美术学复试笔试科目(书法理论和素描)
湖南师范大学硕士研究生入学考试自命题考试大纲
考试科目代码：[美术学复试笔试科目]
考试科目名称：书法理论和素描
一、考试形式与试卷结构
1.试卷成绩和考试时长：本试卷满分100分，考试时长180分钟。
2.答题方式：闭卷，笔试。
3.试卷结构：（1）书法理论，60分；（2）素描40分。
4.题型结构：（1）书法理论全部是问答题目；（2）素描是现场用铅笔对照实物绘画。
二、考试内容与考试要求
1 书法的类型和欣赏：书法的性质；书法的形式和内容；艺术书法和实用书法；书法的欣赏；书法欣赏的活动和内容；书法的文字审美；书法的形象审美。
2 书法的历史：书法历史概述；秦汉时期的书法；三国两晋南北朝时期的书法；隋唐五代时期的书法；宋元时期的书法；明清时期的书法；中华民国以来的书法。
3 书法学习和创作：书法学习基础；书法的模仿学习；书法的创作 51
4 书写工具：笔；墨；纸张和其他.
5 笔画的书写造型：身体和手的姿势；笔的控制；笔的运行；笔画的力度表现；笔画的色彩表现。
6 字的书写造型：笔画的结构和造型；部件的结构和造型；字的整体面貌造型；字的重心平衡造型。
7 特殊文字的书法：美术字；拉丁字母的书写；阿拉伯数字的书写。
8 素描：现场用铅笔对照静态的实物绘画，注重透视角度，色彩浓淡和光线明暗的关系。
三、主要参考书
[1]胡昌华；《教师书写技能》；湖南师范大学出版社；2000年。
[2]彭泽润，李豪东；《大学书法》；武汉大学出版社，2000年。
[3]钟善明：《中国书法简史》；湖北美术出版社，1983年。
试论中国传统绘画美学的发展历程
试论中 国传统 绪论:在中国历史上，自先秦诸子以来，到汉魏的王充、刘勰，再到清代的王夫之、叶燮，许多的哲学家同时又是美学家，在他们的著作中存在了大量的美学思想。除了哲学家，历代著名的诗人、画家、戏剧家、书法家等所留下的诗文理论、绘画理论、戏剧理论、书法理论、音乐理论中，也包含有丰富的美学思想，"而且往往还是美学思想史中的精品"。这些宝贵的思想遗产材料丰富，涉及范围广泛，值得现代设计师有很好地学习。其次，中国各门传统艺术(诗文、绘画、戏剧、音乐、书法、建筑等)不但都有自己独特的体系，而且各门传统艺术之间，往往互相影响，甚至互相包含。"譬如在诗文、绘画中可以找到园林建筑艺术所给予的美感或园林建筑要求的美，而园林建筑艺术又受诗歌绘画的影响，具有诗情画意。"各门艺术既具有自身的美感独特性，又在审美观方面有许多相同之处和相通之处。这个特点使设计师可以在传统工艺产品的范围之外更加广泛地接触到中国传统审美观念的实质。第三，美学的理论形式之外，在古代劳动人民创造的大量工艺产品之中，也体现出了丰富的美学思想。虽然自先秦诸子以来，造物的工艺就一直被归于"形而下"的范畴，但从先辈能工巧匠的高度技巧之中仍然表现出了他们的艺术构思和美的理想，正如马克思所说，他们是按照美的规律来创造的。古人强调"技进乎道"，从实际操作的高超技艺中可以归结出美的规律"道"。技艺的神化，进乎道，亦出乎道，道是技的立足根本，技是道的外在表现和激发因素。这种道与技的辨证关系，应该为现代设计师所把握。充分了解了以上特点，我们作为现代设计师就可以明白，中国美学的发展史，能够带给我们丰富的美学思想、多元的传统文化和对工艺、设计、美的规律的进一步认识，并能够提供给我们许多资料和新的启发。这对把从理论上进行的设计研究推到一个新的高度以及对实际工作中创作思想的激发都是大有裨益的。 关键词：书画美学审美思想先秦魏晋南北朝 先秦是中国古代社会最激烈的变革时期，也是中国审美文化最为活跃的开创时期。一方面摆脱原始巫术宗教的种种观念传统，另一方面开始奠定汉民族的文化——心理结构。极大地促进了中国古代美学思想的发展，宣扬了中华民族的艺
国内传统绘画的主要种类
中国传统绘画的主要种类。从美术史的角度讲，民国以前的国画我们都统称为古画。中国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。近现代以来为区别于西方输入的油画（又称西洋画）等外国绘画而称之为中国画，简称“国画”。它是用中国所独有的毛笔、水墨和颜料，依照长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。中国画按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。中国画的画幅形式较为多样，横向展开的有长卷（又称手卷）、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。中国画在思想内容和艺术创作上，反映了中华民族的社会意识和审美情趣，集中体现了中国人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。 国画在世界美术领域中自成体系。按表现对象大致可分为；人物，山水、界画、花卉、瓜果、翎毛、走兽、虫鱼等画科；按表现方法有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种 水墨画 中国画的一种。指纯用水墨所作之画。基本要素有三：单纯性、象征性、自然性。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。“墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提出“水墨为上”，后人宗之。长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。 院体画 简称“院体”、“院画”，中国画的一种。一般指宋代翰林图画院及其后宫廷画家比较工致一路的绘画。亦有专指南宋画院作品，或泛指非宫廷画家而效法南宋画院风格之作。这类作品为迎合帝王宫廷需要，多以花鸟、山水，宫廷生活及宗教内容为题材，作画讲究法度，重视形神兼备，风格华丽细腻。因时代好尚和画家擅长有异，故画风不尽相同而各具特点。鲁迅说：“宋的院画，萎靡柔媚之处当舍，周密不苟之处是可取的。”（《且介亭杂文·论“旧形式的采用”》）以张铨、江宏伟、贾广键、赵蓓欣、喻慧等为代表的现代中青年画家为现代院体画的发展作出了一定的贡献。 文人画 亦称“士夫画”。中国画的一种。泛指中国封建社会中文人、士大夫所作之画。以别于民间画工和宫廷画院职业画家的绘画，北宋苏轼提出“士夫画”，明代董其昌称道“文人之画”，以唐代王维为其创始者，并目为南宗之祖（参见“南北宗”）。但旧时也往往借以抬高士大夫阶层的绘画艺术，鄙视民间画工及院体画家。唐代张彦远在《历代名画记》曾说：“自古善画者，莫非衣冠贵胄，逸士高人，非闾阎之所能为也。”此说影响甚久。近代陈衡恪则认为“文人画有四个要素：人品、学问、才情和思想，具此四者，乃能完善。”通常“文人画”多取材于山水、花鸟、梅兰竹菊和木石等，借以发抒“性灵”或个人抱负，间亦寓有对民族压迫或对腐朽政治的愤懑之情。他们标举“士气”、“逸品”，崇尚品藻，讲求笔墨情趣，脱略形似，强
中国书法与绘画的相互影响和渗透
Vol.33No.5 M ay 2012 第33卷第5期2012年5月赤峰学院学报（汉文哲学社会科学版） Journal of Chifeng University （Soc.Sci ）从中国书画艺术产生的历史可以看出,中国书法艺术的发展历程和中国绘画艺术的发展历程是分不开的。中国书法和绘画之间的关系非常密切，无论是外观或是深层的含义，都是典型的姊妹艺术。从甲骨文向上看，越来越多的符号既可以称其为图案，亦可以称其为文字，汉字中的象形字及绝大部分会意字，就是直接来自于简化的图案。中国的书法和绘画都离不开线条，特别是在笔墨运用上具有共同的规律性。中国的文字发展历程，从象形的图画逐渐发展到线条符号，然后又发展到适应毛笔书写的笔画，就是说，表形的文字在前,成熟的文字在后。中国的象形文字,是用线条或笔画勾画出来的，如果按照“艺术”的定义,它的主要价值作用在于供人们观赏,最大限度地满足人的审美需求。因此象形字并不是艺术,但象形字却是艺术的源头，是文字演变的基础，所以象形文字是绘画也是文字又是书法。 一、绘画源于线条 中国画一直注重线条的性能和使用，强调用线造型，用线界定物体的轮廓，反映出对象本身所具有的质感、运动感等。石涛说：“一画(线)之法而立，万物著矣。”线条是中国画最基本的造型方法，它的主要特点：一是线条自身所具有的情感、美感及节奏感。线条的曲直、疏密、浓淡、强弱等的变化，可以让受众视觉感受上产生变化，激发欣赏者对现实生活中各种物象形态美的联想;二是线条具有书写性。古往今来，画家们就是利用书写线条来表现人物和景物的质感、量感和空间感，运用线条来抒发自己的情感。所以说，线条具有无限的表现力，是各种造型艺术表现形式的灵魂，其功能和作用毋庸置疑。 中国绘画艺术早在它的萌芽时期，人们就以线条简明地勾勒出物体的形状，如树木、山水、人兽等等。战国时期的一些帛画，就是用线条绘制的。所有后来的一代代画家名师都以线条的组合变化，甚至延伸和拓展，建构了一个堪称完美的中国绘画艺术。顾恺之根据所画对象的不同特点，使用线条的方法也不同，形成了他特有的画面生动多变，且沉稳细腻的画风。《画史清载》评述:“顾恺之画如春蚕吐丝，初见甚平易，且形似时或有失，细视之，六法兼备，有不可以言语文字形容者。”这可以说是深刻准确的评价，顾恺之开创了利用线条绘画的先河，为中国画的发展做出了巨大的贡献。吴道子是唐代大画家，他的画线纹激壮，富有运动感和强烈的节奏感，绘画风格独特。吴道子创造了山水“疏体”，从此，山水画作为一个画种，结束了山水只作为人物画背景的附庸地位。后人认为他是中国山水画的创始人。吴道子通过观赏公孙大娘、裴旻舞剑，体会用笔之道，激发用笔激情。他创作的人物绘画，线条遒劲，刚韧圆转，流畅委婉，具有天衣飞扬的效果。 《八十七神仙图卷》是吴道子的代表作之一，从中可以看出他高超的绘画技巧。神将狰狞威猛，仙女阿娜多姿，他们拿着旗幡、香花、乐器、瓶炉等不同仪仗器，但是通过高低疏密的安排，顾盼呼应，有条理，有节奏感。深褐色绢面上画家用遒劲而富有韵律的、明快又有生命力的线条描绘了87位列队行进的神仙。那优美的造型，生动的体态，将天王、神将那种“虬须云鬓，数尺飞动，毛根出肉，力健有余”的气派表现得淋漓尽致。那冉冉欲动的白云，飘飘欲飞的仙子，使整幅作品显示出“天衣飞扬，满壁风动”的艺术感染力。加上那在风中飘动的旌旗、裙裾、飘带、花枝，全幅作品没有着任何颜色，却有着强烈渲染的效果。吴道子对绘画的表现形式，进行了革命性的创新，他一改以往那种缺乏生动气息的均匀线条，把书法中用笔的技巧，运用于绘画线条的勾画上，形成一种清新自然而富于动感的新线条。他的笔法与线描，不仅垂范于后世，而且在当时就对中国画坛产生了广泛的影响，以至位于西北边陲的敦煌莫高窟壁画，也用上了他的“兰叶描”。杜甫对吴道子的画赞叹道:“画手看前辈，吴生独擅扬。森罗移地轴，妙绝动宫墙。武圣联龙衮，千官列雁行。冕旒俱秀发，旌旗尽发扬。”吴道子绘画作品，蕴含着生命与灵性，触及人的灵魂，震撼人的心魄，为后代世人所 论中国书法与绘画的相互影响和渗透 王 爽 （ 南阳理工学院，河南南阳 473000） 摘要：中国书法与绘画都是线条艺术，它们是有“血缘关系”的“同源”艺术。绘画源于线条，线条是书法的基本元素，它 们执笔、运笔的方式方法是基本一致的，具有共同的规律性。中国绘画对中国书法的渗透和影响,主要体现在书法创作是参考绘画的审美标准和规律进行的；书法线条的抽象体现在抒情和灵动的形式，它为中国绘画的形神一致、气韵生动的美的追求奠定了坚实基础。 关键词：书法；绘画；线条中图分类号：J292.1；J205 文献标识码：Ａ 文章编号：１６７３－２５９６（２０１２）０５－０２０４－０２ ２０４－－
潘天寿中国传统绘画的风格特点
潘天寿：中国传统绘画的风格特点 风格，是相比较而存在的。现在估且将中国绘画与西方绘画所表现的技法形式，作一相对的比较，或许可以稍清楚中国传统绘画风格之所在。东方统系的绘画，最重视的，是概括、明确、全面、变化以及动的神情气势诸点。中国绘画，尤重视以上诸点。中国绘画不以简单的“形似”为满足，而是用高度提炼强化的艺术手法，表现经过画家处理加工的艺术的真实。其表现方法上的特点，主要有下列各项：一、中国绘画以墨线为主，表现画面上的一切形体以墨线为主的表现方法，是中国传统绘画最基本的风格特点。笔在画面上所表现的形式，不外乎点、线、面三者。中国绘画的画面上虽然三者均相互配合应用，然用以表现画面上的基础形象，每以墨线为主体。它的原因：一、为点易于零碎；二、为面易于模糊平板；而用线最能迅速灵活地捉住一切物体的形象，而且用线来划分物体形象的界线，最为明确和概括。又中国绘画的用线，与西洋画是的线不一样，是充分发挥毛笔、水墨及宣纸等工具的灵活多变的特殊性能，经过高度提炼加工而成。同时，又与中国书法艺术的用线有关，以书法中高度艺术性的线应用于绘画上，使中国绘画中的用线具有千变万化的笔墨趣味，形成高度艺术性的线条美，成为东方绘画独特风格的代表。西方油画主要以光线明暗来显示物体的形
象，用面来表现形体，这是西方绘画的一种传统技法风格，从艺术成就来说，也是达到很高的水平而至可宝贵的。线条和明暗是东西绘画各自的风格和优点，故在互相吸收学习时就更需慎重研究。倘若将西方绘画的明暗技法照搬运用到中国绘画上，势必会掩盖中国绘画特有的线条美，就会失去灵活明确概括的传统风格，而变为西方的风格。倘若采取线条与明暗兼而用之的用法，则会变成中西折中的形式，就会减弱民族风格独特性与鲜明性。这是一件可以进一步研究的事。二、尽量利用空白，使全画面的主体主点突出人的眼耳等器官和大脑的机能，是和照相机、录音机不同的。后者可以同时把各种形象声音不分主次、不加取舍地统统记录下来，而人的眼睛、耳朵和大脑却会因为注意力的关系，对视野中的物体和周围的声音加以选择接受。人的眼睛无法同时看清位置不同的几件东西，人的耳朵也难以同时听清周围几个人的讲话，这是因为大脑的注意力有限之故。比如，当人的眼睛注意看某甲时，就不注意在某甲旁边的某乙、某丙，以及某甲周围的环境等等；注意看某甲的脸时，就不会注意看某甲的四肢躯体。人的眼睛在注意观看时，光线较暗的部分也可以看的清清楚楚，不注意观看时，光线明亮的部分也会觉得模模糊糊。故人的眼睛，有时可以明察秋毫，不时可以不见舆薪。这全由人脑的注意力所决定。俗话说：“心不在焉，视而不见”，就是对人类这种生理现象的极好概括。
中国书法与绘画的关系
中国书法与绘画的关系 人们常说的“书画同源”，可能是指汉字的产生是从“象形”发物的。“象形者，画成其物，随体洁拙，日月是也”《说文解字》。其实，这“源”，是指艺术创作中最本质的源。远在还没有文字的时候，人类早就用绘画来表现与他们生活有密切关系的事物。中国书法艺术形成晚于绘画。然书与画二者是“异形而同品”。也就是说：“字与画同出于笔，故皆曰写，写虽同而功实异也”(汤贻芬《画荃析览》)。中国书画的创作方法、手段有着惊人的一致。都以纸、笔、墨为工具材料，把运笔分为落笔、行笔、收笔三个阶段，都用中锋、偏锋、顺笔、逆笔、回笔等，以提、按、顿、挫、轻、重、缓、急来表现高、低、强、弱、俯、仰、争、让，追求干、湿、浓、淡、疏、密、虚、实等的变化，创作出具有神彩飞扬、气韵生动的作品为最终目标。但中国书法赖以存在的文字，创造汉字的艺术造型为主，绘画以现实生活为源泉，创造物象为主。前者是“书以言情，书为心画”，后者是“画以状物，画状物形”。书画在基本作用上，有两种美感。一是发于意志，曰气，代表气势的阳刚之美，一种是发于情感，曰韵，代表风韵的阴柔之美。书画所表现的风格，是气和韵的流露。绘画既有线条，又有形像和色彩(亦有不着色的)。而书法只有抽象的线条。所以，书法线条的气、韵表现比绘
画更为强烈。同时，书法与绘画又互相影响，互为补偿。南齐的谢赫在《古画品录》中提出的绘画六法：气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写。除应物象形、尤其随类赋彩离书法较远外，余者也是书法创作的法则，清刘熙载说：“画山者必有主峰，为诸峰所拱向，作字者必有主笔，为余笔所拱向。主笔有差，则余笔皆败，故善书者必争此笔”。这是以画理来喻书理。唐代张彦远在《历代名画记》中有这样的记载：有了王献之的一笔书，便有了陆探微(南朝时宋人)的一笔画。南朝梁的张僧繇作画按东晋书法家卫夫人的《笔阵图》。唐代画圣吴道子的用笔来自张旭的草书。唐寅说：“工笔画如楷书，写意画如草隶”。元代画家昊镇以书法作竹，苏东坡以竹法作书。而明代王线说得更具体：“画竹之法，干如篆，枝如草，叶如真，节如隶”。赵孟頫在其《枯木竹石》图上自题曰：“石如飞白树如摘，写竹还于八法通，若也有人能会此，须知书画本来同”。郑板桥“以画之关纽，透入于书”，“以书之关纽，透入于画廿，他得出结论：“要知画法通书法，兰竹如同草隶然。”有不少老画家主张“未曾学画先攻书”。可见书与画相互促进的关系。“工画者多善书，善书者易工画。”所以，我国历史上出现一大批能书善画，能画善书的艺术家，如苏轼、米芾、赵孟頫。董其昌、郑板桥、赵之谦、吴昌硕、齐白石、潘天寿等不胜枚举。
中国传统绘画和书法中“写”的不同含义
中国传统绘画和书法中“写”的不同含义在对“写”的含义考证方面，大型的字词典做的都比较充分，例如《汉语大词典》中“写”就有十六种注释: “①移置;输送。②倾吐，发抒。③舒畅，喜悦。④尽，竭。⑤仿效，模仿。⑥用模型浇铸。⑦摹画，绘画。⑧映照。⑨描写。⑩抄写，书写。⑧写作，创作。⑩立约租赁。” 2.发四声的“写”有4种注释 “①倾泻。②疏泄。③通‘卸’。④泄漏，泄露。” 对以上词义进行分析，我们可以发现，这十几种含义可以进一步的概括: 1.三声“写”的②注释和四声“写”的①②注释(下文序号后省略“注释”两字)指的是思想情感或物质的抒发和导引;三声“写”的①和四声“写”的③④是指某种物质或信息的移动。这两部分可进一步概括为某种主客观存在向另一种存在的运动或变化。以这一含义去比照“写”的其它含义又会发现三声“写”的⑥⑧是这种含义在具体境况下的体现，④则强调这种含义所指的运动的范围和程度。 2，三声“写”的⑦和⑨可以概括表述为将某种主客观事物的状态或变化用文字或形象呈现出来的行为和方式。⑤是这种行为和方式中特殊的一种。 3.三声“写”的⑩、⑩都是以书写文字为基本动作，从这一角度看似乎可以将这两种含义作为三声“写”⑩的引申
义来看待。笔者目前没有找到这方面的史料证实是否存在这种引申，但这三种含义确实有比较紧密的联系。 经过以上整理，笔者认为“写”一般具有如下所指: (1)指某种主客观存在向另一种存在的运动或变化。有倾吐发抒、移动、泄漏、疏泄等含义。 (2)指将某种主客观事物的状态或变化用文字或形象呈现出来的行为和方式。包括描写、绘画、模仿等。 (3)指书写文字的行为和方式以及由此引申出的行为和方式。如抄写、书写、写作、立约租赁等。 在美术理论中，我们会遇到一些与“写”有相近含义的字词。例如不只是“写”，还有“描”、“画”、“作”等字都可以与“字”和“画”组成词语，表达与“写字”、“绘画”类似的意思。单独看这几个字的含义并不能将它们与“写”明显区分开，因此，我们有必要通过这几个类似字词的比较来进一步确定“写”的内涵和外延。 先来比较一下“描”和“写”。“描”在《汉语大词典》中解释为“描画、摹写”，在《辞海》中指“依样摹写或绘画”，在《现代汉语词典》中的解释是:“①照底样画(多指用薄纸蒙在底样上画)……②在原来颜色淡或需要改正的地方重复地涂抹”。常用的由“描”组成的词语有:“②夸张地叙述;形象地叙述。……〔描诗]谓诗作无创造性，依傍、承袭古人。”
导游基础知识：中国书法——书法和绘画
中国五千年璀璨的文明及无与伦比的丰富文字记载都已为世人所认可，在这一博大精深的历史长河中，中国的书画艺术以其独特的艺术形式和艺术语言再现了这一历时性的嬗变过程。而具有姊妹性质的书画艺术在历史的嬗变中又以其互补性和独立性释读了中国的传统文化内涵。由于书、画创作所采用的工具与材料具有一致性。《历代名画记》中谈论古文字、图画的起源时说："是时也，书、画同体而未分，象制肇创而犹略，无以传其意，故有书；无以见其形，故有画"。书画虽然具有同源的可比性，但以后的发展状况是以互补的独立性发展变化的。中国汉字是从图画、符号逐渐演变形成的，汉字的书写和发展过程导致了书法艺术的产生。中国历代都有大书法家，其书法艺术和风格成为所在朝代书法的典型代表。人们对书法的喜爱一直流传到今天。 书法，是在洁白的纸上，靠了毛笔运动的灵活多变和水墨的丰富性，留下斑斑迹相，在纸面上形成有意味的黑白构成，所以，书法是构成艺术；书家的笔是他手指的延伸，笔的疾厉、徐缓、飞动、顿挫，都受主观的驱使，成为他情感、情绪的发泄，所以，书法也是一种表现性的艺术；书法能够通过作品把书家个人的生活感受、学识、修养、个性等悄悄地折射出来，所以，通常有"字如其人"、"书为心画"的说法；书法还可以用于题辞、书写牌匾，因此，也是一种实用性的艺术。总之，书法，是具有更强的综合性艺术，是更倾向于表现主观精神的艺术。 这一点正说明，书法比较集中地体现了中国艺术的基本特征。正像在西方美术中建筑和雕塑统领着其他门类造型艺术一样，书法和绘画则统领着中国美术的其他门类，而列为中国美术之首。不同于西方的油画，中国的传统绘画有独特的表现形式。距今六七千年前新石器时代绘于陶器上的图画，是中国最早的绘画作品。由于最早的绘画和写字均使用同样的工具，并且都是以线条为主，当把书法与绘画并提时，又将书法摆在绘画前面，称之为"书画"，如"书画同源"、" 琴棋书画"、"书画缘"、"能书会画"等等。 书法与传统中国画的关系是十分密切的。特别是在宋元文人画出现以后，绘画用笔讲究从书法中来，水墨写意与书法的行草意趣相通。中国传统绘画作品一般都有题诗或题字，诗、书、画因而汇合成一个艺术整体，予人以更加丰厚的美学内涵。人物画、山水画和花鸟画均为传统绘画的重要画种，历代留下的此类绘画尤见传神。中国古代雕塑中也蕴含着书法的特征。中国古代雕塑的纹理即是线的组合，造型的装饰性与书法中的篆隶保持着内在联系。中国古代建筑从布局到主体的梁柱结构，都遵循对称、均衡、主从关系等法则，园林建筑中的含蓄、借景，以及亭、台、楼、榭追求的空灵、飞动等都与书法的结体、章法和节奏、气韵密切相关。至于工艺美术和民间美术，也不同程度地受到书法的影响。书法可以视为中国美术之魂。当代中国的书法与绘画相当活跃。中国美术馆等艺术馆长年不断举办个人画展或联展；中国画每年都走出国门，到日本、韩国、美国、加拿大和欧洲等地展览。除中国画外，油画、版画、水彩画等西洋绘画在中国也得到发展。部分画家将国画与西画技法糅合一起进行创作，使画坛呈现出风格多样的艺术作品。以各种现代材料、格式、框架和手法为载体的现代艺术也占有一席之地，包括视频、数码、动画和声音艺术在内的新媒体艺术作品，已经在国内外的当代艺术展览中频频露面。 与艺术品拍卖行业的发展同步，画廊业近年来逐渐与国际惯例接轨。每年分别在北京、上海和广州各举办一次的艺术博览会，成为艺术品交易的另一种途径，其中上海艺术博览会为亚
中国传统绘画作品中文人绘画始终是作为主要的方向...阅读附答案
中国传统绘画作品中文人绘画始终是作为主要的方向...阅读附答案中国传统绘画作品中文人绘画始终是作为主要的方向。文人常与画家紧密地 联系在一起。 画家的学识、文化品质与文人的内涵构成了书画创作的内在底蕴。文学与绘画虽然表现形式不同，但传统绘画与文学却是紧密相连、相互影响的。文学性的主旨要求在绘画创作中首先要得以表现。文学与绘画，追其根本都是人类的物质生产和人类社会发展到一定阶段因适应人类物质生产和精神生活的需要而出现的精神现象。 中国古典文学在传统绘画中的渗透首先表现在传统绘画的创作主题常来源于古典文学。中国古典文学作品的人物和事件，是绘画创作的重要题材和源泉。中国传统绘画作品取材于古典文学由来已久，我们现在所能看到最早取自文学作品的绘画当是晋代顾恺之的《洛神赋图》，此画完全取材于曹植的《洛神赋》。曹植的《洛神赋》用诗的语言描绘出了想象中洛神的神韵，表现出了作者寄托的情愫。画家顾恺之用绘画语言将洛神赋所表现出的语言画面展现在纸卷上，准确表现出了诗赋中描绘的梦幻般柔情，使《洛神赋图》与曹植的《洛神赋》相得益彰。此后，历代取材于文学作品的绘画不胜枚举，成为中国文学与绘画有机结合、相互渗透所独有的特征。 以文学作品作画几乎成为历代画家创作的必修课，历代众多诗画结合的经典之作已载入中国绘画艺术史，并传颂后世，对传统绘画“尚意”、“尚情”的艺术追求起到了一定的推动作用。中国传统文人形象也是中国传统绘画中经常表现的另一题材。唐代著名诗僧寒山与拾得，一直是历代画家们经常表现的人物形象。南宋著名画家梁楷和元代著名禅僧画家因陀罗等人都曾创作过寒山和拾得的人物像。以爱国诗人屈原的精神风貌和品格而创作的《屈子行吟图》是明末画家陈洪绶杰出的版画作品。《苏轼回翰林院图》是明代画家张路的作品，表现了宋代文学家苏东坡的神韵。中国古代文人以其与众不同的文人品格，独特的精神风貌，成为画家创作的对象。 中国古典文学对传统书画艺术的渗透，还表现在创作者的身份上。中国古典文人大多具备书画家的身份。唐代王维不仅会作诗，还擅长绘画与演奏，多方面的艺术修养使王维的艺术作品显示出独特的内涵和情趣。宋代苏轼不仅在诗、词、散文等多方面有较大成就，其书法和绘画也取得了杰出的成就。他的书法代表之作《黄州寒食诗帖》、《黄几道祭文帖》等都表现出了雄浑奇崛的气势，绘画作品《古木怪石图》则集中凸显了其厌世疾俗的孤傲与寂寞心灵。 中国古典文学中所表现出的色彩也是传统书画作品蕴涵的重要组成部分。传统书画所表现的神韵与古典文学所表现出的意蕴，融会成新的艺术境界，使人产生更多新的感受。我们在欣赏中国传统绘画作品时，不仅仅沉醉于笔墨技法之间，更是在品味作品所表现的文学内涵，畅游于书画与文学相互交织所表现出的意境之中。 （摘编自李晓男《论中国古典文学在传统书画艺术中的渗透》） 1．下列关于原文内容的表述，不正确的一项是（3分） A．文人绘画始终是中国传统绘画作品的主要方向，文人的内涵是书画创作内在底蕴的构成要素之一。
中国传统绘画艺术
浅谈宋代绘画对中国传统绘画特点的继承与发扬 材料学院10级四班申艳微201000150163 大唐盛世百花齐放，经济文化高度发展，长安也成为世界经 济文化的中心，然而安史之乱后的中原千疮百孔，巍峨霸气的唐朝宫殿还是在无数人的哭声中退出了历史的舞台。这时宋代来临了，当浓墨重彩的繁华化为泡影，人们开始关注自己的内心，追求对内的征服。表现在艺术形式上，自然会自成一种风格，别具一番特色。再加上宋代皇帝尤其是宋徽宗具有较高的艺术修养及独特的艺术见解，所以宋代的艺术很顺利的完成了艺术的继承与发展。 首先来了解一下当时的社会背景。在宋代，政府组织建立了皇家画院。根据史书记载，宋徽宗曾亲自主持画院，宋代统治者对艺术的推崇与重视由此可见一斑。当时两宋宫廷画院都讲求“形似”和“法度”，法度是要学习传统，形似是要真切细致地再现客观事物。宫廷画师以写实、形似为主导思想，发展精工细刻的作风，追求形象的逼真，构图的提炼。总的说来，两宋宫廷绘画有一段时间都追求高度的“写实”，有的美术史家把两宋宫廷绘画称为“东方写实艺术的巅峰”。物极必反，同样适用于艺术的发展规律。当写实艺术发展到极点时，宋代一些 具有广博文化修养的画家开始从理论和实践上另辟蹊径，倡导文人画运动。 文人运动以苏轼为核心。他提出“士人画”这一概念，系统的阐释了文人画理论，提出要将文人画家与画工区别对待，积极鼓励文化积淀深厚的文人加入到绘画创作中来。再次，他倡导诗情画意的文人
画风格，反对完全追求形似的画工风格，极力推崇王维的画作，“味 摩诘之诗，诗中有画。观摩诘之画，画中有诗。” 另一方面，文人画理论很快得到了在绘画方面颇有造诣的宋徽宗的赞赏，并有宋徽宗将其推展全国性的绘画规范。文人画的迅速、顺利的开展不能说不得益于宋代有一个皇帝画家——宋徽宗。据记载，为推展文人画运动，宋徽宗亲选宫廷画师的考试题目。由以往的看事物作画，求画作的逼真，改为以诗作画。一句“踏花归去马蹄香”， 让全国的学画、作画风气为之一变。从此画家开始追求人文精神的提高，人文关怀的培养。南宋被史学家成为南宋的继续，绘画上也不例外，文人画在南宋仍得到了较好的鼓励与发展。 下面我就个人的理解谈一下，在社会背景影响下的宋代绘画的突出特点。 宋代开始画家开始抽调画中的缤纷色彩，而进行以墨为主的创作。墨分为焦墨、浓墨、重墨、淡墨、清墨五种。每一种墨色若运用得巧妙、适当，则会呈现丰富的变化。一反面，放弃色彩，只保留最基本最经典的墨色，还原的是事物的本来面目，让人看到的是最自然的状态。这一点正是对中国文化中“天然去雕饰，清水出芙蓉”的自然美的继承。另一方面，没有外在缤纷色彩的渲染与修饰会让人们更加关注内心，注重对内心的征服，表达自己强烈的内心感受，体现的是一种极强的人文关怀。这正是文人画运动的必然产物。另外，这一点与中国画中大片的留白一起，实现了中国画家追求的永恒。没有色彩涂抹、占据，仅用计白当黑凝练的笔法将对象的轮廓作于画上，永远不
我国传统绘画和书法思想韵味论文
我国传统绘画和书法思想韵味论文 论文关键词：写，绘画，书法，比较 论文摘要：“写”具有抒发倾吐、描绘描写、书写、倾泻疏导、移置搬运等多种含义。对于中国传统绘画和书法来说，“写”都是指一种落笔肯定、笔迹和作者当下的内心状态有紧密对应关系的运动和状态。 “写”是中国书法和文人画领域的核心范畴之一，是书画品评的重要标准。在中国的艺术理论中，无论是“形而下”的技法操作层面，还是“形而上”的主体审美层面，“写”都有所指涉。但究竟什么是“写”?现有著述中并没有完整系统的论述，散见的主张又多有侧重，并不一致。有鉴于此，笔者试着从几个方面对“写”进行一些梳理和分析，以期整理出“写”在绘画和书法中的具体所指和用法，希望能对读者更明确地认识“写”有所帮助。 一、“写”的词义辨析 在对“写”的含义考证方面，大型的字词典做的都比较充分，例如《汉语大词典》中“写”就有十六种注释: 1.发三声的“写”有12种注释 “①移置;输送。②倾吐，发抒。③舒畅，喜悦。④尽，竭。⑤仿效，模仿。 ⑥用模型浇铸。⑦摹画，绘画。⑧映照。⑨描写。⑩抄写，书写。⑧写作，创作。⑩立约租赁。” 2.发四声的“写”有4种注释 “①倾泻。②疏泄。③通‘卸’。④泄漏，泄露。” 对以上词义进行分析，我们可以发现，这十几种含义可以进一步的概括: 1.三声“写”的②注释和四声“写”的①②注释(下文序号后省略“注释”两字)指的是思想情感或物质的抒发和导引;三声“写”的①和四声“写”的③④是指某种物质或信息的移动。这两部分可进一步概括为某种主客观存在向另一种存在的运动或变化。以这一含义去比照“写”的其它含义又会发现三声“写”的⑥⑧是这种含义在具体境况下的体现，④则强调这种含义所指的运动的范围和程度。 2，三声“写”的⑦和⑨可以概括表述为将某种主客观事物的状态或变化用
中国传统绘画的主要种类
中国传统绘画的主要种类 中国传统绘画的主要种类。从美术史的角度讲，民国以前的国画我们都统称为古画。中国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。近现代以来为区别于西方输入的油画(又称西洋画)等外国绘画而称之为中国画，简称“国画”。它是用中国所独有的毛笔、水墨和颜料，以长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。中国画按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等;按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。 国画: 国画在世界美术领域中自成体系。按表现对象大致可分为;人物，山水、界画、花卉、瓜果、翎毛、走兽、虫鱼等画科;按表现方法有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种。 水墨画: 中国画的一种。指纯用水墨所作之画。基本要素有三:单纯性、象征性、自然性。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。“墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云:“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提出“水墨为上”，后人宗之。长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。 院体画:
简称“院体”、“院画”，中国画的一种。一般指宋代翰林图画院及其后宫廷画家比较工致一路的绘画。亦有专指南宋画院作品，或泛指非宫廷画家而效法南宋画院风格之作。这类作品为迎合帝王宫廷需要，多以花鸟、山水，宫廷生活及宗教内容为题材，作画讲究法度，重视形神兼备，风格华丽细腻。因时代好尚和画家擅长有异，故画风不尽相同而各具特点。鲁迅说:“宋的院画，萎靡柔媚之处当舍，周密不苟之处是可取的。”(《且介亭杂文?论“旧形式的采用”》) 以张铨、江宏伟、贾广键、赵蓓欣、喻慧等为代表的现代中青年画家为现代院体画的发展做出了一定的贡献。 文人画: 亦称“士夫画”。中国画的一种。泛指中国封建社会中文人、士大夫所作之画。以别于民间画工和宫廷画院职业画家的绘画，北宋苏轼提出“士夫画”，明代董其昌称道“文人之画”，以唐代王维为其创始者，并目为南宗之祖(参见“南北宗”)。但旧时也往往借以抬高士大夫阶层的绘画艺术，鄙视民间画工及院体画家。唐代张彦远在《历代名画记》曾说:“自古善画者，莫非衣冠贵胄，逸士高人，非闾阎之所能为也。”此说影响甚久。近代陈衡恪则认为“文人画有四个要素:人品、学问、才情和思想，具此四者，乃能完善。”通常“文人画”多取材于山水、花鸟、梅兰竹菊和木石等，借以发抒“性灵”或个人抱负，间亦寓有对民族压迫或对腐朽政治的愤懑之情。他们标举“士气”、“逸品”，崇尚品藻，讲求笔墨情趣，脱略形似，强调神韵，很重视文学、书法修养和画中意境的缔造。姚茫父的《中国文人画之研究?序》曾有很高的品评:“唐王右丞(维)援诗入画，然后趣由笔生，法随意转，言不必宫商而邱山皆韵，义不必比兴而草木成吟。”历代文人画对中国画的美学思想以及对水墨、写意画等技法的发展，都有相当大的影响。
深究中国书法与绘画之书画同源.docx
在中国书法与绘画史上，自古以来就有着书画同源之说法。 因为两者之间虽异体但同质，之间的表现技法艺术审美等许多基本因素都是一脉相通的，且刚起源时俱是人们记载情感和思想的一种手段。 早在唐代，张彦远就在《历代名画记·叙画之源流》中说颉有四目，仰观垂象。 因俪鸟龟之迹，遂定书职业生涯规划范例字之形。 造化不能藏其秘，故天雨粟；灵怀不能遁其形，故鬼夜哭。 是时也，书画同体而未分，象制肇始而犹略。 无以传其意，故有书；无以见其形，故有画。 此是为我国最早的书画同源释说。 今天笔者也就两者之间的同源关系，浅谈一些自己的心得。 一、共同的工具使用大家都知道，中国书法与绘画的使用工具最基本的都是离不开毛笔、墨水与宣纸。 也就是说，写一幅书法或创作一幅中国画作品，都是先用圆锥形的毛笔醮上墨水，然后在宣纸或绢布上用点用线写出画出，只是中国画比书法多了种色彩罢了！所以，如果缺点那三元素就算不上是真正的中国书画除了极个别在特定的环境所写所画以外，如壁画，碑刻，或其他的。 当然也许有人会有异议，说某些人画国画写书法并不需要毛笔，而是用排笔或其他工具如国画以模具印，用水壶喷。 书法用布拖，挥扫帚等，其实那只是极个别的人，在追求他们自
己心目中认为那所谓的特技与创新罢了！根本就不能视为什么正统当然国画有时脱离毛笔直接用手画，用模具印，用水壶喷，如果是画面局部的需要，而临时采用的特殊方法那倒是许可的。 总则，要知道，中国画理论中最重要的一点是讲究骨法用笔这一理论同样能适用在书法创作上。 "骨法"指形体结构，就是以线条为主要表现形式。 它是构成点画与形体的支柱。 也只有通过那一条条一点点遒劲有弹性的钩线、点戳，来追溯出那种至高的骨力。 因为线条是书画艺术的生命力，任何一幅作品中每一根线条的强与弱会直接关系到此幅作品的成功与否，极其重要。 而线条的产生就必须能过毛笔勾勒出来。 所以说中国书画相同的是；第一绝对离不开毛笔。 其次，不能离开宣纸。 因为只有在宣纸上写写画画才能产生出那种特殊的艺术韵味。 就比如画一张写意国画，如果你不选择渗透力很好的宣纸，而用其他纸张代替，就是功力很高的大师，也不可能表现出想要达到的艺术效果。 书法同样道理，如果写楷书时，却选用渗透力极强的生宣纸，就不可能写出理想的字。 墨水就更不用说了，因为其本来就是中国书画的血液。 所以说无论画画写字，不但离不开那三种工具。
中国书法的一点感想
汉字是中华文化传承过程中必不可少的一部分，而书法作为汉字的表示形式，一直散发着独特的魅力，融入了炎黄子孙的生活中。印象中我最早接触到书法的时候，是我小时候看我外公在家里写毛笔字。外公从十八岁的时候开始教书，毛笔字一直是他的特长，常常会有人拿上几张红纸，请外公写上一副对联或者几个大字。在外公的影响下，我的表姐也从小时候开始练书法。暑假去外公家玩，表姐在写毛笔字的时候，我也会学她拿一本字帖，用一只毛笔沾点墨汁在上面照着描红乱画一通。虽然我那时候什么也不懂，字帖粗糙的黄黄的纸张也一点都不吸引我，但是还是给我留下了深刻的映像。 书法在生活中也是挺常见的。岁数大点的人，喜欢在家门口贴上一副对联，龙飞凤舞的毛笔字，给他们一丝心灵的寄托。在大厅大堂这些地方，中国人也往往喜欢挂上一副“厚德载物”以示家风端正。过年的时候，我们从小就知道要把福字倒着贴在门上，见得多了，反而忘了这福字也是一个正正经经的毛笔字，忽略了福字的造型稳重、均齐、端庄及其蕴含的书法韵味。 追寻三千年书法发展的足迹,我们可以清淅地看到他与中国社会的法发展同步,强烈的反映出每个时代的精神风貌。中国书法是我们民族永远值得自豪的艺术瑰宝。它具有世界上任何艺术都无与伦比的深厚的群众基础和高级艺术的特征。书法艺术在群众中以逐步普及，也愈加受到大家的青睐。 中国书法是一门古老的艺术，它伴随着中华文明的发展而发展。世界上拥有书法艺术的民族屈指可数，中国书法，具有悠久的历史。书法作为一种艺术创作，具有很深的玄妙。从甲骨文、金文演变而为大篆、小篆、隶书，到东汉、魏、晋时期，草书、楷书、行书、诸体基本定型，书法时刻散发着古老艺术的魅力。为一代又一代人们所喜爱。
中国绘画与书法的联系(英文)
Relationship of Chinese Painting and Calligraphy Introduction 5,000 years splendid civilization and the unparalleled rich written records of China is approved by world. In the long history of China, Chinese painting and calligraphy reappear this historic evolution by their distinctive art forms and artistic languages. Because using the same tools and method of Chinese painting and calligraphy, they are regarded as the sisters art. For this reason, this pair of art both have complementarity and independence. It is fastidious about that paint pens come from calligraphy, so Chinese painting and calligraphy is connected on the charm. Keywords: Chinese painting, calligraphy, art 1.Formation and Development Chinese character was evolved from pictures and symbols, its process of writing and development resulted in the generation of the art of calligraphy. The earliest Chinese writing is the oracle in Shang Dynasty, which the words are inscribed on bones or tortoise shells. Although the words were not stereotyped, however, pens, structure and composition (layout), this three basic elements of the art of calligraphy already had, the calligraphy preliminary formed. It was in Qin and Han periods Chinese calligraphy was established as an art. After that, calligraphy with various dynasties have different focus. Calligraphy, r elying on the brush’s flexibility movement and the richness of the ink, is the one which leaves trace on the white paper, to form meaningful black and white constitution, therefor, calligraphy is an art of constitution. Calligrapher’s pen is the extension of his finger, a ll of pen’s movement contain his feelings and emotion, so calligraphy is also a performance art. Through the work, calligraphy can reflect calligrapher’s personal life experience, knowledge, self-cultivation, character and so on, so we always say “The style is the man”, “Words are the voice of the mind”. Calligraphy can also be used for inscriptions, writing a plaque, therefor it’s a practical art. All in all, calligraphy is a comprehensive art, tend to show subjective spirit.
古代绘画和书法的对比研究
古代绘画和书法的对比研究 论文摘要：“写”具有抒发倾吐、描绘描写、书写、倾泻疏导、移置搬运等多种含义。对于中国传统绘画和书法来说，“写”都是指一种落笔肯定、笔迹和作者当下的内心状态有紧密对应关系的运动和状态。 “写”是中国书法和文人画领域的核心范畴之一，是书画品评的重要标准。在中国的艺术理论中，无论是“形而下”的技法操作层面，还是“形而上”的主体审美层面，“写”都有所指涉。但究竟什么是“写”?现有著述中并没有完整系统的论述，散见的主张又多有侧重，并不一致。有鉴于此，笔者试着从几个方面对“写”进行一些梳理和分析，以期整理出“写”在绘画和书法中的具体所指和用法，希望能对读者更明确地认识“写”有所帮助。 一、“写”的词义辨析 在对“写”的含义考证方面，大型的字词典做的都比较充分，例如《汉语大词典》中“写”就有十六种注释: 1.发三声的“写”有12种注释 “①移置;输送。②倾吐，发抒。③舒畅，喜悦。④尽，竭。⑤仿效，模仿。⑥用模型浇铸。⑦摹画，绘画。⑧映照。 ⑨描写。⑩抄写，书写。⑧写作，创作。⑩立约租赁。”
2.发四声的“写”有4种注释 “①倾泻。②疏泄。③通‘卸’。④泄漏，泄露。” 对以上词义进行分析，我们可以发现，这十几种含义可以进一步的概括: 1.三声“写”的②注释和四声“写”的①②注释(下文序号后省略“注释”两字)指的是思想情感或物质的抒发和导引;三声“写”的①和四声“写”的③④是指某种物质或信息的移动。这两部分可进一步概括为某种主客观存在向另一种存在的运动或变化。以这一含义去比照“写”的其它含义又会发现三声“写”的⑥⑧是这种含义在具体境况下的体现，④则强调这种含义所指的运动的范围和程度。 2，三声“写”的⑦和⑨可以概括表述为将某种主客观事物的状态或变化用文字或形象呈现出来的行为和方式。⑤是这种行为和方式中特殊的一种。 3.三声“写”的⑩、⑩都是以书写文字为基本动作，从这一角度看似乎可以将这两种含义作为三声“写”⑩的引申义来看待。笔者目前没有找到这方面的史料证实是否存在这种引申，但这三种含义确实有比较紧密的联系。 经过以上整理，笔者认为“写”一般具有如下所指: