浅析公共艺术在风景园林作品中的作用

Humble Analyses of the role of public art in landscape architecture works

陈雪娟CHEN Xue-juan

2010305110161

摘要：公共艺术是风景园林作品不可或缺的组成部分，其品质在一定程度上代表着风景园林作品的水平，甚至该地区的发展水平。优秀的公共艺术不仅能在造型上标新立异，成为风景园林作品独特的标志，而且能够最大限度地促进公众参与，体现人性化和人文关怀，更重要的是能够有效地传承地域文化并彰显当代信息化社会时代特征。

关键词：公共艺术；风景园林作品；环境品质；公众参与；地域文化；时代特征

Abstract：As an important part of landscape architecture works, public art, to an extent, represents the level of landscape architecture works, and even the development of the district. Excellent public art can not only be regard as a unique symbol of landscape architecture works because of its incredible form, but also can maximize the promotion of public participation and manifest the human nature and humanistic care. The most important is that public art can effectively heritage culture and context and highlight the characteristic of contemporary era.

Key Words：Public art; Landscape architecture works; Environmental quality; Public participation; Regional culture; Age characteristics

1 研究背景

2012年10月，在美国风景园林师协会年度会议“艺术与风景园林论坛”中，苏珊·维勒（Susan Weiler）提出“公共艺术是重要的”。她回顾了起源于费城（Philadelphia）的美国公共艺术的发展历程，指出公共艺术将会一直保持重要地位，并坚信风景园林师将引领并协助公共艺术的创作与实施。

1.1 公共艺术的概念

公共艺术源自美国，兴起于20世纪50年代。目前国内很多学者对于“公共艺术”

的概念尚无达成一致认识。王林认为，“所谓公共艺术就是出现在公共场地而非博物馆内的壁画、雕塑、装置、环境艺术和行为艺术”。范达明则否定将行为艺术归于公共艺术的范畴，认为“公共艺术就是处于公共环境之中、以诉诸公众为目的并为公众所认可、所接受的造型艺术”。马钦忠认为，“公共艺术是场所艺术文化，是当代城市文化的重要载体之一”。而孙振华先生在《公共艺术时代》一书中则把远离“城市公共空间”的“地景艺术”也归入公共艺术。尽管众口不一，但不可否认的是，公共性是公共艺术的基本前提，肯定了公众参与公共事务的权利，它是民主的，开放的，可以自由交流和相互讨论。

笔者认为公共艺术是指放置或者附属于公共环境中的可供公众自由参观、享用的艺术作品，其表现方式自由、有创意、贴近生活，能给公众情感慰藉，并展示地域特色和时代特征。公共艺术既不是一种艺术形式，也不是某种流派，它反映的是公共空间民主、开放、交流和共享的一种精神和态度，浓缩了一定地域甚至一个民族的审美思想和文化底蕴。

2 风景园林作品中公共艺术的类型

风景园林作为公共空间的重要组成部分，给公共艺术提供了足够的创作空间，另外风景园林各设计要素如地形、植物、建构筑物、园林小品等都可作为公共艺术的载体。在风景园林作品中，公共艺术常见的表现形式有雕塑、建构筑物、园林小品等。

2.1 雕塑

雕塑作为一种造型艺术，广泛应用于风景园林作品，也是公共艺术最常见的表现形式。圆雕因其表现手法灵活，材料多样等适用于各种类型的园林作品。浮雕通常用于历史园林或纪念园林。如罗斯福纪念园，综合使用圆雕和浮雕来表达罗斯福总统执政期间四个时期的历史事件。汉阳江滩公园（一期）是以大禹治水的神话故事为背景构建的一个主题公园，主要采用石、铜群雕（大型浮雕和散置的圆雕）来表现大禹“三过家门而不入”终于成功治理黄河水患的百折不挠的精神。

在现代园林作品中，抽象雕塑占据主要地位。英国著名的雕塑家亨利·摩尔（Henry Moore），他的抽象铜雕（以人体为主要表现主题，尤其是女性）闻名于世，其作品遍布世界各地，是公共艺术的宝贵财富。

2.2 建构筑物

风景园林作品中的建构筑物通常都是公共艺术的重要的表现形式，如亭、桥等。作为供公众停留、休憩的亭，形式灵活多样。中国古典园林中就有各式各样的亭，造型不同，材料各异，建造位置也各有特色。在科学技术高度发达的今天，钢材、玻璃等新型材料的应用使得亭的造型更加丰富多样。桥是水上重要的交通联系，如颐和园西堤上有六座桥，每一座都是独特而极富魅力。现代园林中，桥不仅仅是沟通水系两岸，甚至成为新与旧、人与自然交流的媒介。

美科威大桥（Melkweg Bridge ）

位于荷兰皮尔默伦德

（Purmerend ），是卡纳斯普隆

（Kanaalsprong ）总体规划的一部

分，连接历史悠久的古城中心与韦

德芬尼（Weidevenne ）新区，于2012

年落成。这座大桥由NEXT 事务所

的设计团队主持设计，旨在建造一

个连接历史开启未来的具有特定

象征意义的媒介。这座引人注目的

巨大拱形桥耸立在水上，高达12

米，跨度66米，形成了一道亮丽的城市风景线。站在制高点，城市新旧风貌尽收眼底，美奂绝伦。

要满足无障碍通道的坡度要求，桥长要达到100米。于是设计师将人行道和自行车道分开，步行人群可以爬上拱桥快速到达对岸，而自行车道则设计成“Z ”形贴在水面，供自行车和轮椅通行。若河上遇到船只、，两侧的自行车道会从结合处分开，旋转到一旁，保证船只通行。人行天桥采用钢材，重达85吨，有130个台阶。拱桥和平桥相互交叉，在材料和色彩处理上保持统一，形成一个和谐的整体。LED 灯光沿着桥梁轮廓安置，形成壮观的夜景。这座桥梁为两岸提供了足够的开放空间，与周围环境融为一体。

2.3 园林小品

园林小品如标识设施、卫生设施、照明安全设施和娱乐服务设施等是公共艺术尽情

图 1美科威大桥 Fig. 1 Melkweg Bridge 来源：http://www.gooood.hk/Melkwegbridge-NEXT-architects.htm

发挥的对象。

秦皇岛汤河公园在设计中引入一条以玻璃钢为材料、高60厘米、宽度30-150厘米不等、长达500米的“红飘带”，它整合了散步道、座椅、环境导向系统、乡土植物展示、灯光等多种功能和设施。这条“红飘带”该地区成为标志性的构筑物。

法国巴黎拉维莱特公园（Parc De La Villette ）南区充满了浓浓的艺术氛围，公共艺术随处可见。如散落在草地上的夸张处理的自行车零部件，富有趣味。此外还有一些游乐设施，形式简洁却充满挑战和乐趣，深受大众喜爱。如平衡板（图3右），儿童、青少年甚至成年人都可以参与其中。

3 公共艺术在风景园林作品中的作用

公共艺术对风景园林作品具有重要的作用。优秀的公共艺术不仅能在造型上标新立

异，成为风景园林作品独特的标志，提升其环境品质，而且能够最大限度地促进公众参

图 3 红色飘带

Fig. 2 The red ribbon

来源：

https://www.360docs.net/doc/511827876.html,/awards/2007/07winners/056_tbtd.html

图 2 拉维莱特公园

Fig. 3 Parc De La Villette

来源：https://www.360docs.net/doc/511827876.html,/s/blog_538e9dda0100zycn.html

与，体现人性化和人文关怀，更重要的是能够有效地传承地域文化并彰显当代信息化社会的时代特征。

3.1 提升环境品质

风景园林能为人类营造诗意栖居的人居环境，如何做到“诗意”，公共艺术在其中功不可没。若在风景园林作品中创作一两件艺术作品，整个环境的品质立刻上到另一个层次，也有助于提升公众的审美水平。

美国德克萨斯州达拉斯（Dallas,

Texas ）公园管理局（Department of

Parks and Recreation ）一直致力于修

缮改造和重建公园中破败的遮阴设

施，图4的韦伯礼拜堂公园凉亭

（Webb Chapel Park Pavilion ）就是

在这样的背景下产生的，于2012年

6月竣工。

凉亭位于一个社区足球场和游

戏场地之间，大胆采用最纯粹的几

何形体，却在空间设计中包含了一

个自然冷却系统，完美地实现了遮

阴“制冷”的功能。凉亭顶部看起

来非常厚重，如同树冠一样的遮阳

大伞，如此具有重量感的遮阳亭悬在三个支撑臂之上，让人叹为观止，与周围环境无缝对接。天花内部被掏成金字塔般的造型，着以鲜明欢快的亮黄色。天花板的设计以传统的简陋草棚（palapa ）为原型，形成自然通风系统：热空气进入凉亭内，掏空的天花板增加了空气对流，带走亭下的热空气，并形成微风。凉亭外壁采用素混凝土，操作简单且高效，内壁光洁、明了。凉亭不论从概念设计还是施工过程都与社区公众简单的遮阴需求十分匹配，成为标志性建筑，在提升环境品质的同时还满足了公众的需求，不愧为一件成功的作品。

图 4 韦伯礼拜堂公园凉亭 Fig. 4 Webb Chapel Park Pavilion 来源：http://www.gooood.hk/Pavilion-by-Cooper-Joseph.htm

3.2 促进公众参与

现代风景园林设计已不再是传统的静态观赏式，而是鼓励交流与互动。如美国芝加哥千禧年公园（Millenium Park ）中的云门（Cloud Gate ），外形别致，宛如一粒巨大的豆子。其表面材质为高度抛光的不锈钢板,能映照出芝加哥市的天际线和蓝天上的白云。它还是一面巨大的哈哈镜，吸引游人驻足，欣赏雕塑所映出的自己别样的形象。皇冠喷泉（Crown Fountain ）是一座视频雕塑，也是典型的互动式公共艺术。喷泉由一个黑色花岗岩反射池和其间放置的一对玻璃砖塔楼组成，塔楼是15.2米高、由无数发光二极管（LED ）形成的数字屏幕。每隔一段时间，屏幕上出现市民的笑脸，且口中会喷出水柱，不仅给公众惊喜，还是儿童戏水的乐园。这两座公共艺术充分调动公众的参与性，体现了人文关怀。

公众参与不仅是人与人的交流，更是人与自然的交流。

卡德里奥（Kadriorg ）是爱沙尼亚共和国首都塔林（Tallinn ）最著名的巴洛克式宫殿和公园综合体，是1718年彼得一世为纪念他的妻子凯瑟琳（Catherine ）而建造的。公园最受欢迎的地方在天鹅池及其周边地区，那里古树参天，郁郁葱葱，有300多年的历史。日本建筑师近藤哲夫（Tetsuo Kondo ）在优雅的树林里建造了一条不同寻常的森林之路，它不像其他桥梁是联系水系两岸的交通，而是为了让公众欣赏公园里美妙的植物。

当走在其中，公众不再是仰视森林，而是近距离接触树枝、树叶。这条漂浮在森林里的构筑物，蜿蜒曲折，与森林融为一体。这不仅是一条森林之路，更是一条探索之路，让公众在穿梭森林的过程中感悟大自然的美好，思索人与自然的关系。

图 5森林之路

Fig. 5 A Path in the Forest

来源：http://www.gooood.hk/_d273303972.htm

3.3 传承地域文化

风景园林作品通常会采用雕塑、壁画、石刻或者地域性建筑符号、材料、地带性植被等物理语言来展示地域特色，也有通过举办民俗活动等可参与性活动让公众体验地域文化。公共艺术作品可以用自己独特的方式诉说历史、传承文化，更多的是让公众亲身体验、感悟历史文化。

西布拉邦水上防线（West

Brabant Water Line ）位于荷兰哈尔

斯特伦市，建于17世纪早期，由一

系列堡垒、城市以及水道组成。历

史上，这条防线曾经成功阻止了西

班牙和法国的入侵。在恢复重建中，

该区最大的堡垒——如佛瑞堡垒

（Fort de Roovere ）需要建造一座供

人通行的桥梁。为了不破坏城堡原

来的面貌，建筑师爱德?科尔（Ad

Kil ）和罗·科斯特（Ro Koster ）选择下沉式设计，即建造一座嵌在水面上的桥——摩西桥（Moses Bridge ），桥身材料为木材和防水铝箔片，且护城河两端的水泵保持水面不会没过桥顶。从远处看，护城河依然是连贯的。这座下沉的桥不仅延续了历史文化，也成为当地的标志性建筑。

3.4 彰显时代特征

在信息化时代，人类生存的一切领域，都是以信息的获取、加工、传递和分配为基础。信息容量大、传播速度快是当代最显著的时代特征。因此，当代风景园林作品或公共艺术要充分利用高度发达的信息技术，为公众营建安全、舒适、便捷的人居环境。如WIFI 、二维码等都可成为设计要素之一。

图 6摩西桥 Fig. 6 the Moses Bridge 来源：https://www.360docs.net/doc/511827876.html,/gs/city_fur_show.asp?id=6656

图7是位于法国巴黎香榭丽舍大街上的一个智能数字驿站（Digital Break ），是法国设计师马修·雷汉尼（Mathieu Lehanneur ）在巴黎设计的一系列WIFI 站点之一。它可以遮挡阳光，为公众提供座椅，并有高速WIFI 覆盖。其造型像由树桩托起的绿色花园，精心打磨的混凝土旋转座椅配有插座和小台面，方便人们放手、书，或者笔记本电脑。智能数字驿站还为公众配置了一个包含城市服务信息和指南的大触摸屏，为游客出行和市民日常生活提供了便利，这个公共艺术作品可是说是一个将科技直接植入生活的先行者，是信息社会的产物。

优秀的公共艺术可能同时具有提升环境品质、促进公众参与、传承地域文化和彰显时代特征的能力，与风景园林作品一起很好地服务于公众、社会和自然。

4 结语

公共艺术是风景园林作品不可或缺的组成部分，其品质在一定程度上代表着风景园林作品的水平，甚至该地区的发展水平。风景园林师应该与艺术家合作在风景园林作品中大力推进公共艺术创作，吸收影视、戏剧、音乐等创作手法，广泛采用新型材料和信息技术，创造体现人文关怀、尊重自然与文化、反映时代特征的公共艺术，促进社会文明的进步。

参考文献：

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[2] 钟远波. 公共艺术的概念形成与历史沿革[J]. 艺术评论

, 2009(7): 63-66

图 7 数字驿站

Fig. 7 Digital Break

来源：http://www.gooood.hk/_d275618052.htm

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[9] http://www.gooood.hk/landscape.htm

浅谈少儿舞蹈的创作(1).

浅谈少儿舞蹈的创作(1) 人类任何有意识的动作，都产生于心灵内在的启示。舞蹈动作是心灵深处之情感世界的形象表白；如古语所谓“心声”、“心华”，佛语所谓“心水”、“心波”所构成的心貌、心境，传介于艺术化了的形体动作，便成之为人类艺术思想及其情感内涵的载体——舞蹈。少年儿童成长发育日日更新的生理特征，以及其五色斑斓梦幻叠彩的心理状态，决定了他们对舞蹈独特的表现特征。作为一名少儿舞蹈的教育及创作工作者，笔者认为：儿童舞蹈从创作规律和创作技法上与成人舞蹈创作有相通之处，但它却更难于成人舞蹈的创作，其主要原因在于儿童舞蹈的创作主体是成人。因此，受生理、心理、文化程度以及家庭社会的影响和制约，使成人与儿童的心理状态有着很大的差距，如何缩短这一差距，这就需要儿童舞蹈创作者熟悉儿童生理、心理特点，以及儿童情趣，爱好和生活习惯等，必须从“童心”出发并以舞蹈的艺术眼光去观察生活、体验生活、凝炼生活，直至完成自己的艺术创造。只有这样才能创作出具有儿童特点，受孩子们欢迎的好作品，达到教育儿童，并陶冶其情操的目的。一、童心纯真，富于幻想唐代刘长卿有诗句云：“心镜万象生”；即人的思维与感情皆附丽于大千世界、万象自然；而生存游戏于这万象自然中天真无邪的孩子们，更有着丰富多姿的艺术想象力和创造力。天生的好奇会使他们看到原来空无所有的地方有某种美妙的图象出现，更喜欢模仿自己在某地方看到的景物。儿童清新烂漫，天真活泼，对世界充满清莹、甜柔的爱，爱野地上的小草，花，爱天上的月亮星星，爱天空中游弋飞翔的小鸟、白云，爱江河上跳跃闪映的小鱼、帆影，他们用心灵去拥抱自己喜爱的对象，他们具有求知欲强喜欢模仿，好奇好问，兴趣广泛等等特点。因此儿童舞蹈创作的特殊规律和特点是和儿童的生理、心理状态分不开的。了解儿童生理、心理特点，是创作儿童舞蹈的基本要素，只有努力把握儿童认识客观世界和反映客观世界的特点，洞析儿童微妙的心灵内涵，儿童舞蹈创作者便会得到无竭的启示，便会从在成人看来无足为奇的事物中，产生出无穷的情趣和丰富的想象，并从中捕捉到能用舞蹈形式来表达儿童情趣的舞蹈形象来。二、夸张与变形的舞蹈语言舞蹈艺术来源于生活的启迪，但它所提供的艺术图景却远比生活更突出，更鲜明、更感人。美学家朱彤说：“只有通过虚构进行夸张，才能创造艺术美。”在生活基础上的虚构与夸张，正是少年儿童的心理特征之一，基于这一特征，儿童舞蹈的创作，应该比实际生活更高、更强烈、更集中，显现出更美好、更浪漫的艺术境界。“夸张是创作的基本法则”（高尔基语）。只有创作者真正走进孩子们那极富感染力的内心世界，才会凝炼成在美好生活基础上夸张变形的属于少年儿童心花吐绽的少儿舞蹈语言。但夸张与变形不能忽略形象的准确性，这样才能更好的表现出所要达到的艺术形象。夸张与变形是儿童语言的特征，也是儿童舞蹈表演中的一个重要元素。因为是适应舞台表演和没有语言作为媒介交流的表演形式，只有运用夸张的表现手法才能让观众从视觉中获得清晰的表情信息。夸张是从生活中提炼与升华，将生活中形体感觉反应扩大化。如喜、惊、冷、痛、看等都需要夸大形体的动态感并予以停顿或强烈的夸张，有的则要将作扩大延伸，如哭笑都要将形体的某个部位动作放大，延长动作线，使形体表情更明确。变形，从对逻辑规定的质实的超越达到形象神

印象派作品赏析

印象派作品赏析美术鉴赏论文 hpu chang 姓名：学号：学院：专业班级：授课老师：

在后印象派中，最重要的艺术家是梵高。梵高的画是印象派写实主义的反动。印象派客观地看这个世界，而梵高则不在乎正确地描写。不过他的涂色法多少是由印象派演变来的，他喜欢印象派画家所表现的色光效果。他使用厚涂大笔触．让颜色看来如要爆炸似的，或如漩涡般打转。梵谷的作品是激烈的个性反映，不安而神经质，对于表现主义和野兽派都有影响。他在自己的作品中，表现出他自己以及他的生活、内心感受。他的作品，不论是静物《向日葵》、人物自画像《割了耳朵的凡高》、室内画《夜间咖啡馆》，还是风景画《星夜空》，都充满了他对生命的热爱，诉诸了他内心强烈的感情，不仅是他的投影、他的分身，有时候甚至于赤裸裸地说明了他自己。凡高给人们留下的最深刻的印象是什么？是他画的《向日葵》。塞尚曾提出过一个观点：“艺术不是真实的表现客观事物的形貌色彩，而是真实的表现艺术家对客观事物的主观感受。” 那么赏析这幅画之前，我还是查了下梵高的生平经历。在梵高一生中，悲惨、痛苦、混乱和贫困与他如影随形。他从27岁学习绘画，很长时间并没有获得成功，没有人买他的画，甚至没有人欣赏和赞扬他的

画。梵高的艺术道路短暂而辉煌，他27岁学习绘画，37岁去世。在短短的10年中，他从一个默默无闻的人成为一个伟大的、里程碑式的、世界性的画家。然而，梵高生前卖出的作品只有《红色葡萄园》一幅，而且价格非常便宜，仅为当时的四百法郎而已。在梵高死后不久，社会上就开始评定他是一流画家。可惜的是，梵高本人却在还未获得正确评价之前，就自己拉下了人生的帷幕。转折点发生在梵高去世的前一年，即1888年，在这一年的2月，梵高到了法国南方的阿尔，那是一个阳光明媚的地方。梵高一生最重要的艺术作品，都是在生命的最后一年，在阿尔炙烈的阳光下完成的，《向日葵》就是这期间的作品。向日葵就像太阳，那浓烈的黄色调是光和热的象征，是内心翻腾的感情烈火的写照，但同时也似乎寓意着一种苦难，一种深重的苦难。难怪他可以用短暂的笔触把向日葵的黄色画得极其刺眼，每朵花像燃烧的火焰一般，细碎的花瓣和葵叶象火苗一样布满画面，整幅画尤如燃遍画布的火焰。那是有些神经质和悲情色彩的梵高对生命的狂

中西方园林艺术的比较

一、中西方园林历史传统的异同（一）中国园林发源于商、周时期，最早的形式是囿，囿是将一定的天然地域加以圈围，并在其中放养动物，以供帝王贵族狩猎游乐之用的场所，基本上保持了原有的自然地貌，审美与实用结合在一起。中式园林从“原始”状态脱胎出来，成为真正意义上的人工园林，园林从生产生活走向艺术是在春秋战国时期，此期社会动荡，战乱频繁，阶级对抗尖锐，政局复杂多变，使得一些文人士大夫阶级的自信心遭到崩溃，理想幻火，并逐渐确立了以自然、适意、淡泊为特征的人生折学与生活情趣，追求的是一种文人所特有的恬静淡雅的趣味、浪漫飘逸的风度、朴实无华的气质。他们选择了“隐居” ，在山水花鸟的大自然中获得慰籍，但又不肯放弃城市的繁华生活，所以在自己居住的深宅大院内建立自然山水花园，以实现理想的“隐居”，寄情于山水，隐身于山林，复归大自然。正是此种崇尚自然的社会风尚，使艺术家产生了表现大自然优美的情感动力，使人的心灵得以净化，从而达到修身养性的目的，势必在文艺作品上打上深刻的烙印，从而影响到园林艺术的创作。中国古代的文人士大夫，可说皆为文人，思想活跃，敏诗善文，擅画能歌，在文学和绘画方面有着很高的造诣。其所造园无不出之同一意识，以雅为其主要表现手法。诗、画、书法、音律、园林等艺术形式有机融为一体。园林意境创始时代的代表人物，如从两晋南北朝时期的陶渊明、王羲之、谢灵运、孔稚圭到唐宋时期的王维、柳宗元、白居易、欧阳修等人，他们既是文学家、艺术家，又是园林创作者或风景开发者。陶渊明用“采菊东篱下，悠然见南山”去体现恬淡的意境。被誉为“诗中有画，画中有诗”的王经营的辋川别业，充满了诗情画意。而元、明、清的园林创作大师如倪云林、计成、石涛、张涟、李渔等人都集诗、画、园林诸方面高度文艺修养于一身，发展了园林作的传统，力创新意，做出了很大贡献。所以中国古典园林的山水布局、建筑及小品的安排，以及花木栽植，每每借用山水画论。而风景主题的意境构思，题对楹联等又常常受到风景田园诗文的启发。使园林景观从总体到局部都包含着浓郁的意境和感情色彩，这也是我国历代造园家共同追求的境界。是中国千余年来园林设计的名师巨匠所追求的核心，也是使中国园林具有世界影响的内在魅力（二）西方园林是在一定的地域运用工程技术和艺术手段，通过改造地形或进一步筑山，叠石，理水，种植花草树木，营造建筑和布置圆路等途径创作而成的美的自然环境和游憩境域。人们习惯于将古希腊、罗马为代表的欧洲建筑体系视为西方建筑，将以法国为代表的规则式园林称为西方园林。世界上最早的园林可以追溯到公元前16 世纪的埃及，从古代墓画中可以看到祭司大臣的宅园采取方直的规划，规则的水槽和整齐的栽植。西亚的亚述确猎苑，后演变成游乐的林园。西方园林作规则式布置，最初大都出于农事耕作实用的需要，如法国的花园就是起源于果园菜地，在一块长方形的平地上，由灌

总结：浅析幼儿舞蹈作品的创编复习进程

总结：浅析幼儿舞蹈作品的创编总结：浅析幼儿舞蹈作品的创编舞蹈作为一种形体艺术走进人们的视野，已倍受关注。她是人类审美活动集中的表现，是提高人类审美能力的有效途径和有力手段。舞蹈艺术以极富魅力的赏心悦目的肢体语言，对人们情操进行陶冶，心灵得以净化，情感予以滋养。人们在欣赏舞蹈作品的同时，想象力、认识力，审美力都得到不同程度的提高和挖掘。舞蹈是人们情感宣泄的一种方式。只要我们细心观察就不难发现，几乎每位孩子在高兴、开心时都会手舞足蹈地来表达自己的情感。幼儿舞蹈作为幼儿音乐艺术教育的重要部分，深受孩子喜爱。舞蹈是一种形体艺术，也是一种综合活动，她是幼儿的内在潜能，如果能行之有效地去开发，并将她潜移默化地运用到幼儿各项活动中，将会对幼儿创造性人格的培养起到举足轻重的作用。而在当今这个社会，很多人在幼儿舞蹈教学方面存在不科学的认识，她们片面地认为幼儿舞蹈只是供成人欣赏、参与某类商业性宣传活动、或是为了完成某些应酬任务、获奖成名等，殊不知一个好的舞蹈作品，能促使孩子在身体素质，思想品德，美育教育等综合素质方面的提高，从而达到寓教于乐的效果。那么，一个好的幼儿舞蹈作品是如何诞生的呢？这个话题是众多从事幼儿舞编导的共同心声。幼儿舞蹈直观形象、生动活泼，与成人舞蹈在编排上有很大的区别，编导在创作舞蹈作品时需要做大量的细致的工作：一、充分了解幼儿的身心特征孩子年龄小，骨骼软，易变形，肢体动作发展尚不完善，上下肢动作配合的协调性还不强，控制能力、平衡能力，节奏能力差，有意注意的时间短，因此它们对动作的接受和掌握相应就差。但是，好奇、易幻想、好动，思维形象具体又是幼儿的心理特征。针对这些特点，编导要提前了解孩子，找到孩子容易接受的舞蹈动律，找到适合孩子的舞蹈教学方法。二、选择适合幼儿的舞蹈素材根据幼儿的年龄特点，为孩子创编舞蹈的出发点应该站在孩子的角度上。孩子们的日常生活丰富多彩，舞蹈要透过孩子们的艺术形象去反映她们真实的生活和情感。编导选材时，应从孩子所见所闻、所想所做着手，保持一颗童心，用孩子的眼光去看世界，去发现、挖掘孩子身边的事情，并将其艺术化、理想化。幼儿舞蹈的题材可以从以下几方面着手考虑。

印象派画派分析

印象派画派分析从高中学习绘画的时候，老师就叫我们临摹印象派画家莫奈，塞尚等画家的画，经过几次写生。再到现在大学，老师讲印象派，因此对印象派的了解和关注更多了。印象派和新印象派皆是以感觉而用科学的方法作画，是一种非常客观的艺术。印象派提倡户外写生，直接描绘在阳光下的物象，从而据弃了从16世纪以来变化甚微的褐色调子，并根据画家自己眼睛的观察和直接感受，表现微妙的色彩变化。这又让我想起，高中时期出去安徽宏村写生的时候，老师让我们一天——早中晚都选择同一个地方同一个角度画三幅画，当时还很不理解，慢慢的懂得了老师的用意。不同时间，阳光下和环境下的物象的光和影是不一样的。印象派绘画最大的特点是注重光与色的描绘，表现物象受光后的变化。他们这种对光和色的兴趣，使他们注重在画面上运用大面积的补色进行并置，把物体颜色与阴影画的透明，如此，印象派作品的色彩比学院派绘画的色彩更为明亮，有生命的活力。为表现光线的颤动，他们恢复点彩绘画的老技法，在这种技法中，厚重的颜色小圆点或小笔触画上画布，表现了实际的光线及其在画面上的反射。绘画的点彩形式在文艺复兴时期的提香到后来的戈雅和德拉克洛瓦的作品中都能见到。但是，印象派画家在色点中对补色的运用是重要的突破。在从一定距离看他们作品的时候，这些分散的色点便构成了画面混合的色调。印象派强调人对外界物体的光和影的感觉和印象，在创作技法上

反对因循守旧，主张艺术的革新。绘画技巧上对光和色进行了探讨，研究出用外光描写对象的方法，并认识到色彩的变化是由光色造成的，色彩是随着观察位置，受光状态的不同和环境的影响而发生变化。同时印象派着重于描绘自然的霎那景象，使一瞬成为永恒，并将这种科学原理运用到绘画中。根据观察和直接感受表现微妙的色彩变化。给后来的现代美术以极大的影响。印象派脱离了以往艺术形式对历史和宗教的依赖，艺术家们大胆地抛弃了传统的创作观念和程序。艺术家关注的焦点转移到了纯粹的视觉感受形式上，作品的内容和主题变得不再重要，因此区别于表现主义对内心情感的表现而忽视描绘对象的外在形象。而我最喜欢的一幅画是莫奈的——《日出·印象》。它作为一幅海景写生画, 整个画面笼罩在稀薄的灰色调中, 笔触画得非常随意、零乱, 展示了一种雾气交融的景象。日出时, 海上雾气迷朦, 水中反射着天空和太阳的色．岸上景色隐隐约约, 模模糊糊看不清, 给人一种瞬间的感受。当年莫奈和一群青年画家举办展览时，这幅《日出·印象》遭到了诽谤和奚落。有的评论家挖苦说：“毛坯的糊墙纸也比这海景完整！”更有人按这幅画的标题，讽喻一莫奈为首的青年艺术家们为“印象派”，于是“印象主义”也就成了这个画派的桂冠。而后来，新印象派既是印象派的某些技法和科学实践相结合的产物，同时也是印象派（凭直觉、凭经验的写实主义）向古典主义（重法则、重理论、重秩序）的转化。此派由于从印象派方向走入极端科学、理论化，运用“色调的分割”法则，以原色细点如嵌镶的分布画

吴道子简介

吴道子(约686～760前后)唐代画家。又名道玄，画史尊称吴生。阳翟(今河南禹县)人。少孤贫，初为民间画工，年轻时即有画名。曾任兖州瑕丘(今山东滋阳)县尉，不久即辞职。后流落洛阳，从事壁画创作。开元年间以善画被诏入宫廷，历任供奉，内教博士、宁王友。曾随张旭、贺知章学习书法，通过观赏公孙大娘舞剑，体会用笔之道。擅佛道、神鬼、人物、山水、鸟兽、草木、楼阁等，尤精于佛道、人物，长于壁画创作，据载他曾于长安、洛阳两地寺观中绘制壁画多达300余堵，奇踪怪状，无有雷同，其中尤以《地狱变相》闻名于时。吴道子的绘画具有独特风格。其山水画有变革之功，所画人物衣褶飘举，线条遒劲，人称莼菜条描，具有天衣飞扬，满壁风动的效果，被誉为吴带当风。他还于焦墨线条中，略施淡彩，世称吴装。作画线条简练，笔才一二，象已应焉"，有"疏体"之称。吴道子的绘画对后世影响极大，他被人们尊为"画圣"，被民间画工尊为祖师。苏轼曾称赞他的艺术为"出新意于法度之中，寄好理于豪放之外"。吴道子绘画无真迹传世，传至今日的《送子天王图》可能为宋代摹本，另外还流传有《宝积宾伽罗佛像》、《道子墨宝》等摹本，敦煌石窟第103窟的维摩经变图，亦被认为是他的画风。姓名：吴道子别名：画史尊称吴生，又名道玄国籍：中国出生日期：公元680年（庚辰年）逝世日期：公元759年职业：艺术，画家主要成就：中国唐代第一大画家，尊称画圣代表作品：《明皇教授箓图》、《十指钟馗图》、《金桥图》、《朱云析槛图》籍贯：阳翟（今河南禹州）人吴道子画圣故事吴道子故事之一唐朝时，有个叫吴道子的人，少年失去父母，只好背井离乡，出外谋生。一天傍晚，吴道子路经河北定州城外时，突然发现前面有一座雄伟壮观的寺院“ 柏林寺”，便走了进去。吴道子迈进院内，他从大殿虚掩的门缝里，看见油灯下一位年迈的老和尚正在殿墙上聚精会神地画画。吴道子很好奇，悄悄推开门，轻轻地走了进去，站在老和尚身后看画画。老和尚一回头，发现一个十来岁的男孩这么出神看他画壁画，打心里欢喜，便问吴道子：“孩子，你喜欢这幅画吗?”吴道子点了点头。老和尚知道了他的身世后，抚摸着他的头说：“你要愿意学画，就做我的徒弟吧。”吴道子听了忙磕头拜师。这天，老和尚把吴道子领到后殿，指着雪白的墙壁说：“我想在这空壁上画一幅《江海奔腾图》，画了多次都不像真水实浪。明天我带你到各地江河湖海周游三年，回来再画它。”次

公共艺术赏析论文

公共艺术赏析论文 ---------------盐城铜马广场雕塑物电学院电气131 缪鹏飞13223229 盐城大铜马是国民革命军新编第四军重建军部纪念塔的俗称，是盐城最显著的城标，是盐城市人民政府为纪念新四军在盐城重建军部这一重大历史事件而建立的。自1986年9月建成以来，一直是盐城这座英雄城市的的光荣标志。盐城人对“大铜马”的感情很深，自2007年“大铜马”整修过后，“大铜马”变得更加漂亮。大铜马正式名称应为：新四军重建军部纪念塔坐落在盐城市区中心广场。塑像是根据新四军老战士管文蔚的具体设想，由中央美术学院雕塑主任王克庆教授创作设计的：一位年轻英武的新四军战士身背大刀，手握缰绳，骑在高扬前蹄的战马背上，面向太阳昂首前进，象征新四军东进，开辟华中敌后抗日根据地。塔座上刻由原新四军第四师师长张爱萍上将亲笔题词：“新四军重建军部纪念塔。” 从“中市桥”、“忠字塔”、新四军重建军部纪念碑”到“大铜马”，随着历史的积淀和造化，盐城有了一个定海神针一样的城市基点，城市的四方从这里开始，盐城的零公里在这里。一到双休日，喷泉就会准时打开，远远就能听到清脆的水声，清新宜人。在阳光映照下，喷泉水花四溅五彩缤纷，在夜晚的霓虹辉映下显得分外迷人。每逢重大节日，花团锦簇气球环绕，给人眼前一亮心头一热的感觉，“大铜马”已经成为盐城标志性文化名片。塑像是根据新四军老战士管文蔚的具体设想，由时任全国城市雕塑规划小组副组长、中央美术学院雕塑系主任王克庆教授创作设计：一位年轻英武的新四军战士，身背大刀，手握缰绳，骑在高扬前蹄的战马背上，面向太阳昂首前进，象征新四军东进，开辟华中敌后抗日根据地。塑像高4米，长3.8米，重3250公斤，为青铜浇铸而成。塔上刻有原新四军第四师师长张爱萍上将亲笔题词：“新四军重建军部纪念塔。”背面朝西，上刻由张爱萍上将审定的碑文，已故书法家鲍审手书。作为盐城这座英雄城市的标志、铁军精神的象征，新四军重建军部纪念塔建成后一直放置于盐城市区建军路和解放路的十字交叉口中心交通岛，由此这里也成为盐城市民心目中老城区的中心坐标点。多年来，铁军雕塑一直是盐城的标志性建筑，也成为以新四军红色文化为特色的盐城城市名片。 2009年，随着城市的快速发展，尤其是在新一轮的沿海大开发中，盐城的城市定位升为沿海特大中心城市，解放路作为盐城市区南北轴线道路，在全面综合整治的基础上，将开通苏北第一条快速公交线路(BRT)。在这样的背景下，原街

舞蹈作品理论分析(舞蹈欣赏论文)

关于《舞出我人生》的深入思考电影《舞出我人生》是一部蛮老的电影了，一年多了，在2008年7月份登陆中国各大电影院，而我更是在2008年3月份就看过了这部电影，我一直都喜欢刺激的运动类的电影，街舞，速跑等等。而这部电影我更是在上课之前就看了两遍，但是却在看第三遍的时候才开始思考一些更加深入的问题，用我所学到的知识来思考这些问题。我们先简单介绍下这个电影的情节吧。他，来自巴尔的摩的底层社会，身份卑微却目中无人，寻求一切机会想拼命摆脱这种不如意的生活，而跳舞就变成了他惟一能够释放灵魂的梦想；而她，是巴尔的摩最优秀的表演艺术学院的顶级芭蕾舞演员，每天都在为能攀升至舞蹈艺术的殿堂而不懈地努力。他们的世界之间有着不可跨越的鸿沟，可是一切都阻止不了这两个有天分的年轻人的激情碰撞--你可能觉得这是一个苦甜参半的青春故事，其实它更像是一个关乎梦想变为现实的美妙童话。一生都在环境艰苦的城市街头讨生活，泰勒·盖奇却从没有因为生命的困顿而放弃梦想，他知道自己是如此与众不同，终有一天会离开这里展开新的生活。因为误打误撞而被强制进行社区劳动的泰勒从没想过，自己的命运在这一刻发生了根本的改变。他在马里兰艺术学校进行社区服务时，吸引了一位名叫诺拉的女孩的注意，他强有力的动作与对节奏感的掌握无不是诺拉最需要的。诺拉是这所学校的天之娇女、芭蕾舞天才，正在为学校最有影响力的舞蹈大赛备战，可是她的搭档却在这时不幸受伤，在诺拉遇到泰勒之前，对于寻找新搭档一事已经接近绝望。她偷偷地注意着泰勒的一举一动，发现他的舞技虽然未经雕琢，但极强的乐感和律感都在表示这是一名天生的舞者。诺拉将新搭档的这个机会给了泰勒，可是当两人开始训练时，却因为太过两极分化的生活背景而使得关系一度紧张……都考虑过放弃的泰勒和诺拉因为各自的目的坚持度过了磨合期，当一切渐渐上了轨道之后，泰勒用最实际的行动向自己以及诺拉证明：尽情舞动的人生，比想象得还要美妙。 1.关于舞蹈。当电影与舞蹈相遇之后,会产生不可思议的化学反应:炫丽的舞美灯光、精致的舞台背景或热辣或优雅的舞蹈、银幕就这样被那些在舞台上旋转不停的舞者和他们曼妙的舞姿点亮了，显得流光溢彩、意趣盎然。很多时候，影片中的舞蹈代表的不仅仅是人们视觉中看得眼花瞭乱的舞蹈动作，更多的是刻画一种人生姿态:健康积极的奋斗精神、以舞传情、表达内心复杂多变的情感或是叙述人生故事。舞蹈具有神奇的艺术魅力,在电影中,它具有高度的娱乐观赏性与突出艺术成就感的双重作用;换一种说法,舞蹈与银幕完美的镶嵌融合之后，具有即可抒情又能叙事的双重作用，是生动形象的影像内容。所以说舞剧题材的影片一直是经久不衰的。而《舞出我人生》更是难得一见的融入了最时尚和最古老的舞蹈元素，但是却没有一点拼凑的感觉。 ①芭蕾。芭蕾起源于意大利，兴盛于法国。芭蕾最初是一种民间的自娱自乐的舞蹈形式，在发展过程中形成了严格的规范和解构形式、主要特征就是演员要立起脚尖跳舞。任道老师和我们讲，如今芭蕾舞是所有正统舞蹈的基础，所有舞蹈学校都会以芭蕾舞来塑造舞者，芭蕾舞的规范和严格的要求最能锻炼一名舞者的身体。在慢慢的演变发展过程中，芭蕾舞经历影片中也有情节展示的是女主角在给孩子们上舞蹈课，他们坐着最基本的压腿动作，脚尖触底。而

浅析印象派绘画发展历程

浅析印象派绘画发展历程姓名：李城学号：14610114 专业班级：2014级人文地理与城乡规划一班学院：城市与旅游学院一．印象派绘画的起源印象派绘画（英文：Impressionism)也叫印象主义，是西方绘画史上划时代的艺术流派，最早于19世纪60—90年代在法国兴起。说到印象派，流传了一个很有趣的故事：这一名字的由来是由于当时因克劳德·莫奈的油画《日出·印象》受到一位记者嘲讽而得名。而这幅画面描绘的是塞纳河的清晨，太阳刚刚升起的时候。由于画家要在很短的瞬间，将早晨的美景在光线还没有变化前，就要完成作品，因此画面不可能描绘的很仔细。当学院派的画家们看到这幅作品时，认为很粗糙，过于随便，就用讥讽的语言嘲笑“巴比松”的画家，意思是说：那是一群根本就不懂绘画的画家，《日出·印象》完全就是凭印象胡乱画出来的，其他人也附和着说，这些画家统统都是“印象主义”，没想到，这些挖苦的话，反而成全了这批画家，“印象派”也就随之诞生。二．印象派绘画的发展 19世纪的中后期正值工业革命的完成以及第二次工业革命的兴起。资本主义经济的发展影响到了社会的方方面面，在强大的物质条件的支撑下，人们的思想意识日渐解放，越来越崇尚个性的张扬。正是在这样的大背景下，印象派绘画也就开启了它的发展之路。 1874年一群年轻的画家在巴黎卡皮西纳大道的一所公寓里举办了第一届印象派画展，有31位印象派画家参展。包括莫奈、雷诺阿、毕沙罗、西斯莱、德加、塞尚和莫里索等。这些画家们虽性格和天赋各异，价值观念和倾向也不尽相同，但是，他们诞生在同样的时代，有着同样的经历，并且向同一的反对派斗争

过。所以他们也就欣然接受了一些杂志的讽刺文章作家封给他们带着嘲笑味道的称号——“印象派”。 19世纪的时候，法国巴黎是欧洲油画的中心。这个时候的风格是以学院派的新古典主义为主导的，他们每年都要举办官方的展览，叫做“沙龙”，多数人都出自于皇家美术学院，他们有着深厚的素描基础，并且精通人体解剖，画风严谨、细腻。而在这个时候，还有着另外一大批充满着理想的年轻画家，他们来自于各个阶层，大多数都是自由人，很多人对学院派的教学方式及绘画风格有着不同的看法，认为古典主义千篇一律，缺乏个人风格，他们更崇尚现实主义，并提倡户外写生。由于大家有着共同的理想和观点，他们逐渐地聚集到巴黎郊外的一个名叫巴比松的小村庄，来描绘那里迷人的风光，他们被称为“巴比松”画派。“巴比松”村就是现在巴黎的卫星城之一的枫丹白露镇。“巴比松画派”就是“印象派”的前身。这些画家们只有极个别的被官方所接受，大部分画家的作品被拒之“沙龙”的门外，于是画家们就经常联手举办“官方沙龙”落选作品展，依托当时资本主义的巨大发展带来的人性与思想的变革，这些画家凭借娴熟的绘画技艺、天马行空般的想象力，印象派绘画作品也就逐渐的被当时社会所认同，影响力与知名度与日俱增，印象派也不断发展壮大。印象派绘画的特点是不依据可靠的知识，以瞬间的印象做画。画家们通常是抓住一个具有特点的侧面去做画，多考虑画的总体效果，而较少的顾及枝节细部。笔法较粗犷，作品欠修饰，是一种对笔法较草率的画法。随着印象派绘画的发展壮大，绘画过程中日益重视光与色的运用。越来越追求以思维来揣摩光与色的变化，并将瞬间的光感依据自己脑海中的处理并附之于画布之上，对光线和色彩的揣摩更是达到了色彩和光感美的极致。三．印象派绘画的发展历程带来的影响作为一种美术思潮，印象主义绘画在世界美术史上具有重要地位，它推动了以后美术技法的革新与观念的转变，印象派大师用他们敏锐的眼睛捕捉世间万象,描绘社会生活, 为不同年代、不同地区的人们开启了认识印象派以及它所处时代

美术鉴赏百代画圣吴道子

美术鉴赏-百代画圣吴道子

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? 论文题目：百代画圣吴道子专业:数字媒体技术任课教师: 郭盼盼学号: ０８24１5137 姓名: 段利峰评语：２018年1月1 日

?百代画圣吴道子吴道子,又名道玄，河南阳翟（今河南禹州)人。约生于永隆一年(68０),卒于乾元元年(7５8)前后。少孤贫,初为民间画工,年轻时即有画名，画史记载他“年未弱冠”,已“穷丹青之妙”。。曾任兖州瑕丘(今山东滋阳)县尉,不久即辞职。后流落洛阳,从事壁画创作。开元年间以善画被召入宫廷,历任供奉、内教博士、宁王友。曾随张旭、贺知章学习书法,通过观赏公孙大娘舞剑,体会用笔之道。擅佛道、神鬼、人物、山水、鸟兽、草木、楼阁等,尤精于佛道、人物，长于壁画创作。他被称为中国唐代第一大画家,尊称画圣,代表作品有《送子天王图》、《明皇教授箓图》、《十指钟馗图》、《金桥图》、《朱云析槛图》等。一、画风介绍在绘画史上，吴道子的作品被称为“吴家样”。何为样呢?“样”即“样子”,

即楷模的意思。在艺术上要给人以楷模的作用，首先要具有独特的风范。历史上，与吴道子同样被尊称为“样”的有南朝张僧繇的“张家样”，北齐曹仲达的“曹家样”和唐周昉的“周家样”。吴道子的绘画是由张僧繇发展而来的，但在多样地、富有变化地反映现实生活这一方面超过了张僧繇,固有“至其变态纵横与造化相上下,则僧繇不能及也”。“吴家样”固然有吸收“张家样”长处的地方,但是吴能巧变,不受张之“法度”的束缚。他也受到凹凸法的较大影响,成为继“张家样”以后更成熟的宗教画样式。其绘画基本采用白描画法,用线或主要用线,辅之以淡色来生动表现形象的画法，一反盛唐以前依靠均匀的线条加以重彩的造型路线,在发扬以线作画的民族风格方面起了巨大的作用。在设色浓艳的盛唐时代，吴道子的简淡敷彩,于焦墨痕中,略施微染，自然显得格外新奇出众。吴道子早年行笔很细，保持了六朝和初唐的传统，到中年以后，在熟练的基础上创出自己的风格,行笔磊落，挥霍如“莼菜条”。“莼菜条”说法出自北宋大书法家米芾之口,它是一种睡莲科植物,其圆形绿叶浮在水面上,根茎在水中生长，其表面附有胶质黏液，所以给人的手感非常润滑，“莼菜条”是莼菜茎。吴道子用快慢疾徐、粗细轻重、变化富于节奏的“莼菜条”的笔法表现迎风飘举的宽衣博带、衣褶,表现“高侧深斜,卷褶飘带之势”,是以表现对象的细微的透视变化高、侧、深、斜为目的的，是带有立体感的线条。这种线条比铁线描更敏锐地表现出客观事物的立体造型，赋予线条更强的运动感、节奏感和表现力,使画面效果具有“天衣飞扬满壁风动”的艺术效果，被称为“吴带当风”,这种风格的问世,为中国绘画开辟了新途径。“吴家样”与“曹家样”的显著区别，被宋代评论家用“吴带当风,曹衣出水”一语概括。这两句话指出了两者在服装上的不同,前者是其势圆转，衣服宽松,裙带飘举，所画人物衣带宛若当风飘舞之状;后者是体制稠密，衣衫紧贴身上,犹如刚从水中出来一般,结构严谨。同时，吴又能突破“曹家样”自北齐以来在画坛上的支配地位。所以有“吴生始用兰叶描,曹衣出水法全灭”的说法,这也正是中国画发展的必然趋势。他把线的造型能力和表现能力提高到一个新的水平，丰富和完善了民族线描手段。“曹家样”和“吴家样”实际上代表了中国画发展史上两种不同的用笔风格,反映出不同的时代特征，“吴家样”体现了大唐盛世气势恢弘、开明自信的精神气质。吴道子开创了行笔磊落挥霍，笔势豪放，方圆凹凸的“兰叶描”,通过笔触的抑扬顿挫来增强线描所能表达的质感、立体感和表达作者内心感情的力量。“兰叶描”的特点则不同于“莼菜条”。在用笔上打破了传统的描法，他在运笔时压力不均,凭借其深厚的书法功底，将六朝以来“紧劲连绵”变为提按明显,波折起伏，用

中西古典园林艺术的差异

中西古典园林艺术的差异摘要：园林是在一定的空间里依照园林艺术原则,进行创作而形成自然美与人工美相融合的生活境域。本文从三大方面论述了中西方园林艺术的不同及历史上的相互交流与影响，希望对我们有所启发。关键词:中西;园林艺术；差异；影响纵观园林的发展史，当今世界园林艺术已形成了三大系统——中国、欧洲和西亚。其中,中国园林代表了东方自然山水式园林；法国古典主义园林则是欧洲几何规则式园林的典型代表。本文通过对两者园林艺术的不同特点进行比较和分析，希望对我国当代的园林艺术创作有所启迪,使之更好地为美化人民生活服务。 1 中西古典园林艺术的差异不同的自然条件和不同的社会背景造就了中西方园林艺术巨大的差异，形成了各自富有民族特色园林艺术。本文主要从以下3 点不同方面加以论述。 1． 1 园林布局的不同中国园林的布局在整体上是“山水画”式的,以山水为景区的主体，追求的是“林泉之趣”、“田园之乐”,遵循“山水为主，建筑是从”的原则。园林中花木配合山水随意配置,道路回环曲折,穿插于山水之间,使得游览路线复杂多变，通过延伸游览时间来展示各个景区。另外，中国园林的建筑体量以及在景物构成中所占的比重一般都很小，大都从属于自然山水。建筑往往穿插、点缀在自然山水风景之间，达到“依山就势”、“自然天成”的效果，使自然美中融入人工美的气息，增添人们现实生活的情趣。如杭州西湖风景区的建筑尺度，一般都不大。即使有些像灵隐寺等体量较大的建筑,也被有意识地隐藏于山麓林木之中,不让它去与自然风景争主角地位。至于像颐和园万寿山南麓的佛香阁中央建筑群,虽然体量高大，人工气息浓重，但从总体布局上看仍是以自然山水作为园林的主体和中心。它不但没有破坏自然风景的主体,反而丰富了万寿山平淡、呆板的形象，烘托、渲染了皇家园林所需要的艺术气氛。总之，中国园林的整体布局力求景中有景、园中有园、峰回路转、曲折幽深，达到一种含蓄富有韵味的艺术效果。西方园林的布局在整体上则是“几何形”式的,以建筑物为园林文化与历史景区的主体,在构图上特别强调园林的中轴线,花坛、水池、喷泉、雕像、小建筑物、小广场、林荫道和放射形的小路,都围绕这条中轴线进行布置，以突出空间布局来缩短时间流程。在游览路线的安排上,西方园林的游览路线一般都是围绕着园林的中轴线而有规则地向四周扩散,每条路线几乎都是笔直的,而且主次分明，通向中心景区或主景区的路线较宽广、显眼,通向次要景区或小景区的路线则相对狭窄、隐蔽。这样，虽然游览线路众多，但都排列有序、交接规则，游览者一入园后就感到心中有数,能轻易地到达中心景区,对于游览者极为方便，让人在最短的时间内尽量领略整个景区。另外，与中国古典园林重视山水不同,西方古典园林重视建筑物更甚于山水。西方园林的建筑物往往是全园的主体，山水花木则被修整后作为园林的陪衬物，建筑的附属。可以说，西方古典园林是一种建筑物的扩张或延伸,山水花木都成了建筑的组成部分。法国的古典主义园林要算这种西方园林艺术的杰出表现者。例如凡尔赛宫的中心主题是一座主体部分长达707 米的宫殿。它的中心部分就是当年路易十四的卧室，也是全园的核心。在宫殿的两翼，是政府办公处、剧院、教堂

浅析当今舞蹈的创作和发展趋势

浅析当今舞蹈的创作和发展趋势【摘要】：文章简单介绍了当今舞蹈创作的艺术构思和源泉，并且对舞蹈创作的发展趋势进行了展望。【关键词】：舞蹈；创作；艺术构思；发展一、生活是舞蹈创作的源泉艺术源于生活，植根生活。舞蹈编导没有生活积累和舞蹈文化的积累，光靠想像是难以创作出人民群众喜闻乐见的艺术作品的。舞蹈创作者只有在日常的工作生活中认真细致的观察生活，逐步积累这些来自生活的大量素材，对这些素材进行科学的分析、理解和熟悉，从中筛选出典型的、具备象征意义的“材料”，并对它们有了真正的切身体会和实践感受之后，才有可能创作出打动人心的成功作品。在舞蹈创作的过程中，编导总是在深入生活的基础上，从繁杂的生活现象中寻找舞蹈形象，高度精炼地概括生活、人物、人的思想感情，用自己丰富的不同一般的编导思想和舞蹈文化积累，去提炼题材，确定主题，塑造人物形象。用别具匠心的结构、方法、画面，用有着鲜明特色的舞蹈语言创造一种意境。在贴近生活中，捕捉和感应时代大潮，把现实生活中的社会现象、生活内容、人的思想情感等，艺术地、高于生活地展现出来。如张继刚的舞蹈作品，十分突出的一点就是有着较为深厚的生活积累和坚实的舞蹈文化积累。中国舞协副主席游惠海在《张继刚舞蹈创作研讨会》上曾介绍:“张继刚长时间深入民间，刻苦向民间艺人学习，有了深厚的生活体验和对传统民间艺术的熟悉与积累，因此他的作品蕴含着浑厚的民族精神和浓郁的民族特色，传达出人民大众质朴真挚的情感，表达着对人民、对土地的深沉挚爱，产生强烈的震撼力和艺术感染力。”他创作的《好大的风》、《俺从黄河来》、《女儿河》、《黄土黄》、《一个扭秧歌的人》等作品，都以其深厚的生活基础，浓郁的民族风格，鲜明的艺术特色，引起舞蹈界内外的广泛关注，并雅俗共赏而深为广大群众所喜闻乐见，是舞蹈创作园地难得的精品之作。生活的积累是舞蹈创作的先决条件，但是坚实的生活基础必须与深厚的舞蹈文化积累相结合，才能够实现它的艺术价值。二、艺术构思是舞蹈创作的基础舞蹈创作中的艺术构思是舞蹈编导在孕育舞蹈作品时所进行的舞蹈形象思维活动。它包括选取和提炼题材、酝酿和确定主题、塑造人物形象和考虑整个舞蹈结构的布局安排，探索和寻求舞蹈艺术最适当的表现形式如何做到完美的统一。舞蹈艺术构思是舞蹈的创作基础，一个舞蹈究竟要编成什么样子，能否充分表现编导的思想，能否激起观众的情感，都直接与艺术构思相关。因此，艺术构思是一直受编导们所重视的。一个好的作品，编导为了表达其主题思想，为了塑造人物、展现环境、渲染时代气氛是会不拘一格地调动各种艺术手段，充分发挥舞台艺术综合性特长的，并尽量使各种艺术形式有机地结合，浑然一体，既兼收并蓄又不喧宾夺主。如中央民族大学舞蹈系演出的舞蹈《珠穆朗玛》，编导就

印象派解析

印象派简析 161411330

李豪伟印象派兴起于19世纪60年代，兴盛与70、80年代，反对因循环守旧的古典主义和虚构臆造的浪漫主义，19世纪最后30年，他成为法国艺术的主流，并影响整个西方画坛。代表画家马奈、雷诺阿和莫奈等都把“光”和“色彩”作为绘画追求的主要目的，他们倡导走出画室，描绘自然景物，以迅速的手法把握瞬间的印象，使画面呈现出新鲜生动的感觉。因莫奈的《日出·印象》而得名。在西方绘画史上印象派绘画是具有划时代意义的艺术流派，19世纪七八十年代达到了它的鼎盛时期，其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地，但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。19世纪后半叶到20世纪初，法国涌现出一大批印象派艺术大师，他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨制，除了这次来华展出的著名画作外，马奈的《草地上的午餐》、莫奈的《日出·印象》、·梵.高的《向日葵》等更是鼎鼎大名。印象派画家走出画室，深入原野、乡村、街头写生，力求真实地刻画自然。借用“物体的色彩是由光的照射而产生的，物体的固有色是不存在的”这一最新的光学理论，印象派画家认为，景物在不同的光照条件下有不同的颜色，他们的使命便是忠实地刻画在变动不居的光照条件下的景物的“真实”，这种瞬间的真实不恰恰就是一种转瞬即逝的“印象”吗？而印象派画家把这种“瞬间”永恒地记录在了画布上。代表人物有莫奈，毕沙罗，雷诺阿等重要成就从展览开幕的盛况和媒体的关注程度看，法国的印象派绘画在中国极受欢迎。从20世纪初开始，中国有学者专门撰文介绍和评价印象派绘画，印象派一词也见于各种文章，他们从不同角度分析了印象派艺术的特点，印象派绘画对现代中国油画产生了深刻影响。一些学者和艺术家把印象派艺术与中国艺术作比较，认为印象派的审美趋向与中国传统绘画之间有着相互呼应的东西。徐悲鸿很重视印象派画家的写生，并对印象派画家运用色彩予以肯定，说他们的画重神韵。林风眠则从绘画革新的途径上对印象派的贡献加以肯定。黄宾虹认识到印象派风景画与中国山水画有相通之处。印象派绘画的最重要成就，就是发现和表现户外自然光下的色彩，捕捉大自然的瞬间变化。为了捕捉瞬间的“印象”，印象派绘画在构图上往往较为随意，力求突出画面的偶然性，增加画面的生动和生活气氛，凸显对内心主观意象的表达。还或者画中的颜色给你留下了深刻的印象。需要提醒观众特别是小观众，欣赏印象派绘画最好不要距画太近，若贴近看则会感觉色彩支离没有混合。印象派完成了绘画中色彩造型的变革，将光与色的科学观念引入到绘画中，革新了传统的固有色观念，创立了以光源色和环境色为核心的现代写生彩学。还认识到艺术形式的独特审美价值，在形式方面进行了大胆的探索，为现代艺术的产生奠定了基础社会影响印象派是19世纪中叶欧洲艺术从现实主义向现代主义过渡的重要阶段，印象派画家以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫揉造作的浪漫主义。印象派画家吸收了写实主义绘画的营养，在绘画中开始对室外自然光的研究和表现。根据“物体的色彩是由光的照射而产生，物体的固有色是不存在的”这一当时最新的光学理论，印象派画家认为，景物在不同的光照条件下有不同的颜色。印象派画家倡导走出画室、去户外写生，力求真实地刻画自然，直接描绘阳光下的风景和日常生活，摒弃16世纪以来狭隘的褐色调。印

浅谈吴道子的画风

浅谈吴道子的画风【摘要】吴道子是一位多产而优秀的佛教壁画艺术家。史称其“凡画人物、佛像、鬼神、禽兽、山水、台殿、草木”皆冠绝于世，国朝第一。吴道子人物画的出现，是中国人物画史上的光辉一页。他吸收民间和外来画风，确立了新的民族风格，即世人所称的“吴家样”。就人物画来说，“吴装”画体以新的民族风格，照耀于画坛之上。本文通过对吴道子擅长的莼菜条、兰叶描的吴风样式的研究，来分析、总结他的画风。 ?【关键词】吴道子 “吴家样” ?中外民族文化的交汇共同熔铸了唐代美术的辉煌，多数画科从此开始明确并日臻成熟。唐代绘画作为唐代美术的首要组成，亦是雄健磅礴的盛唐气象的重要部分，在我国古代绘画史上占有举足轻重的地位。唐代绘画也因为唐代多向而频繁的对外交流而更加丰富多彩，赢得了世人的瞩目，以雄浑博大的气度为世界艺术抹上浓墨重彩的一笔。“唐人名手至多，吴道子笔法超妙，为百代画圣！”吴道子画风中纵横健拔、高扬揭举的气势，昭示着盛唐画风的开始。吴道子在这种环境的影响下，迅速成长起来。吴道子人物画的出现，是中国人物画史上的光辉一页。他吸收民间和外来画风，确立了新的民族风格，即世人所称的“吴家样”。就人物画来说，“吴装”画体以新的民族风格，照耀于画坛之上。 ?一吴道子生平

?吴道子，又名道玄，河南阳翟（今禹州市）鸿畅乡山底吴村人，幼年贫穷孤苦，但画史记载他“年未弱冠”，已“穷丹青之妙”。他是一个“幼抱神奥”早熟的画家，也是一个全才的画家，据记载他的作品有《送子天王图》、《道子墨宝》、《朝元仙仗图》等。他的画与张旭的草书、斐旻的剑术，被誉为当时的“三绝”。传说，吴道子于洛阳曾遇到书法家张旭和剑手斐旻，斐旻请吴在天宫寺为他亡故的双亲作壁画，吴不受金而请斐旻舞剑以壮气。舞毕，奋笔，俄顷而就。张旭也在那里写了一壁字。洛阳人都说：“一日之中，获睹三绝，真乃人生之幸事”。 ?二吴道子的画风——吴家样 ?在绘画史上，画家的创造，被尊称为“样”的有南朝张僧繇的“张家样”，北齐曹仲达的“曹家样”，唐吴道子的“吴家样”，唐周昉的“周家样”。那么何为样呢？“样”即“样子”，即楷模的意思。在艺术上要给人以楷模的作用，首先要具有独特的风范，吴道子的绘画是由张僧繇发展而来的，但在多样地、富有变化地反映现实生活这一方面超过了张僧繇，固有“至其变态纵横与造化相上下，则僧繇不能及也”。“吴家样”固然有吸收“张家样” 长处的地方，但是吴能巧变，不受张之“法度”的束缚。他也受到凹凸法的较大影响，成为继“张家样”以后更成熟的宗教画样式。然而吴道子的创造力和革新精神集中表现在他既熟悉凹凸法又不为这种技法所囿，他基本采用白描画法，用线或主要用线，

浅谈中西方园林之比较

浅谈中西方园林之比较摘要：本文从自然条件、社会发展状况、宗教思想和人们文化生活的角度分析中西方古典园林的各自特点，通过实例比较，进而阐明了中西方园林的不同，以便我们对中国园林和西方园林体系有一个辩证的认识。关键词：中国；西方；古典园林；艺术；影响；差异源于黄河、长江两河流域的东方文明和源于幼发拉底河、底格里斯两河流域的西方文明，是构成人类文明两大体系的发源地。就是我们习惯说的“东方”和“西方”，是用它代表两种文化的概念。中国被称为世界园林之母，是东方园林的典型代表，中国园林是一种由文人、画家、造园匠师们创造出来的自然式山水园林，追求自然之趣是我国造园艺术的基本特点。西方古典园林设计起源于布置园圃，同时受到建筑思维的影响，它的整齐、规则、中轴对称、几何布局成为主要的造园手法，植物多表现为“刺绣花坛”之类的趣味图案，道路笔直，以此表现人工美。其中意大利、法国、英国的造园艺术堪称是西方古典园林的代表。中西方古典园林在不同的自然条件下形成各自风格 1.1依托自然条件和人为表现下形成的有特色的中国传统园林。“中国位于北半球，国土面积约960万平方公里。西边，有喜马拉雅山；东边和南边，有太平洋；只有在北边，没有天然的疆界来抵御历史上有名的入侵。三条大河，从西到东，几乎贯穿了中国大陆：即黄河、长江和京杭大运河。北部有广阔干燥的黄土高原，中部有湖泊、溪流和洪水冲积而成的农田，南部有延伸入亚热带地区的人迹罕至的山脉”[1]。中西园林由于历史背景和文化传统的不同而风格迥异、各具特色。尽管中国园林有北方皇家园林和江南私家园林之分, 且呈现出诸多差异, 而西方园林因历史发展不同阶段而有古代、中世纪、文艺复兴园林等不同风格。 1.2依托自然条件和人为影响下形成的西方传统几何式园林。“阿尔卑斯山和比利牛斯山将欧洲大陆分为两个气候地区，地中海气候区和大西洋气候区。通过水路与陆路的相互渗透，恶劣的气候才得以避免，从而也鼓励了航海的发展”[1]。西方园林，是以十六世纪意大利文艺复兴时期发展起来的造园艺术思潮为基础，于十七世纪下半叶在法国形成的。这种园林崇尚开放，流行整齐、对称的几何图形格局，通过人工美以表现人对自然的控制和改造，显示人为的力量。它一般呈具有中轴线的几何格局：地毯式的花圃草地、笔直的林阴路、整齐的水池、华丽的喷泉和雕像、排成行的树木（或修剪成一定造型的绿篱）、壮丽的建筑物等，通过这些布局反映了当时的封建统治意识，满足其追求排场或举行盛大宴会、舞会的需要。其最有代表性的是巴黎的凡尔赛宫。这种古典主义的园林，曾得到当时社会的推崇，其中更多的是诗人、画家们的赞许和歌颂，也就赋有了在当时社会上风行的“诗情画意”和特有的“意境”。而只有揭示“诗情画意”和“意