中外美术史完整答案

1.秦始皇兵马俑的艺术成就？

秦始皇陵兵马俑的艺术特点, 总体而言就是：雕刻手法写实严谨，作风自然朴实，注重细节刻画,整个陵园的陶塑与青铜雕塑风格完全一致。高大雄伟的兵马俑群像，在中国乃至世界雕塑艺术史上所占地位绝无伦比。那多彩多姿的艺术形象，独特的民族风格，展示着一代成熟发展的艺术。秦俑艺术是中国古代雕塑艺术史上的一个典范，它是前代艺术传统的继承和发展，又深刻影响着后世雕塑艺术的产生和发展。它的艺术风格和艺术技巧为后世所继承和发展，使其艺术传统源远流长。

秦兵马俑的艺术成就主要表现以下几个方面：

1.具有高度的写实作风

从艺术角度看，它体现出了较高的艺术水准，堪称艺术精品。秦始皇兵马俑的艺术特点首先是它的高度写实性。形象记录了许多富有个性特征的秦国真实战士，是秦国军队的真实写照。秦兵马俑的写实并不只是简单地按照现实摹刻下来，而是经过了艺术的处理。严格地模拟实物，力求与实物相似。各类武士俑的高矮、胖瘦以及面型、须发的样式等，在刻画上都十分严格、认真。

2. 生动传神的形象塑造

秦俑不是自然摹拟真实人物进行形象塑造的，而是经过提炼概括，仅求其形似。它所注重的是精炼地表现大貌，为了达到形象生动、传神的效果，都做了必要的艺术夸张和重点刻画，使个性十分鲜明、人物性格豁达的表现出来。

秦俑的造型表现了工匠已经熟练地掌握了人体的比例和形体结构的一般规律。此外，还把外部形体与内在精神、气质融为一体，体现了“形具而神生”的中国传统的审美要求。富有韵律感的线条，烘托着人物的动态，增强人物形象的真实感，标志着雕塑艺术已进入了成熟期。

3.形象生动的神态刻画

秦俑比较突出的成就，是善于抓住不同身份、不同人物的性格特征和精神面貌着意刻画。那一列列、一行行神态万千、各具其情的勇士们，似乎都雄纠纠、气昂昂地迎面扑来，所表现的是一支训练有素，具有极强的作战力量的军队形象，是当年作为战国七雄之首的秦国的真实写照。

4.栩栩如生的彩绘艺术

秦俑彩绘的特点一是：色调明快、绚丽，服色艳丽，色调热烈。二是运用强烈的对比色，大都以大红、大绿、粉紫、天蓝等色为主要服色，另外，也十分注意衣服的装饰，领口、襟边、袖口等都镶有彩色衣缘。在绘与塑的关系上，注意到二者互相补充、配合，显示了绘塑结合、相得益彰的艺术效果。

总之，秦俑艺术给人们留下的印象是深刻的，它那既写实而又精于提炼和传神的艺术表现手法，为后代所继承，它将我国写实主义的艺术传统发扬光大，为后代的雕塑艺术起到了奠基的作用。秦俑的洗炼概括为后世汉唐所继承和发扬，成为中国造型艺术中重要的艺术特点。绘塑结合的技法为中国古代雕塑注入了新鲜的活力，拓宽了中国雕塑艺术的发展道路。可以说是我国古代雕塑史上的典范，也是世界人类文化宝库中的瑰宝。

2.唐代仕女画的代表性画家及艺术特点？

（1）代表性画家：张萱、周昉

表现贵族妇女的仕女画在初唐已有发展，进入盛唐后，成为人物画的主要画题题之一。这些丰腴肥美的妇人既是现实人物的真实写照，也是当时社会审美要求的反映。盛唐时期的张萱和稍后的周昉是此类题材的代表性画家。

○1张萱，京兆人，他是我国人物画、风俗画发展方面的杰出画家，点缀景物亦穷其妙，特别在揭示人物的内心心理状态方面尤为突出。

○2周昉，字景玄，又字仲朗，擅长仕女画、肖像画和宗教画。

（2）艺术特点：

唐代仕女画的作者大都对宫廷贵族妇女生活十分熟悉，因而对族妇人及侍女的气质神态把握精确，通过对人动作细节的描写刻画，体现也唐代人物画最重的以形写神的艺术特点。在用墨设色上都体现出唐代人物画的精髓，用笔纤细。而又不却弹性，设色清丽艳明对质感的描绘把握非常贴切到位。

唐代仕女画的侍女多为浓丽丰肥之态，人物形象准确生动，揭示出人物心理和性情，反映了盛唐时期的官僚贵族的审美情趣和品位，创造的仕女形象，给后世的仕女画发展产生深远的影响。

张萱的仕女形象与周昉作品中的形象具有共同性：女性一般都丰肥艳妆，用笔工细，设色匀净，极类出土的唐俑泥塑和宗教画上的菩萨像。

张萱的仕女画在其以后的人物画史中影响深远。张萱人物画的艺术特色。《虢国夫人游春图》描绘的是唐玄宗宠妃杨玉环的姐妹游春的情景。此图无背景，而是通过有节奏的构图、悠闲自得的人物神态、轻快细碎的乘骑步伐以及鲜丽柔和的人物服饰表现出春游这一主题。

周昉的《簪花仁女图》描绘仕女们的镕适生活。绘的是唐代贵族妇女悠闲生活的一个片断，画面上共有五个贵妇人和一个挥着宫扇的宫女。这五个贵妇人的面容发式都很相似，她们有的在逗玩着小狗，有的在看手中采来的鲜花，有的在漫步，十分悠闲的样子，这是宫廷生活空虚、寂寞、平静的真实写照。其赋色技巧，层次明晰，面部的晕色，衣着的装饰，都极尽工巧之能事。轻纱的透亮松软，皮肤的滋润光泽，都画得神似，表现出作者具有高度的艺术技巧和概括能力，是研习中国古代人物画技法之绝佳范本。这种美迎合了中晚唐时期大官僚贵族们的审美意趣，并成为唐代仕女画的主要艺术特征。

总之，唐代丰腴雍容的仕女画中的雅致，正是盛唐美人所独有的。帝国的繁荣，绽开在那些花样面容上，流光溢彩，令人颠倒沉醉。这种充满繁荣、自信、满足、大气的风貌，前无古人，后无来者，体现了一个时代的精神状态。唐代仕女画的气氛是轻松与美艳的，观者尽可以在艺术家们流畅舒缓的线条引导下，从容地去欣赏这个时代的美。

3.宋代院体花鸟画的代表性画家及艺术特点？

（1 ）代表性画家：赵佶即宋徽宗，北宋画家，书法家。

在政期间，扩充画院，兴办画学，使的宋代宫廷画院人才辈出，达到我国宫廷绘画最兴盛的时期。《芙蓉锦鸡图》是北宋徽宗赵佶的代表作之一，这幅画描写了花枝和禽鸟的动态，芙蓉把锦鸡压得很低，栩栩如生，三种形象连在一起，构成了整体效果，充满活泼与吉祥的气氛，体现了宋代花鸟画的成就及其特色，也代表了“院体”花鸟画的一种艺术风格。

（2）艺术特点:

宋代院体花鸟画之所以能够在传神方面达到很高的境界，在于能够从自然万物中直接取得，生意趣味浓厚是其重要的特征，当时众多的作品具备这样的素质。将作品归类来看其特征：

第一、纯画花卉者：调粉弄朱求得鲜华之色与摇曳俯仰之姿。

第二，花果带蜂蝶禽虫者：讲求物象之间呼应关系，独具生动情趣。

第三，带景禽兽者：追求特定景致的意境。

第四，禽兽相戏或相斗者：李迪《鹰熊图》在峭壁岩中，鹰熊相互顾盼，隐隐动犄角之机

花鸟画是宋代宫廷画院绘画的重要类别，在艺术上大大超越了唐代。宋代宫廷花鸟画家极重视对动植物形象情状的观察研究，他们笔下的花果草木，务求生动逼真，合情合理，一丝不苟。其表现精工细丽，设色浓重典雅，造型周密端庄，反映出宋代宫廷贵族的审美特征。

院体花鸟画的繁荣，宋朝历代皇帝特别是宋徽宗的大力提倡起了重要的作用，涌现出了一批技巧高超的花鸟画家，崔白影响尤大。

崔白：字子西，濠梁人，精于勾勒填彩，线条劲利如铁丝，设色淡雅，在继承徐熙、黄筌两体的基础上别创出一种清雅疏秀的风格。崔白还精于道释人物鬼神。他对院体花鸟画的兴盛产生很大的影响。《双喜图》是他的传世名作。

赵佶：宋徽宗赵佶政治上昏庸无能，但酷爱艺术并极有造诣。擅绘画，尤工花鸟。他在位时扩充翰林图画院，提高画家的社会地位，建立比较严格的考核制度，并经常亲自进行指导。

对画院的建设不遗余力，对花鸟画的提倡尤其着意。概括其对绘画艺术的要求，大体上可以归结为两点：一是注重写生追求客观的真实性，二是通过命题考试追求的含蓄性。在其影响下当时画院的花鸟画创作呈现出形象逼真、意境生动的特色。比之二黄，有了长足的进步。

其画风有两种，一种用浓郁的重彩画成，源于黄体，另一种用清淡的水墨画成，源于徐熙。其作风又有两种：一种工笔细勾淡染，与院体无异，只是变色为墨而另一种粗笔，连勾带染，点垛兼施，但依然恪守形象的真实性。南宋宫廷画院的花鸟，在艺木思想上乃画风形态上，都受到赵佶的直接或间接影响。

综上所述，院体花鸟画运用多采的优美的艺术形式，创造了很多的艺术表现手法，在整个社会绘画的繁荣基础上得到高度发展。宋代中国花鸟画成熟并至极盛,应物象形、随类敷彩臻于完美,而其中院体花鸟画的发展取得了辉煌的成就。从关注写生、妙法自然,到大胆创新、强调诗情画意;笔墨技巧由精工富丽、浓重典雅的风格转向追求自然生动,工放结合的新风格。宋代院体花鸟画作为中国工笔花鸟画的典范,对元明清乃至现代的花鸟画产生了极其深远的影响。

4.论述明代“吴门四家”的艺术成就？

“吴门四家”是指中国画史上沈周、文徵明、唐寅、仇英四位明代画家。他们都在江苏苏州从事绘画活动。因苏州古为吴地，故又称、沈、文、唐、仇为“吴门四家”。

“吴门四家”的绘画成就,都是多方面的,他们技艺全面,题材广泛。所画山水,既能表现雄伟险峻的北方山川,也能描写清雅秀润的南方风景。他们运用熟练的笔墨,描写周围的园林景物,把表现文人生活题材的山水画提高到新的水平,开拓了元明清以来山水画的新境界。也有不同之点,是他们的个人画风不同,各有师承体系。吴门画派属文人画体系，沈周、文征明是吴派开派大家，而唐寅、仇英是“吴派”的友军。在画史上一般把他们四人称为“吴门四家”。沈周过着典雅的文人画家生活。但在山水、人物、花卉、禽兽画方面都有较高的造诣。

其主要成就表现在水墨山水方面：

第一，沈周的山水画技法出入于董源、巨然及黄公望、吴镇诸家，题材多写江南山川和园林风景、田园风光。取景平凡简洁，喜用粗笔皴点，宏敞厚重。其《庐山高图》是沈周早期的代表作，表现庐山的景象变化万千，气魄雄伟，山水木石仿王蒙笔法，细密繁重，从中可以看出来画家豁达的性格和对精神上的自由追求；《苍洲趣图卷》是沈周晚年的作品，此图用粗笔皴擦，焦墨点苔，笔力老健。从首至尾分别体现出吴镇、黄公望、王蒙、倪瓒画法，兼具董源、巨然遗风。分“粗文”和“细文”两种。早年作品多细谨、中年较粗放，晚年粗细兼备，富于变化。

第二，文徵明主要用细笔画山水，喜欢用青绿重色罩染。他的山水画内容多表现幽雅深静的自然境界，其中的人物点缀多是逃避现实而陶醉于山水的“高士”，反映了他的生活理想和审美情趣。在画中更多倾注了他自然、田园风光和世俗景象的热爱之情。从文徵明的粗笔作品笔墨粗简劲挺，但在粗放中仍见宁静典雅的气质。从中凝结着“文人雅士”的生活理想和人生观的话。

第三，唐寅的绘画创作以山水画为主，取法李成、范宽和南宋四家，兼采元人画法，集众之长而自成一家。唐寅的人物仕女画，多取材于“高人韵事”，神仙故事以及官伎、歌女等，从中暗含着他对僵化的封建礼法和腐朽虚伪的道学强烈不满的情绪和嘲弄。他的写意花鸟画，更劲秀、潇洒、精丽。他的用笔秀润缜密，格调潇洒清雅，山水的画题呈现出雅俗共赏的特点，在苏州画家中独树一帜。

第四，仇英在艺术上受到文人画家和民间画师的双重影响，并深受传统、特别是南宋院体画风的熏陶。在其艺术作品里，也显示出这三方面风格相融合的特点。在《春夜宴桃李园图》、《柳下听琴图》的画法上，他把其擅长的工笔人物和重彩山水画技法融合起来加以表现，充分显示了他的艺术创作才能和高超的技艺。他的山水画以细笔青绿最为出色，皆精描细染而又不失清秀文雅的气韵。

综上所述，他们都是在重视继承古代人的笔墨传统的基础上，把对风格的追求作为艺术的重要目的。而且，由于他们具有深厚的文化修养，有各自的美学追求，从而也具有一定的创造性。他们的笔墨技巧和表现手法，对后来画坛有很大影响。

5.论述清代扬州八怪的艺术成就？

“扬州八怪”是指清代乾隆年间活跃于扬州一带的郑燮、金农、罗聘、黄慎、高翔、李、汪士慎、李方膺八人。实际上，当时活跃在扬州画坛上的重要的画家并不止八人，约有十六、七人，“八”并非确数。按最早的记载有八人。所以称他们为怪，是因为他们在作画时不守墨矩，离经叛道，奇奇怪怪，再加上大都个性很强，孤傲清高，行为狂放，所以称之为“八怪”。

“扬州八怪”一生的志趣大都融汇在诗文书画之中，绝不粉饰太平。他们生活比较清苦，深知官场的腐败，形成了蔑视权贵，行为狂放的性格，借助书画抒发内心的愤懑，用诗画反映民间疾苦、发泄内心的积愤和苦闷，来表达自己对美好理想的追求和向往。

其艺术成就如下：

第一，八怪之首郑板桥和他的《竹石图》，他画竹有“胸无成竹”的理论，他画竹并无师承，多得于纸窗粉壁日光月影，直接取法自然。《竹石图》中竹子画得艰瘦挺拔，每一张叶子都有着不同的表情，墨色水灵，浓淡有致，逼真地表现竹的质感。在构图上，板桥将竹、石的位置关系和题诗文字处理得十分协调。竹的纤细清飒的美更衬托了石的另一番风情。这种丛生植物成为板桥理想的幻影。第二，高其佩善用手指作画，他开创的“指画”成为绘画中一个重要流派。高其佩晚年，指画声誉远播朝鲜，但他依然绘画“甲残至吮血，日匿频烧烛”。雍正八年（公元1730年），应诏圆明园如意馆作画3年，创作了《长江万里图》等细绢工笔画。

第三，金农长于花鸟、山水、人物，尤擅墨梅。他的画造型奇古、拙朴，布局考究，构思别出新意。他独创一种隶书体，自谓“漆书”，另有意趣。

第四，李鱓早年曾跟魏凌苍学画山水，继承黄公望一路，画法工致；后又向指头画大师高其佩求教，进而崇尚写意。在扬州又从石涛笔法中得到启发，遂以破笔泼墨作画，风格为之大变，形成自己任意挥洒，水墨融成奇趣的独特风格，喜于画上作长文题跋，字迹参差错落，使画面十分丰富，其作品对晚清花鸟画有较大的影响。

第五，黄慎擅长人物写意，间作花鸟、山水，笔姿荒率，设色大胆。他的写意人物创造出将草书入画的独特风格。他的人物画，多取神仙故事，对历史人物和现实生活中樵夫渔翁、流民乞丐等平民生活的描绘，给清代人物画带来了新气息。第六，李方膺的作品纵横豪放、墨气淋漓，粗头乱服，不拘绳墨，意在青藤、白阳、竹憨之间。画梅以瘦硬见称，老干新枝，欹侧蟠曲。用间印有梅花手段，著名的题画梅诗有不逢摧折不离奇之句。

第七，汪士慎擅画梅，所作之梅花，皆从自然总来，笔墨轻劲，以密蕊繁枝见称，清淡秀雅，代表作有《春风香国图》、《墨梅图》为其精心佳作。兰竹，亦雅韵欲流，清逸之气逼人。善诗，著有《巢林诗集》。

第八，罗聘的笔调奇创，超逸不群，别具一格。他又善画《鬼趣图》，描写形形色色的丑恶鬼态，无不极尽其妙，藉以讽刺当时社会的丑态。其代表作有：《两峰蓑笠图》、《丹桂秋高图》、《画竹有声图》等。著有《香叶草堂集》。

总之，扬州八怪画家突破了“正宗”的束缚，在继承传统的基础上，重在自己创造与发挥，穷其一生，为创造新的画风而努力。开创了画坛上新的局面，为花鸟画的发展拓宽了道路。无疑，他们对中国画的发展作出了伟大的贡献，他们的创作思想和众多的作品，都是我们学习继承的宝贵遗产。

6.结合作品谈谈你对卡拉瓦乔艺术风格的理解？

卡拉瓦乔是一位革命性的画家，是16世纪末至17世纪初现实主义最主要的代表人物，坚守写实主义，一系列的风格画创造了他的特色。他将现实主义艺术推向了一个新的阶段，以至影响了整个欧洲。他的艺术充满鲜明的民主主义思想。卡拉瓦乔艺术最大的特点是忠实地描摩自然而不管人们认为美不美，所以人们称他为“自然主义”画家，即使在表现宗教题材的绘画中，他也尽最大努力去使古老的经文中的人物看起来更加真实、更加可感可触，连他所用的明暗方法也有助于达到这个目的。他的光线并不使身体看起来优美而柔和，却是那样执拗而忠实地把整个奇异的场面突现出来。

对卡拉瓦桥艺术风格的理解如下：

第一，《逃往埃及路上的休息》是卡拉瓦乔的代表作。此画风格朴实，有一种卡拉瓦乔早期作品的宁静柔和。他的艺术作品中就表现出一种怀疑和叛逆。他敢于怀疑在圣经上被认为是天经地义的事，不但不美化画中人物，反而用现实生活中下层人物形象来表现圣徒们和圣母，实在是现实主义绘画的开创者之一。他抛弃了绘画中的一些“崇高风格”、装饰因素和理想化，以其明确率真的“粗野的风格画”宣告现实主义的到来。这是卡拉瓦乔艺术的独特之处，是他艺术的真正价值所在，他正在为现实主义的艺术开辟着一个新的时代。

第二，《艾穆斯的晚餐》体现了卡拉瓦乔写实的风格。画中人物似乎直接源于生活，衣饰平朴，人物表情颇含意味，画面笼罩在一种平和宁静的棕色调子中，画的虽然是晚餐，强调的似乎更是一种类似于平民相聚时的畅所欲言。卡拉瓦乔具有非凡的写实能力，晚餐享用的面包、火鸡、水果无不跃然纸上，特别是晶莹碧绿的葡萄，更是生动诱人。此画另一个特色是卡拉瓦乔最善于运用的强烈的明暗对比，这种明暗对比营造了一种诗意的氛围，是画面真实而质朴。这种艺术风格，同样是后世艺术家所孜孜追求的楷模。

第三，《基督的下葬》是卡拉瓦乔作品中有巴洛克风格倾向的作品之一，强调动感，人物形态夸张。画中人物结构严谨，特别是耶稣的裸体和前面老人的双腿，饱满有力。另外，画中六个人紧紧集中于画的中央，具有雕塑般的整体感。它的风格是人物身上明亮的光线和背景的深暗，卡拉瓦乔是最早探索光影语言的画家。

第四，《圣母升天》是卡拉瓦乔的祭坛画，在此画中，圣母朴素得就像生活本身一样。表现了作者对下层人民深厚的同情心，也反映了他那朴素唯物主义美学思想。这幅画的明暗对比不如前期绘画那样强烈，人物和背景却笼罩在柔和的自然光中，更增强了画面的真实感。

第五，《丘比特的胜利》是卡拉瓦乔的早期作品，画面中丘比特的形体显得极为真实。形态自然逼真，很是清新动人，画面洋溢着一种贴近生活的亲切感。卡拉瓦乔尽力用他所撑握的技法来突出画中人物，尤其是明暗法的运用，更为画面增色不少。

综上所述，卡拉瓦乔创造了独特的艺术风格，它反对学院派僵化的教条和巴洛克美术夸张的浮华；追求朴素、清新、直接面对自然的表现方式；以单纯、强烈的明暗，严谨、结实的轮廓，以前所未有的朴实无华的作风为现实主义绘画的转型起到了重要的作用，对19世纪欧洲的现实主义美术思潮都有着深远影响。

7.简述古希腊古典时期代表的雕塑家及其作品，并就其中某一作品谈谈自己的理解。

P19+p20+

【普拉克西特列斯是希腊古典后期雕塑艺术的代表人物，,他一生创作了大量的雕像，大多以大理石为材料。他善于把神话中传说的人物纳入平凡的日常生活中加以描写，风格柔和细腻，充满抒情感，从而确立了公元前四世纪希腊雕塑的艺术特征。传说他曾与当年雅典最美的少女芙留娜恋爱。普拉克西特列斯的代表作品有《赫耳墨斯和小酒神》、《牧羊神》、《尼多斯的阿芙洛蒂忒》等。】

+P21+

【公元前四世纪，希腊雕塑中歌颂英雄主义和崇高品德的形象逐渐减少，取

而代之的是对人体曲线美的真实描绘。人们开始注意使用柔和细腻的表现方法，使希腊的艺术更加接近于现实生活，艺术家们的技巧也相应得到了很大的提高。这尊《赫耳墨斯和小酒神》就是希腊古典后期著名雕塑家普拉克西特列斯最著名的代表作，更可贵的是现在的人们可以看到原作。由于现存的古希腊雕塑大多是罗马时期的复制品，所以这一尊原作更加显得异常珍贵。这尊雕像发现于奥林匹亚的赫拉神庙遗址中。

赫耳墨斯姿态安祥，身体曲线柔和，倚在一个树桩上，右脚支撑着全身的重量，左脚放松，左手抱着婴儿。这种轻松、随意的动作，把生活的气氛灌注到了神话的形象中。雕像轮廓清新、柔和、含蓄，细节的处理也十分出色，骨骼、肌肉和毛发都显得光滑而雅致，尤其小酒神下面衣服的处理，逼真得几乎无懈可击。雕像中人物的表情似乎正沉迷于迷蒙的想象之中，温柔而宁静。

整个作品华美、富丽，充满了抒情的意境，人物造型别具特色，显示了艺术家极其高深的艺术造诣，雕塑在气质上则反映了希腊社会鼎盛时期贵族阶级的艺术风尚】

8、列出你所知道的梵高的作品，结合其中一些作品能谈谈梵高的艺术成就。

梵高是一位生活在法国的荷兰画家、表现主义的先驱，他的艺术中那种狂放不羁的风格，那种充满激情的色彩，那种畅神达意的线条，脱却了自然物象的束缚深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。

梵高的作品有：《向日葵》、《夜晚的咖啡馆》、《星夜》、《乌鸦群飞的麦田》、《割耳朵后的自画像》、《割草的少年》、《煤矿的妇女们》等。

结合作品其艺术成就：

第一，《向日葵》

凡高作画时,怀着极狂热的冲动,追逐着猛烈的即兴而作,这幅流芳百世的《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画家像闪烁着熊熊的火焰,是那样艳丽,华美,同时又是和谐,优雅甚至细腻,那富有运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。总之,凡高笔下的向日葵带有原始冲动和热情的生命体。

第二，《夜晚的咖啡馆》

梵高的激情，来自他所生活在其中的那个世界，来自他所认识的人们所做的按捺不住的强烈反应。虽然他的大部分色彩观念用来表达对于人物和自然的爱，及其表现过程中的愉快，但他对较深的色彩十分敏感，所以在谈到《夜晚的咖啡馆》时说：“我试图用红色和绿色为手段，来表现人类可怕的激情。”《夜晚的咖啡馆》中的透视空间和企图破坏这个空间的逼人色彩之间存在着一种永不调和的斗争，预示了超现实主义用透视作为幻想表现手段的探索，具有震撼人心的一种力量。第三，《星夜》

梵高的宇宙，可以在《星夜》中永存。这是一种幻象，而这种幻象，是用花了一番功夫的准确笔触造成的，超出了拜占庭或罗曼艺术家当初在表现基督教的伟大神秘中所做的任何尝试。《星夜》是一幅既亲近又茫远的风景画，可以从高视点的风景手法上看出，他艺术的最直接源泉是某些印象主义者的风景画。

第四，《乌鸦群飞的麦田》

这幅画上仍然有着人们熟悉的他那特有的金黄色，但它却充满不安和阴郁感，一群凌乱低飞的乌鸦、波动起伏的地平线和狂暴跳动的激荡笔触更增加了压迫感、反抗感和不安感。

第五，《割耳朵后的自画像》

这幅画中挣扎的线条与狂舞的色块：倾泄着他的血。他死了，却留下了一只著名的耳朵，这最后的遗物似乎并没有失去听觉。

综上所述，凡·高全部杰出的、富有独创性的作品,情调常是低沉的, 可是后来, 他大量的作品即一变低沉而为响亮和明朗, 好象要用欢快的歌声来慰藉人世的苦难, 以表达他强烈的理想和希望。他的生活和艺术却始终保持着旺盛状态，即使穷困潦倒，也未扔掉那维系生命与精神的画笔。他的画不是自然的写照，而是他生命与精神的自我流露，是他以火一般的热情为生活高唱的赞歌。

9.结合作品谈谈你对印象派艺术的理解

印象派是西方绘画史上划时代的艺术流派，19世纪七八十年代达到了它的鼎盛时期，其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地，但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。

一是将绘画从客观自然再现转向主观精神表现，反映印象派具有绘画独立性的美学观念。印象派认为“记忆”和“想象”可以“从自然的束缚下解放出来”。塞尚还提醒画家“应防止倾向于文学”，在绘画中排除叙事性的文学内容。毕沙罗的《农家女》的纯朴与率真、《牧羊女》的灵动与鲜活等，正反映了“以自然为师”，描绘了“感觉到的第一印象”。德加的《赛马》的投入与动情、《骑马散步》的闲情与潇洒、《舞台上的芭蕾舞者》的欢快与忘我等，正叠加了“记忆”和“想像”，试图“从自然的束缚下解放出来”。

二是注重绘画的光、色、形、意、美的融合，体现印象派的艺术与光学相结合的主要特征。印象派绘画在光与色的表现上取得了突破性成就，在光、色中求形，以光与色的讴歌表现意和美，孕育了艺术与科学相结合而产生的文化跃迁。莫奈曾反复画不同时间的鲁昂大教堂和草垛，正是为了捕捉瞬间的光与色。并展出的《鲁昂大教堂，从正面看到的大门，棕色的和谐》与《鲁昂大教堂，阳光的效果，傍晚时分》便是莫奈为教堂绘制的30多幅油画中的两幅。

三是采用原色并列、重叠和补色手法，形成印象派新的绘画语言。为了表现物体的动态变化和光色的斑斓绚丽、光怪陆离，印象派画家采用小笔触和色调并列方法，有些颜色不再在调色板上调配，而是红、黄、蓝三原色并列，时而重叠，并把红和绿、黄和紫、蓝和橙色补互对比，使色彩在强烈视觉冲击中产生新的和谐。印象派新的“光色”技法形成了新的绘画语言，令人耳目一新。

四是“把画架搬到户外”，成为印象派的重要绘画方式。它改变了西方传统绘画方式，在阳光下对景写生，捕捉和描绘物体在阳光照耀下色彩的微妙效果。有了《打阳伞的丽丝》中的伞下阴影处、回眸一瞬间视觉色彩的晶莹剔透与丽丝眼神的非视觉色彩的真诚魅力。“阳光下的绘画”，为印象派绘画的崛起和发展在绘画方式上奠定了基础。

五是变革西方传统绘画和借鉴各种画派，留下印象派叩开20世纪现代艺术之门的文化轨迹。印象主义艺术思潮随印象派绘画而生，印象派绘画又在印象主义艺术思潮的涌动中而兴。印象派之兴，在于对西方传统绘画的变革和对19世纪上半叶各种画派的借鉴，包括借鉴古典主义、浪漫主义和现实主义等。印象派绘画的反叛表现在众多方面，很快形成了自己的艺术风格、绘画特征和文化风采，在独树一帜驰骋19世纪下半叶艺术舞台的同时，也显现了自身的艺术选择和文化取向的局限性，以至于困惑、分化不断。

总之，印象主义的出现是基于色彩科学的发展，作为一种美术思潮，印象主义绘画在世界美术史上具有重要地位，它推动了以后美术技法的革新与观念的转变，对欧美、日本乃至中国的画家产生重要的影响。

10.结合自己喜欢的作品谈谈米开朗基罗的艺术理解。

米开朗基罗是意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家和建筑师，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表。他是一位“无所不能的通才”，他是“人类的艺术楷模”，他的艺术作品都是世上的“典范”。

作为文艺复兴的巨匠，以他超越时空的宏伟大作，在生前和后世都造成了无与论比的巨大影响。他创作的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量，显示了写实基础上非同寻常的理想加工，成为整个时代的典型象征。他的艺术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响，常常以现实主义的手法和浪漫主义的幻想，表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神面貌。

米开朗琪罗的作品最大特点，是表现一个英雄的一个男人，表现巨人的力量。最为著名是最有代表性的雕像作品《大卫》，它是文艺复兴人文主义思想的具体体现，对人体的赞美，表面上看是对古希腊艺术的“复兴”，实质上表示着人们已从黑暗的中世纪桎梏中解脱出来，充分认识到了人在改造世界中的巨大力量。米开朗基罗在雕刻过程中注入了巨大的热情，思想解放运动在艺术上得到表达的象征。作为一个时代雕塑艺术作品的最高境界，《大卫》将永远在艺术史中放射着不尽的光辉。

《最后的审判》是米开朗基罗为西斯庭教堂所作的祭坛画，场面恢弘，人物众多，分为天上、人间、地狱三个空间。画面中央是耶酥基督挥动着手臂，把右边负有罪孽的人们投进地狱，把左边善良的、遭到不幸的人们的灵魂带进天堂，表现了宗教的因果报应的思想，劝诫人们要扬善除恶。画面构成关系极为复杂，充满着悲壮的效果，而其表现风格已成为17世纪巴洛克艺术之典范。

米开朗琪罗创作盛期的最后一个作品便是美第奇陵墓雕像，即：《夜》与《昼》、《晨》、《暮》这四件大理石雕像。这四个人物形象都被赋予了特殊的寓意，具有强烈的不稳定感，他们辗转反侧，似乎是为世事所扰，显得忧心忡忡，既象征着光阴的流逝，也代表着受时辰支配的生与死的命运。

美第奇家族陵墓和其雕塑作品是纪念碑式的杰作，同时也是米开朗基罗艺术生涯中重要的转折点。尤其是《夜》、《昼》、《晨》和《暮》这四件雕像所表达出的不安、紧张以及带有辛酸的屈从，正是作者心灵深处真实写照。米开朗基罗面对处于动荡之中的意大利现实社会，人文主义的理想破灭了，他的思想开始变得深沉和苦闷。这些雕塑作品表示意大利文艺复兴的黄金时代已经过去了，并成为后来“样式主义”美术作品的先驱。

《摩西》是一个先知者的形象，他是带领犹太民族离开古埃及寻找新生活的所以在米开郎基罗的表现中他是一个充满意志力的中年男子他紧咬的牙关和炯炯有神注视前方的双眼，特别加以突出的巨大的膝盖骨都反映了米开朗基罗把自己的理想倾注与其中的感情同时，又反映了米开朗基罗对美的终身追求。

总之，米开朗琪罗的作品，举世无双。他的为人，使人敬仰。他敢于藐视一切，甚至可以跟教皇对抗。但是，这只是艺术家生活的表面，如果深入去了解他的内心世界，的确充满了痛苦。在他看来，痛苦就是快乐，从而支撑了他的一生和艺术创作。