,包含着对祖国对家庭的爱，普契尼的歌剧则更多地描写人间感情；威尔第的歌剧更具有戏剧性，普契尼的歌剧则具有抒情性；威尔第的歌剧创作风格为浪漫主义,而普契尼的歌剧创作风格则属真实主义。” 浪漫主义是继古典主义之后风靡世界的一种文艺思潮，其特点是理想性强，感情炙烈，喜欢描写和赞美自然，艺术手法夸张。而真实主义的思潮还在浪漫主义与古典主义进行激烈斗争的年代里就开始萌动了，直到19世纪30年代以后，真实主义才兴旺发达起来，并逐渐成为占主导地位的文艺思潮，认为“优秀的创作有如一面照路的镜子，既映出美丽的蓝天，也照出路上的泥塘。（司汤达）” 威尔第是一位把浪漫主义歌剧发挥到极致的作曲家，威尔第的音乐集中体现了戏剧性的力量和热情。他具有通晓情节和冲突方面——也就是戏剧方面的全部情感的想象力，因而能使戏剧性场面充满令人激动的表现力。他一次又一次地要求他的脚本作家：“短小的戏剧、迅速的发展、饱满的热情……热情至上！”威尔第是真正的意大利人，他的艺术以旋律为基础，对他来说，旋律是人类情感的最直接的表达。他坚持说：“缺乏自发、自然和简明的艺术不是艺术。”威尔第继承了丰富的传统，又具有惊人的创造力，是浪漫主义歌剧的杰出代表。 如果说威尔第的歌剧能够震撼人心的话，普契尼的歌剧则能够感化人心。 “在普契尼的歌剧中，洋溢着不同于威尔第的清新风格，虽然没有威尔第歌剧那样大气磅礴、那样深刻，他的抒情性吸引了千千万万的听众，无论他们来自哪一个阶层，都感受到了普契尼歌剧所特有的真诚、自然和亲切。”因为在普契尼的歌剧中描绘的人和事，往往就像发生在他们身边故事。普契尼的作品虽然没有威尔第那么多，他一共创作了十二部歌剧，却几乎每一部都代表了他的水平，都是他充分构思之后的精心之作。在普契尼的歌剧中，戏剧化的矛盾冲突、热烈而紧张的舞台气氛、抒情而伤感的音乐风格，寻常百姓的心理和身边琐事的悲剧，以及他对平凡生活中小人物的同情心，无不打动人心。无论是歌剧男女主角的爱情悲剧，还是音乐中的异国风韵，全都会在戏剧和音乐的发展过程中渗入到每一位听众的心灵深处。 比如《托斯卡》，话剧《托斯卡》是一部以重要的历史事件为背景，把性、虐待狂、宗教和艺术各种成分融为一体的一部作品。他以真实主义的手法体现了激烈的心理矛盾冲突，强暴、凶杀和历史事件等因素创造性地融合在一起。这里不仅有善良的爱，正义的爱，也有像斯卡尔皮亚、斯波莱塔那样险恶的坏人。《绣花女》是以博得人们同情的眼泪而获得成功的，《托斯卡》则是能唤起人
京剧与西方歌剧差异之比较
京剧与西方歌剧差异之比较 【摘要】中国京剧和西方歌剧作为一种戏剧艺术，都有着有着悠久的历史。但由于东西方的历史、人文、的迥异，京剧与欧洲歌剧也必定存在很多差异，主要包括：写实与写意的区别，唱腔的不同；差异的产生是由于二者文化背景的不同以及二者诞生的社会制度造成的。 【关键词】京剧；西方歌剧；比较 中国京剧和西方歌剧作为一种戏剧艺术，都有着有着悠久的历史。但由于东西方的历史、人文、的迥异，京剧与欧洲歌剧也必定存在很多差异。 一、写实与写意的区别 中国京剧运用虚拟的表演手法非常普遍，而西方歌剧始终追求逼真的表演效果。京剧，演员要表现一个喝酒的行为，他们手中最多有一个酒杯，而且其中不会有酒。如果要表现一个人物是以车代步，只要有几个画着轮子的旗子就足够了。如果人物要骑马，就拿一条马鞭。而西方歌剧则不然，它是对真实的再现生活或是剧本的原形要求十分严格。比如，表现喝酒的动作，一定会有酒的。对道具的要求也很具体，歌剧《塞维利亚理发师》中，要表现阳台就搭建了实景，理发师的手里也真的拿着刀具。中国戏曲不创造独立于人物之外的自然环境，它的自然环境存在于演员、唱、念、做、打的表演中，存在于舞台人物对它的态度和反映之中。戏曲人物的舞台动作如骑马、上楼、关门、开窗等，都有一套规范的动作符号，因此要求观众采取反观的审美方式，即运用表演者和欣赏者之间特有的交流方式来表演舞台的时空环境，这就是中国戏剧程序性特征的体现。中国戏剧程序性是中国戏剧特有的艺术语言，它直接或间接的来自于生活，是将生活素材提炼、夸张、艺术加工后所表现出来的新的生活样式。戏曲的程式不限于身体运动，戏剧语言、角色行当、音乐唱腔、化妆服饰等也有自己的程式。西方歌剧展现给观众的则是个具体的实在的空间，舞台时空依据舞台物质的再现体现，将舞台装扮成生活中的实际空间来。 二、唱腔的区别 京剧的唱腔与西方歌剧的唱腔在方式上是有差异的。京剧采用的是“吟唱”体系。“吟唱”是指歌唱者所唱的歌调，大体上是一首具有某种程度灵活性的旋律音调，当它和不同的歌词，歌者相结合的时候，由于歌词、歌者、时间、地点、情景等因素的不同，可以即兴的加以装饰、变化、发展。在戏曲中，某一剧种的某一板式，某基调只有一个，但歌唱者运用吟唱方式，可以唱出一些完全不同的腔调来。. 西方歌剧采用的是“咏唱”体系. 咏唱是指歌唱者所唱的歌调,其旋律是和特定的歌词相匹配的,歌唱者在歌唱时,对歌曲的旋律是不能或基本上不能加以
第2章 人声的分类与声乐演唱形式
第二章人声的分类与声乐演唱风格、形式 【教学目标】通过具体声乐作品的听赏，感受不同人声种类的艺术魅力；了解美声唱法、民族唱法、通俗唱法及原生态唱法的发声技巧、声音色彩、演唱风格和表演方式上的差异；了解声乐的演唱形式及其各自的艺术特点。 【教学内容】1、人声的分类2、声乐的演唱风格3、声乐的演唱形式；《黄河大合唱》 【教学重点】四种演唱风格的区别；演唱形式的艺术特点；《黄河大合唱》 【教学难点】人声分类对声乐艺术的作用 【教学课时】4课时 【教学过程】 一、组织教学 二、新课教学 第一节人声的分类 一、声乐作品 声乐作品由人声演唱的，叫做声乐。就声乐来说，它是由歌声和语言相结合来传达思想感情，表现艺术形象的一种综合性艺术形式。声乐作品的体裁有多种，其中艺术歌曲在声乐领域中占有极其重要的地位。 二、人声的分类 根据人的性别和年龄，人声可以分为童声、女声、男声三大类。根据音域的高低和音色的差异可分为女高音、女中音、女低音和男高音、男中音、男低音等几个类别。每一种人声的音域，大约为两个八度。 （一）童声 男女儿童变声期前的嗓音。可细分为童高音、童低音。童声纯净、甜美、清亮、娇嫩。 （二）男声 1、男高音：男声的最高声部，在各国细分为不同声种。在歌剧发展史上，男高音占有十分重要的地位，第一男主角多为男高音歌唱家扮演。 （1）抒情男高音：抒情男高音强调音色的明亮，声音优美柔和，气息的流畅，擅于演唱歌唱性的曲调。适合扮演未纯情王子、天真诗人、浪漫少年等角色，《在那桃花盛开的地方》。 （2）戏剧男高音：音色强劲有力，富于英雄气概，擅于表现强烈的感情。他在戏剧性或悲剧性特定情境中是通过声音和表情来显示出慷慨激昂的炽烈情感。最著名的就是威尔第歌剧威尔第《游吟诗人》中的曼利可和《奥赛罗》中的男主角奥赛罗。 （3）假声男高音：假声男高音是运用假嗓来演唱，这是20世纪（阉人歌手灭绝之后）的特殊演唱方式，因此在歌剧中很少出现。 （4）强力男高音：强力的头声，抒情角色有更多的英雄性、戏剧性的表现，通过有力而洪亮的歌喉，把音乐推向高潮。 2、男中音：音域和音色介乎男高音和男低音之间。男中音在各国细分为不同声种，如《我为祖国献石油》。 3、男低音：男声的最低音。音色深沉、浑厚，擅于表现庄严雄伟和苍劲沉着的感情，在各国细分为不同声种，如歌剧《白毛女》中的杨白劳，《托斯卡》逃亡政治犯安杰洛提，《伏尔加河船夫曲》。
分析威尔第的歌剧特点
分析威尔第的歌剧特点 摘要: 威尔第是着名的意大利歌剧作曲家,举世公认的歌剧大师,他的歌剧将人们内心的激情戏剧化,给人一种悲欢交织中的美感。本文以威尔第的歌剧为切入点,通过威尔第的阶级立场论述威尔第的思想及创作,并探讨其对意大利以及对整个世界歌剧史的影响。 关键词:威尔第;歌剧;特点 一、前言 歌剧是一种有音乐、戏剧、诗歌、舞蹈和舞台美术结合而成的综合艺术。在19世纪,意大利歌剧进入了一个繁盛的时期,最杰出的意大利歌剧作曲家威尔第为自己民族的歌剧艺术开创了一个新的时代。威尔第一生创作了三十部歌剧作品,他在继承意大利歌剧传统的基础上,从艺术创作的源泉与动力的革命性出发,构建了自己独特的艺术风格,取得了歌剧创作上的创造性的伟大艺术成就。 二、威尔第的生平及其代表作 威尔第,l813年10月10日出生于意大利小镇隆科莱,他从小热爱音乐,参加教堂的合唱团,随教堂的管风琴师学习音乐,并在乡村当管风琴手,显露了卓越的音乐才华。 他是世界最负盛名的意大利作曲家,从18年的开始创作第一部歌剧,他的歌剧创作生涯长达54年之久,在他的音乐中,沿用意大利美声唱法的传统,并且非常注意作品的歌唱性,使管弦乐的戏剧发展和声乐的鲜明旋律性完美地结合在一起。他的主要歌剧代表有《弄臣》、《游吟诗人》等,在晚期意大利歌剧史上留下了不可取代的作用。 三、威尔第歌剧的创作时期及其风格 威尔第的歌剧作品洋溢着炽热的情感旋律,其成就代表了意大利浪漫主义歌剧的高峰。他的歌剧创作历程犹如他坎坷不平的生命成长历程,他的作品在年代和创作思想上可划分为三个时期:19世纪四十年代是威尔第歌剧的早期创作, 19世纪的五十到七十年代是他歌剧的成熟时期,内容触及一定的社会问题,使他成为世界瞩目的大作曲家;19世纪的八十年代是其晚期的歌剧的创作时期,下面从三个时期来论述威尔第歌剧特点。 1、处于萌芽时期的早期创作 19世纪四十年代是意大利人民努力推翻法国和奥地利的统治,争取民族独立和统一的时期。受社会和家庭的影响,威尔第从小就有反侵略,反分裂的民
欧洲歌剧
欧洲歌剧 1.歌剧在意大利的起源 歌剧起源于巴洛克时期（1066-1750），最初是由意大利佛洛伦萨的一群人文主义者为了复兴希腊时期的戏剧传统而创造的音乐形式，其渊源除了古希腊戏剧还有世纪神秘剧、假面剧，最直接的起源是文艺复兴后期兴起的牧歌（madrigal）。1599年佩里创作的《达夫尼》（已亡佚）是目前所知的第一部歌剧，1600年他创作了《尤丽狄斯》是现存最早的歌剧。这两部歌剧已经有了咏叹调与宣叙调分工，但仍带有文艺复兴后期牧歌剧的人文主义气息，总体看来并不成熟。1607年蒙特维尔第创作的《奥菲欧》是第一部成意义上的近代歌剧，作者运用了相当近代化的管弦乐队为戏剧配乐，用不谐和音烘托气氛和展现矛盾。在他的歌剧里，独唱（宣叙调、咏叹调）、重唱、管弦队和舞蹈综合在一起为剧情服务。蒙特威尔第认为歌剧的音乐要表达人类深刻情感，并且要与歌词意义相吻合。鉴于他对歌剧这种体裁起的奠基性作用，蒙特威尔第被誉为“近代歌剧之父”。 此后兴起的是威尼斯歌剧学派。1637年威尼斯开放了第一家公共歌剧院—圣卡西亚诺剧院，使得这门艺术走出了少数贵族的沙龙，迎接一个更广泛的市民阶层的青睐。此后半个多世纪里，威尼斯前后开放了十几家歌剧院，一大批有才华的作曲家、剧作家为之谱曲、写脚本，比较有名的有切斯蒂、卡瓦利等人。这个时期的威尼斯歌剧场面有时奢华到了夸张的地步，开始运用灯光、道具、布景等手段衬托剧情。 与此同时，17世纪中期，以A·斯卡拉蒂为代表的那不勒斯学派也发展起来，并统治了意大利乐坛和欧洲舞台近一百年。这个乐派特别注重在歌剧中发挥人声美的作用，使声乐独唱水平空前提高，更加强了歌剧的主调风格（即与复调多旋律特点性对的单旋律风格）。当时的咏叹调已固定采用A—B—A的反复三段体形式，在第三段重复第一段音乐材料时，歌唱者可以随意添加装饰和花腔，以显示自己的歌喉和技巧。斯卡拉蒂的歌剧旋律优美亲切，选择不同的咏叹调表现不同的情绪。在重视人声的同时，他重视器乐的独立表现，采用高度程式化的作曲手法，剧情相似的剧目可以使用相同的配乐；首创了歌剧启幕前的器乐合奏—序曲（又称辛孚尼亚Sinfornia），由快—慢—快三部分组成。他树立的这种歌剧典范形式，被称为意大利正歌剧（opera seria）。正歌剧注重人声的特色导致了阉人歌手（即在童年被阉割的男歌手，嗓音高亢，华丽而具有弹性）在欧洲的广泛运用，但后来也出现了单纯追求“美声”的形式而忽略内容的倾向，最终走向了衰败（后来因为剧情雷同、单调，听众只听炫耀技巧的咏叹调，宣叙调一概不听）。 至于罗马歌剧，由于处于罗马教廷的心脏地带，教会的保守势力对其百般迫害，最致命的是1697年教皇英诺森十二世下令封闭并拆毁了罗马最大的一家歌剧院托尔·德·诺那（Tor di Nona）并宣布此后在教皇地内禁演歌剧，从此罗马歌剧一蹶不振。 2.法国早期歌剧的发展 法国歌剧的开山鼻祖无疑是让·巴蒂斯特·吕利（1632-1687)。此人原籍意大利后被贵族带到巴黎。他从宫廷乐手起家，几年之内就掌握了宫廷的歌剧上演的审批权，成了法国音乐界的国王。他很好的把意大利歌剧移植成为适应法国国情艺术形式，把当时法国宫廷崇尚的舞蹈（芭蕾）艺术融入歌剧，同时把法语诗优雅独特的韵味充分的用歌词表达出来，布景服装
威尔第及曲目
威尔第 朱塞佩·威尔第（Giuseppe Verdi），意大利作曲家，出生于意大利北部布塞托附近的一个小酒馆经营者家庭。13岁开始学音乐，1832年投考米兰音乐院，未被录取，后留在米兰向斯卡拉歌剧院的音乐家（拉维尼亚）学习音乐。1842年，创作了他的第二部歌剧《那布科王》，演出异常成功，一跃而成意大利第一流作曲家。当时意大利正处于摆脱奥地利统治的革命浪潮之中，他以自己的歌剧作品《伦巴底人》（1848）、《厄尔南尼》（18744）、《阿尔济拉》（1846）、《列尼亚诺战役》（1849）以及革命歌曲等鼓舞人民起来斗争，因之获得“意大利革命的音乐大师”之称。共写了28部歌剧，7首合唱作品。 创作生涯 威尔第雕塑 第一时期 第一时期，40年代前后。这一时期是威尔第的成名期。威尔第在米兰开始了歌剧创作活动，参与了意大利人民反抗法、奥占领的爱国运动，创作了包括爱国英雄歌剧及爱国歌曲在内的一生中一半以上的歌剧。1839年初，威尔第夫妇移居米兰。同年11月，他的第一部歌剧《奥贝托》在斯卡拉歌剧院上演，观众和舆论给予了很高的评价。《奥贝托》虽然算不上是一部杰作，但在威尔第的创作生涯中有着重要的影响。《奥贝托》打开了威尔第闯进意大利歌剧界的大门。此后，他与斯卡拉歌剧院经理莫雷利签订了创作合同。斯卡拉歌剧院领导梅雷利邀请他写的三部歌剧1840年，其中第一部《王国的一天》一败涂地，又值他妻子和两个孩子相继病亡，曾经一度情绪低落。梅雷利又劝说他，给他看《纳布科》的台本，剧中的爱国主义热忱打动了威尔第的心。1842年3月9日，威尔第创作的以反映意大利民族主义情绪为主题的歌剧《纳布科》，在首演后大获成功，其中希伯来人合唱《飞吧思想，插上金色翅膀》令人热血沸腾，是威尔第艺术生涯中的第一块里程碑。并在威尔第逝世后的葬礼上被成千上万的人们吟唱。《纳布科》的成功，把威尔第引上了意大利歌剧之王的宝座。 第二时期
从歌剧_唐_璜_看莫扎特歌剧的艺术特点
内容提要： 歌剧《唐.璜》是伟大的音乐家莫扎特的代表作品之一 ，歌剧中很多咏叹调已经成为人类歌唱艺术宝库中的经典，也是世界各国声乐教学中的重要教学内容。本文作者通过自身演出歌剧《唐.蟥》的经历以及对作品的分析，对莫扎特的歌剧思想、人物形象塑造以及艺术特点提出了自己的观点和看法，希望能对演绎莫扎特的歌剧作品提供一些有益的帮助。 关键词：莫扎特 歌剧思想 艺术特点 音乐表现 深远影响绪言 笔者在意大利威尼斯音乐学院读研期间，参加了意大利威尼斯凤凰歌剧院监制排演的歌剧《唐.蟥》的演出，在剧中饰演了主要角色。剧组分别在凤凰歌剧院、玛里布兰（MALIBRAN）和阿尔斯纳勒（ARSENALE）歌剧院进行了四场演出。为了塑造好角色，在半年多的排演过程中，笔者对歌剧《唐.璜》进行了深入研究。对这部歌剧的音乐形式、人物表现等都提升了认识高度，了解了莫扎特对《唐.璜》歌剧创作的音乐运用手法和艺术特点。 莫扎特是欧洲音乐史上伟大的作曲家之一，他对欧洲音乐的发展可以说是起到了巨大的作用。他年轻而卓越的一生创作了大量的音乐作品, 其中22部歌剧作品是莫扎特最重要的成就之一。说他是音乐天才、是神童，是因为他对音乐有着特殊的敏锐和灵感。他为生活创作了大量优美和欢乐的音乐，但也不难看出其中伤感和悲伤的影子，是那个时代给了音乐家坎坷多舜的命运。代表作歌剧《唐.璜》首演于1787年，它取材于西班牙的民间传说。剧中的主人公唐.璜是中世纪西班牙的一个专爱寻花问柳的胆大妄为的典型人物，他既厚颜无耻，但又机智勇敢、不信鬼神。他利用自己的魅力欺骗了许多妇女，但最终进了地狱。他虽然是反面人物，但又具有一些正面人物的特点。所有剧情都是围绕唐·璜和被唐.璜杀死的司令官而发展的。剧中通过贵族唐.璜这个矛盾的人物及其欺骗、损害妇女行为的可鄙下场，揭露了封建贵族的腐烂生活，同时又肯定了主人翁蔑视封建礼教，追求幸福的一面。莫扎特以细腻的音乐表现，赋予每个剧中角色栩栩如生的形象是这部歌剧成功的必然结果。 一、莫扎特的歌剧思想 通过歌剧《唐.璜》可以看出莫扎特在歌剧创作中是发挥音乐主导作用的。在刻画人物心理、性格、感情等方面用音乐赋予剧中每个角色以强烈的个性，并随着剧情的发展，以及人物所处环境的变迁又赋予其不同的音乐表现，把人物形象表现的淋漓尽致。莫扎特在创作中是本着一切服从音乐，以音乐为主的思想。他对歌剧音乐的主导思想通过他与许多与朋友的通信中就可以了解到：“在一出歌剧中间，诗必须绝对服从音乐。”又说：“音乐居于最高的主宰地位，叫人把旁的东西都忘了。”在他看来，歌词只是用来借题发挥音乐的材料，歌剧中所有人物的真实情感表现及性格特点，都是用来表现音乐的。这是音乐家对音乐特殊的理解，他说：“我不能用诗句或色彩表现我的感情和思想，因为我既非诗人，亦非画家。但我能用声音来表现，因为我是音乐家。”说的真好。他认为作曲家要运用一切尽可能运用的语言，完全通过音乐的表现，把剧情推向各个规定情节。他认为在音乐写作时所表现出来的激情可以“一个狂怒的人是越出一切界限的，他连自己都不认得自己了，所以音乐也应当变得面目全非。”是的，莫扎特是音乐家，他不是用诗歌来指挥音乐，而是要诗歌服从音乐。莫扎特的人生是真正的音乐人生，是纯粹的音 乐人生。他用音乐表现出来生命的音符，都是活灵活现且有血有肉的。他的任何一种用音乐表现出来的情感，都来自于心灵的诉说，这就是莫扎特的歌剧思想。 二、歌剧《唐.璜》的艺术特点 歌剧《唐.璜》从思想性和艺术性的层面上分析，有以下几个艺术特点： 1、剧中音乐在刻画人物心理活动及塑造人物形象上发挥着主导作用。正像上边所讲的，莫扎特在音乐的处理上，针对每个人的个性用不同的音乐来塑造，用音乐的表现形式使每个人都具有灵性，如同就在我们身边。 2、歌剧克服了和改变了意大利以往喜歌剧音乐中的那些卖弄、夸饰的滑音风格，以自己独有的气质和音乐风格，恰倒好处的音乐表现提高了歌剧的艺术品位。 3、利用大量的重唱形式加强了歌剧《唐.璜》的戏剧性。使剧情增强了矛盾的色彩，浓重地突出和渲染了剧情，使重唱这一有着高超技巧和非凡表现力的表演形式，细腻而深刻地刻画了在同一环境中不同人物的不同心理状态。 4、成功地使用中、低声部担任歌剧的主角。莫扎特在歌剧创作中非常善于使用中、低声部担任主角，例如功勋骑士司令官、滑稽的仆人莱波雷洛、马赛托以及剧中的主角唐璜都是男低音，特别是唐璜角色可以是男低音饰演，也可以是男中音饰演，这是音乐家莫扎特非常独到的一面。 5、从人物性格出发，还采用了意大利喜歌剧那种轻快、俏皮和急口令式的演唱风格，如咏叹调《夫人，请听我说》，使剧情更加戏剧化，增加了可看性 三、歌剧《唐璜》人物形象的塑造 这是充满一种勇敢精神的18世纪风俗喜剧，莫扎特把这部作品称为“二幕喜歌剧”。作品将讽刺与狂飙运动的思想融合在一起，以最快和最直接的写作手法直接切入主题情节。在第一场中出现了企图不轨的思想和行为，紧接着是挑战、决斗、和临终前的挣扎、对神灵的亵渎、罪犯的潜逃以及复仇的誓言等等，步步扣人心弦。在所有发生的事件中，都是以剧中人物唐璜为中心。唐.璜是一个富有浪漫主义色彩的人物，温柔多情，但一贯表现出贵族的傲慢态度，习惯于用他自己的方式行事，表现的是个反面人物，但似乎又使人与于同情。他冲破传统的束缚，蔑视社会道德，独自一人站在现实社会的对立面，所有的人物都围绕他而存在，突出了他的主角地位。 剧中唐.璜一共面对三个女主角。第一个女性是唐娜·埃尔维拉，在帷幕升起之前，她就被拐骗，而后又逃走。剧中表现了这个被侮辱的女性的愤怒，但她心地善良，想饶恕唐.璜，愿意拯救唐.璜，并劝说年轻的塞利娜同唐.璜在一起。这段乐曲是典型的巴洛克风格的咏叹调，这一严肃的音乐形式同整部歌剧表现的轻佻情调形成了鲜明的对比。 第二个女性是唐娜·安娜，她那充满情感的生活相当复杂。安娜的父亲死于唐.璜的剑下，在父亲被杀害之后，她表现出极大的义愤和子女对父辈之爱，发誓要追杀凶手为父报仇。她的未婚夫唐.奥塔维奥参与了这一行动。唐·奥塔维奥是剧中维护合法爱情传统的唯一角色，他反对放荡不羁的行为。他的两段男高音咏叹调《来自他的沉默》和《我的心肝宝贝》非常抒情动听。 第三个女性是塞利娜，天真和轻浮全部集中在她身上，她忠诚于自己的新婚丈夫，但对唐.璜殷勤讨好也感到欢欣。塞利娜具 从歌剧《唐.璜》看莫扎特歌剧的艺术特点 文/李明月 2010年 第 11 期
中国传统京剧与西方歌剧的比较
中国传统京剧与西方歌剧的比较 众所周知，中国的京剧被誉为“中国的歌剧”，英语名称也是“Beijing Opera”（北京歌剧）。中国的京剧在国际上享有盛誉，今天我们就来介绍一下京剧与西方歌剧的相同点与不同点。 我们先来听一小段传统京剧——《三岔口》。 虽然京剧广义上也属于歌剧，但以京剧艺术为代表的中国戏曲艺术却与西方概念中的“歌剧”有着非常大的本质区别。首先，戏曲艺术并不是什么“歌剧”，甚至也不是“歌舞剧”，而是一种内涵非常丰富的综合性戏剧艺术。 下面有个很有意思的例子：西医讲究对每一种药品的“分析”——阿司匹林是治什么的、咖啡因是治什么的……哪个药是专治头疼的，哪个药又是专治胃痛的……而中医则讲究的是“辨证施治”，综合“调理”，头痛了可能给你的脚上扎一针就好了，如果你的“感冒”是由于身体虚弱而引起的，那么或许给你“补一补”而并不是“清热解毒”…… 这是东西方哲学思想上的根本不同之处。 在戏剧方面，情况也是这样的。西方把戏剧艺术给“分解”得细而又细，可以说是把“物质”都给分解成了“元素”：“歌剧”是运用“歌唱”来表现剧情的，那么它就没有“舞蹈”，也不能“说话”；“话剧”是用“话”来表现剧情的，那么它就要没完没了地“说”，像哈姆雷特的大段独白就是一个人在那里自说自话……话剧里几乎是从来不“唱”不“舞”的；“舞剧”是用“舞”来表现剧情的，那么它的一切戏剧内容就都要通过人体的律动——“舞蹈”的形式来反映。每一句话，每一个情感交流，每一点情节……都靠舞蹈表现之。绝对不能“唱”或“说”出来，甚至连一些静止的造型都属于舞剧中的忌讳。 下面我们给大家听一段全是“唱”的西方古典歌剧，看一段全是“舞”的舞剧。比较一下，大家是不是体会到了些什么？ 中国戏曲则与之根本不同：戏曲艺术本身首先就是文学（语言艺术、诗歌、音韵……）、音乐（唱腔、伴奏……）、美术（服装、化妆……）与表演艺术的大综合体；而在表演艺术方面，它又是讲究唱、念、做、打的综合，即包括了歌唱、说话、表演动作和舞蹈、杂技等等方面的。因此，说戏曲是某种“歌剧”，拿戏曲艺术来与西方的“歌剧”作比较，这本身就有很大的不可比性。如果要比，似乎应该是拿戏曲艺术与西方的歌剧＋话剧＋舞剧＋哑剧＋清唱剧……综合地进行比较才合理。 其次，如果仅仅就戏曲的“唱”来与西方歌剧的“声乐”来进行一下比较的话，那也可以说是“风马牛不相及”的根本不同的两个东西。 西方的声乐体系是按照演唱者的音域和演唱方法来划分成“男高音”、“男中音”、“男低音”、“女高音”（包括“戏剧女高音”和“花腔女高音”）、“女中音”、“女低音”的。这个区分是由歌剧的作曲家来给予区别的，一个小伙子可能是由一位男低音演员来主唱的，也可能是由一位男高音或男中音演员来主唱的；而一位老人却也同样可能是要么由男低音来唱、男中音来唱或男高音来唱……也就是说，一个剧中人的歌唱艺术风格，是由作
音乐三种基本唱法讲解
民族唱法 百科名片 民族唱法是由中国各族人民按照自己的习惯和爱好，创造和发展起来的歌唱艺术的一种唱法。民族唱法包括中国的戏曲唱法、说唱唱法、民间歌曲唱法和民族新唱法等四种唱法。由于民族唱法产生于人民之中，继承了民族声乐的优秀传统，在演唱形式上是多种多样的，演唱风格又有鲜明的民族特色，语言生动，感情质朴。因此，在群众中已有深深扎根，成为人们不可缺少的精神食粮。 目录 民歌和民歌风格的歌曲带有浓郁的地方音调，在演唱时如能用方言更能表达其内容与色民族唱法 彩，它但是地方语与汉语普通话的总规律是相同的，因此用它（普通话）来演唱也是行得通的。 在风格处理上北方民歌要豪放悍犷一些的特点，南方民歌则要委婉灵巧的特点，高原山区民歌要高亢嘹亮一些，平原地区民歌要舒展自如一些。 民族唱法的主要特点是，口咽腔的着力点比较靠前，口腔喷弹力较大；以口腔共鸣为主也掺入头腔共鸣；咬字发音的因素转换较慢，棱角较大，声音走向横竖相当，声音点面合适，字声融洽；声音色调明亮，声音个性强，以味为主，手法变换多样；音色甜、脆、直、润、水；气息运用灵活；以真声为主。 历史 戏曲唱法的起始年代已无从考察，至少具有一千多年的历史。可以说是我国人民的传统声乐艺术。戏曲唱法中主要是以京戏为代表戏种。现代京戏除了在唱腔上还保留了原来的传统外，又增加了合唱、重唱、伴唱等形式。乐队编制也有了很大的改变，中西乐开始引进到伴奏中去。 说唱唱法顾名思义就是指以说为主，加上唱的一种民间唱法。音乐体裁以叙事性为主。 明朝时期，我国的说唱艺术发展很快，曲种达300多种。南有弹词，北有大鼓、相声、天津快板等都深受人们的欢迎。 说唱演员的吐字、气息基本功掌握得十分熟练。说唱自如，韵味浓厚。 特点 民歌唱法的特点是，声音听起来很甜美，吐字清晰，气息讲究，音调多高亢。民间歌曲源于人民之中，是我们民族的宝贵文化财富。我国有56个民族，不同的民族习惯，不同的民族语言，形成了丰富多彩的民歌。可以说，目前有的已形成了歌曲系列，如：茉莉花系列歌曲、摇篮曲系列歌曲、送情郎系列歌曲、山歌系列歌曲、号子系列歌曲等。有许多值得敬佩的音乐工作者，曾历尽艰辛的到祖国各地，跋山涉水去收集各种民间歌曲。但迄今为止还没有一个人能说，已收集整理完全。 民族新唱法主要是在继承我国民族传统唱法的基础上，借鉴了美声唱法的特点，经过不断的实践，不断的总结出来的一种完美的唱法。这种唱法既有民族唱法的优点，例如咬字吐字清晰，声音甜美，气息灵活；又有美声唱法的声区统一，音域宽广，真假声结合的特点。这种唱法使民歌歌唱演员的唱龄延长。同时，这种唱法能自如地演唱民族歌剧的大段唱腔，是我国优秀声乐教育事业工作者多年研究努力的可喜成果。 编辑本段发展过程发祥地 民族唱法植根于中国的土壤，由各族人民共同创造，它体现了中华民族艺术的民族唱法待点、欣赏习惯和审美意识。数千年来，它积累了浩瀚的曲目，创造了独特的演唱技法，形
浅析意大利歌剧对声乐发展的影响
浅析意大利歌剧对声乐发展的影响 ——以浪漫主义时期为例 学院：宁夏大学音乐学院 班级：09级一班 姓名：宋颖 学号：12009244067
浪漫主义时期意大利歌剧对声乐发展的影响 意大利歌剧的诞生 1597年,意大利作曲家培里(1561-1633)和科尔西根据诗人里努契尼的脚本写出了第一部单声的抒情音乐戏剧《达芙妮》,但因其乐谱没有保存下来,故把现存的歌剧《优丽狄茜》作为第一部。1600年,培里和卡契尼两人各自为里努契尼的脚本《优丽狄茜》写了音乐,成为保存至今最古老的歌剧。 第一位伟大的歌剧作曲家、欧洲近代歌剧的奠基人是克劳迪奥·蒙特威尔第,他第一个使歌剧戏剧化,并把歌剧的音乐形式定型化。他的第一部歌剧《奥菲欧》与《优丽迪奥》题材相同,但不侧重抒情而侧重戏剧力量。1637年,威尼斯创建了世界上第一座公开演出的歌剧院，使歌剧从宫廷娱乐转变为面向公众的艺术。在他的领导下,形成了威尼斯歌剧乐派,歌剧被引向更深广的发展。 意大利歌剧诞生后；对欧洲各国音乐文化的发展影响很大，歌剧这个新生音乐艺术品种很快在欧洲各国普及发展，一直非常兴盛，歌剧的创作内容和风格也日趋丰富。几百年来，在意大利传统歌剧的直接影响下，激发了诸多文学家、音乐家、戏剧家神妙的灵感、动人的想象，他们用精湛的技巧创作了大量的优秀歌剧作品，这些作品以它们动人的剧情、美妙的诗句、丰富的曲调，及其迷人的歌声、精湛的表演、宏大的场面和布景体现了歌剧是综合音乐、诗歌、戏剧、舞蹈、美术等多种艺术手段为一体的特有的艺术形式，所以，意大利歌剧自诞生至今，始终兴盛不衰、引人入胜。并以她特殊的风格和始创者的姿态傲然屹立在世界歌剧之林。 浪漫主义时期意大利歌剧的特点 意大利歌剧产生于巴罗克时期，并在这一百五十年的时间里辗转于意大利各大城市，并影响了欧洲各国。18世纪下半叶，曾被称为音乐古国的意大利远远落后于德奥音乐的发展，浪漫主义思潮在意大利是与现实的民族斗争结合在一起,它带来了意大利文化的繁荣,并使18世纪末颓废了的歌剧艺术重获新生。浪漫主义思潮是时代的潮流,它使意大利歌剧发生了巨大的变化。 音乐史上的浪漫主义时期大约是19世纪前后的100多年，该时期的音乐它更多地强调个性与自我感受，无拘无束地表达情感世界，体现了浪漫主义所特有的激情。浪漫主义音乐的这些特点都在意大利浪漫主义歌剧中得到了体现，它强调强烈的感情渲染、个人主义精神的展现以及强烈的个性表现，重视歌唱性和抒情性，以自由、平等、
中外名歌剧鉴赏及对比(观后感)
浅谈中外名歌剧的鉴赏和对比 罗曼罗兰说过这样一句话：“音乐不是一种单纯的消遣，他或是对于心灵的一种理智上的裨益，或者是镇定灵魂的一种抚慰。”排除现代商业元素的融入，单纯来讲我认为音乐其实本身是一种可以让人肃静的艺术，一种可以让人产生情感交流和共鸣的载体。如果生活中还需要加入一种基调，便是戏剧性。音乐的戏剧，戏剧的音乐，这便是我对歌剧的理解。简单地说，歌剧即是用演唱的方式来表演某个戏剧故事，其间往往带有连续不断的音乐。因为变幻的歌剧有其音乐和戏剧综合形式的本质属性，所以含有歌曲、戏剧、文学、舞蹈甚至舞台美术等许多门艺术贯穿其中。正是这种特色的综合形式和独特的艺术魅力，使歌剧逐渐发展成为当今世界上的一种重要的音乐载体并不断得到新的进步和发展。纵向观察，歌剧的地域发展也有着重要的区别和特色。由于笔者对歌剧艺术的理解仅停留在课堂，故无力长篇奇谈，仅选用中外歌剧经典之二——法国歌剧《卡门》和中国歌剧《江姐》进行赏析，通过对这两部歌剧的每幕经典桥段进行分析，浅谈作者对中外歌剧的各自特点的理解，共同和不同之处和个人启示，并对未来歌剧发展过程的初步见解，望与君共勉。 《卡门》是我接触的第一部完整的经典歌剧，无论从逼真完美的舞台艺术和演员服饰，还是从表演者的歌剧表演，都深深地触动我对音乐的理解：最原始的心声当由半说半唱形式表达出来更显淋漓尽致，更显音乐艺术与现实生活的水乳交融。四幕《卡门》讲述一名生性无拘束的吉普赛女郎卡门从事走私的冒险经历中，先后爱上士兵豪塞和斗牛士吕卡，最终当她为斗牛士胜利而欢呼时，却死在了豪塞的剑下。 歌剧的序曲《斗牛士之歌》耳熟能详，是一首在音乐会上经常被单独演奏的曲目，主题选自歌剧最后一幕斗牛士上场时的音乐。虽然整体给人产生华丽、紧凑和引人入胜的感觉，但是同样也为整部剧情的跌宕埋下伏笔，暗示着未来未知悲惨的结局。每当卡门遭遇紧张局势或由暗转名时总会响起，交相呼应，明暗对比，给整体话剧蒙上一层神秘的跌宕气势，不仅让每一个人心情随其起伏跌宕。 第一幕主要是士兵豪塞和卡门的出场和见面。最著名的就是卡门表达内心悸动的那首咏叹调《爱情像一只自由的小鸟》，散漫的步伐加上婉转而有力的声音，将卡门的热情、奔放、神秘魅力的天性暴露无遗。与之后其在引诱豪塞而唱的另一曲咏叹调衔接恰到好处，后者节奏更浓烈，像是一种西班牙舞蹈曲，热情和野气将卡门的直率和泼辣性格自然流露出来。 第二幕之前的间奏曲基调依旧停留在洒脱和富有活力的氛围之中，第二幕将之渲染浓烈，吉普赛女郎的酒店欢歌纵情的场面，喧闹的人声刻意夹杂在紧凑的音乐中，将所有人的期待落在欢悦的氛围中，为下一幕做出了坚厚的铺垫。二三幕间奏曲属于一个过渡，将热烈分为转为温柔抒情，行情脉脉的温情，或许是这段轻柔优美的旋律，将故事由扬转抑，带到了转折的地方，同时也预示着卡门悲惨的人生以及坚强的内心之间的斗争，卡门悲剧人生略显端倪。 第三幕，最经典的便是中心曲《斗牛士之歌》，凯旋式的歌声节奏感突出，声音浑厚有力，把吕卡的勇敢和百战百胜的英雄魅力表现得恰到好处。之后还有一曲重唱的音乐给人不祥之兆，正是这种狂欢的场面，最终走向悲伤的第四幕。 第四幕，其中脍炙人口的西班牙舞曲的喧闹中转到两位主人公最终死亡的可怕悲剧结局。 提到法国歌剧《卡门》，作者比才功不可没。真实是其最大的特点，正是这种对人类善恶的真实体现，才对之后的歌剧发展创造了灵感。同时，比才运用的民间元素众多，不仅表现了民族文化，同时热情奔放更易表达感情。全剧以女工、农民和群众作为主人公，在当时的歌剧作品中实属罕见，作者的刻意创新初演时并不为观众接受，巴黎上流社会无法容忍这
著名的四大音乐教学法
最著名的四大音乐教学法 一、达克罗士教学法： 内容概述：“达克罗士音乐教学法”为世界四大音乐教学法之一，其特色为教师以钢琴即兴方式教学，学生则以身体律动来体验对音乐的感受。达克罗士教学法是瑞士集音乐家、教育家、作曲家、指挥家、舞蹈家及诗人于一身的艾弥尔．杰克－达克罗士（Emile Jaques - Dalcroze，1865-1950）于1905年在日内瓦音乐院实验成功而公诸于世旳教学法。 其教学方式有：1.律动教学2.听音训练3.即兴创作。1.律动教学：这是藉着身替肢体最自然的律动，表达对音乐节奏的反应。这种教学模式常用在我们幼稚园、国小低年级的韵律、唱游…。它经常以肢体的动作：如走步、跑步、弯腰动作来代表拍子；或藉着拍手、脚踏来分辨不同的音符；或藉着游戏的规律节奏来激发学生对节奏的反应能力…这种以肢体的节奏感，导引学习音乐基本能力的潜能发挥可说是最符合认知、思考的一种音乐教学。2.听音训练：达克罗士认为以首调唱名来训练歌曲教唱，对于音乐欣赏的听音或记忆较有助益于能力的发挥，尤其音程间的认知，简单歌曲的仿唱，一定要配合身体的律动以达到「内在听觉感受能力」的音乐熏陶3. 即兴创作：这是藉着任何乐器的弹奏，学生可以自由发挥创意性的舞蹈动作来揣测音乐的动机及意境。另一方面达克罗士也鼓励对旋律与和声方面的创作与尝试，他认为节奏、韵律的配合是不能疏忽的。 达克罗氏教学法教学特性： 1. 重视以儿童之体律动的节奏配合音乐教学。 2. 舞蹈与律动为音乐教学的主要活动。
3. 教材应取之于自然界中的节奏素材，是儿童音乐学习最自然的感受。 4. 非常重视儿童对「视觉」、「听觉」感受能力的培养。 5. 即兴的舞蹈表演动作可促进儿童的表达能力。 6. 音乐教学应以节奏教学作为基础。 二、高大宜教学法： 内容概述：根据高大宜的看法，他认为人声是最好的教学工具。唱歌必须是无伴奏的，就像传统的民谣演唱一样。由这个观点来看，音乐教学的实施，祇要具备接受良好训练的师资和完整的教材，则无论在都市乡镇，甚或最偏远的地区，都可以实施;而且它的教学对象由二岁的幼儿至成年人，都可以透过歌唱的方式来学习音乐，可说是最理想的全民音乐教育。 高大宜的教学法可以用歌唱教学法作为其教学宗旨其主张所有音乐活动有：1.歌唱教学、2.节奏的配合教学、3.视唱与歌曲练习、4.手语教学。 1. 歌唱教学幼儿时期的歌唱以听唱仿唱为主开始已『念』歌方式，用童谣民歌与生活之谚语作为题材，从小三度音程开始教唱，并以五声音阶的音域为主，选择适当的教材配合实施教学，采渐进的教学方式，由两小节到四小节，再扩大为八至十二小节的乐句，每次上课以20分钟为原则。 2. 节奏的配合教学（1）先以感觉节奏的快、慢开始，聆听老师的节奏示范再加上以自己模仿，以拍手或踏步方式实施。（2）采用节奏音节念法实施节奏教学。（3）以歌曲配合游戏动作，尤其让儿童有创造设计的机会以配合唱歌的舞蹈动作。 3. 视唱与歌曲练习高大宜的歌曲与视唱有一系列的教本，大部份取之于民谣，