浅谈现代油画的形式美

形式美就是现实形象或艺术形象的形式之美、它包括构成形象的色、线、形、音、这些形式因素有规律的组合的美。形式美是一种具有相对独立的审美对象，而油画作品的艺术形式美对构成的规律和语汇的探索是不可回避的课题，同时也为油画的艺术创作活动提供了广阔的空间。

与其他艺术形式相比，油画天然石二维的一部浩瀚的油画史，一方面一直伴随着真实空间对二维的表现形式的挑战和二维依托媒介对空间描绘的幻觉；另一方面是平板画面表现的物理事实。从这个意义上讲，油画作品艺术的表现形式主要体现在：一是油画艺术的依托媒介的物理事实；二是客观形态作为油画形象自身所包含的抽象意味。我们可以把这两点称作油画艺术的装饰美感。无论是具象还是抽象形式油画艺术的画面结构方式是艺术家创作风格的一个重要标志。其组织要素往往表现出节奏、韵律、比例、均衡等组织秩序和排列关系，这些视觉符号在形式上的延展与进退关系概括起来有以下几种情形，应该说这些情形是把握了油画艺术形式美感的重要尺度。

在一幅好的油画作品中，色彩给人以强烈的吸引力形式给人以无限的想象力印象派画家所表现出来的大胆的奔放的笔触绚丽的色彩、意蕴的边线等营造了作品较为深远的意境，在当代绘画中画面中的形式构成了画面的骨架，构成了的元素极其重要如果说色彩和形式是画面的内在美，那么构成则是画面的内在美那么，构成则是最直接的外在表现。

按照美的规律对生活素材进行选择、加工、概括、提炼构思出主观交融的审美意象，然后再使用物质材料将审美意象表现出来，最终构成内容没与形式美相统一的艺术作品。另外在艺术创作中，首先要艺术构思，是“形之于手”。是更为艰辛的实践操作过程，同时是前者的实现过程，也是艺术构思的深化、充实、修正和提高的延续过程、还是不断检验原来的旧构思、探索、推进新构思的过程。我想每一个艺术家的的创作经历是不同的但创作的理念应是相近的。艺术创作过程就画家不同因素，创作过陈是不同的。艺术创作是艺术家运用一定的艺术媒介创作形式的过程，是艺术产生过程中一个复杂的审美创作活动，创作过程伴随作者强烈的心理活动因素遵循绘画产生的特殊规律。艺术传递是艺术家借助一定的物质材料和艺术语言将构思成熟的艺术形式转化为艺术作品。无论是什么画种都是由一定的物质材料用你的绘画语言表现出来我在艺术传递我重点表达色调，意象，构成，技法，因为我是用这些因素来表达自己的心灵，每一张新画的开始，都是一个新生命的脱变。

中国著名画家吴冠中曾这样写到“我爱绘画中的意境，不过这意境是结合在形式之中，首先通过形式才能体现。用绘画的眼睛去挖掘形象的意境，这就是我艺术生涯的核心........《油画实践甘苦谈》”

他对传统中国画和油画形式的融合有专门的探求。作品《富春江畔》（1963）、《富春江》（1963）、《微山湖》（1962）等作品可以看到他对传统山水和树木画法的采用，中国传统绘画中的审美意境."空灵"、"萧疏"、"淡泊"、"飘逸".时而直接时而含蓄地流露于画面之中。显然这些情调与油画材料的凝重、具有塑造性等性质有距离，为此吴冠中运用了水彩画法，让水性稀释油性的"滞重"感。但是要看到，吴冠中最有中国特色的作品还不仅仅是发挥"水性"的形式，而是更有综合内容的，包括对色彩的平面化处理，点、线、面的抽象结构和简化了的具体物象关系，以及油画色彩的浓重和丰富性与中国民间艺术清新明朗的格调和传统中国画淡雅清澄趣味的结合等等。

这一阶段的一些作品颇能体现他70年代的艺术风格，如《人寿年丰》（1959）、《蓖麻》

（1962）。作品截取花果和草木的枝头或半枝进行重点突出的描绘，这种方式突出画面主要部分，非常有利于构成和用笔以及线面组合的形式探究，并且主要对象的形状和特性也能保留，为他的"风筝不断线"目标服务。《桑园》（1963）更是一幅既重视线条和块面关系，又注重环境特点和气氛的画，画面远处的山和近处的地面处于同一色系中，只以白色直线来区别山和树，如果不去理会这是山那是树，那就是一幅由曲线、直线构成的简洁的抽象作品。

在创作过程中油画的形式美不仅表现在它的色彩、构图、还在于它的材料的运用比如肌理的效果肌理是绘画语言元素的重要组成部分，是运用颜料厚薄不同的笔触或其他方法在画面上形成的表层效果16、17世纪欧洲的许多画家已经把笔触作为重要的油画造型手段、笔触的运用已经和画家的风格特征产生了密切的关系、肌理一词在英语中为texture特指质地、纹理、肌理、质感结构。汉语中的肌理应是从法语matiere中直译过来的广义上有物质材料之意。因此肌理无论在英语还是法语或者在汉语中都有物质的纹理结构所呈现的形态。

在视觉艺术中，肌理也是有不同的材质和不同的处理手法形成的，应该说是集质地形式于一体的不可分割的概念在当代艺术中无论是绘画、设计、建筑、音乐、雕塑、陶瓷、甚至包括语言的艺术，都有人借助肌理这个概念进行解释

绘画描写客观存在的物象，并不是也不可能完全真实重现客观物象的全部属性而只能是以特定的绘画材料与技法模仿客观物象某些特征。其实质是以义务去象征性的仿制另一物的某些具象的美、而同时又保留原物像抽象的美从这里可以看出，那种为了塑造客观形象所留下的肌理痕迹、会使其具有完全意义上独特的形式美感。

中国水墨画的意境美

中国水墨画的意境美摘要：中国水墨画的灵魂就是其意境，对意境的渲染是水墨画家毕生追求的艺术境界。本文从意境的起源和发展，水墨画意境的内涵及其表现来探讨欣赏水墨画中的意境美，以及画家如何让实现对水墨画意境的营造，从而能引发观赏者无限的审美想象空间。关键词：水墨画；意境美中国水墨画中的意境是指在水墨绘画作品中，画家在描绘事物的基础上表达自己的思想感情所形成的一种艺术感染力，它所呈现出的那种情景交融、虚实相生的形象，能使观赏者通过联想产生共鸣，开拓韵味无穷的审美想象空间。一、意境的起源与发展意境一词最早见于唐代王昌龄的《诗格》，其中称：诗有三境，提出了意境、物境、情境三境说：继而中唐诗僧皎然在《诗式》中提出了境这个美学范畴；刘禹锡对境的美学范畴做了最明确的规定：唐末司空图在《二十四诗品》中列举出了二十四种意境；明代朱承爵在《存余堂诗话》中则进一步明确地使用了这一概念，他说：作诗之妙，全在意境融彻，出声音之外，乃得真味。王国维总结了前人成就，结合西方美学的观念建立比较系统的意境说，他在《人间词话》中说：文学之事，其内足以摅已，而外足以感人者，意与境二者而已。上焉者意与境浑。其次或以境胜，或以意胜。苟缺其一，不足以言文学。意境是中国古代画论的中心范畴，也是中国古典美学的一个重要范畴。叶朗认为，从逻辑的角度来看，意境说在中国古典美学体系中占有重要的地位；从历史的角度看，意境学说的发展又构成了中国古典美学史的一条重要线索。从古至今的艺术实践活动中，意境的使用范围逐渐扩大，意境也由一种审美范畴提升至美学精神。二、水墨画意境的内涵意境不仅是中国古典美学的重要范畴，它还是画家创作的原则，更是观赏者的欣赏原则。在水墨画中，塑造意境的不是普通的形象，而是富有生命力和感情的形象，它不是满足于对有限的客观事物的外在形式临摹，而是画家在有限的空间之中去表现无限的感情，塑造出意外之意象外之象，因此，意境能体现出主体与客体、虚与实、动与静、情与景等诸方面高度的完美统一，从而能引发观赏者无限的审美想象。意境是中国水墨画体系的精髓，凝聚着中国水墨画艺术的根本精神，是绘画作品追求的最高境界。李可染说过意境是艺术的灵魂，是客观事物精萃部分的集中，加上人的思想感情的陶铸，经过高度艺术加工，达到情景交融，借景抒情，从而中表现出来的艺术境界，诗的境界，就叫做意境。郭熙说：千里之山，不能尽奇，万里之水，岂能尽秀&&一概画之，版图何异?由此看出，有意境的水墨画要剪取客观事物中的精华，而决非像图经一样罗列排序，不能仅仅成为自然的模仿，而应表现出作者感情与思想。清代石涛说：夫面者，从于心者也。在水墨画中，精神的渗透才是最为关键的。因此，画家追求的意境，就是追求一种情景交融华物的艺术境界。没有景，情感就不能从主体转为客体表现，因为景物是有形的，而情感是无形的，以情入景、以景载情，就能以形写神，传达出水墨画的精髓。因此，水墨画中的意境的关键就在于作者不是对景物进行匠气的铺陈、描摹，它不求完全再现，而应该如相中之色，水中之月，镜中之象，给予观赏者无限的遐想空间。三、水墨画中意境美的体现水墨画中的意境美，是由画家在水墨画创作的审美意识上具备的两个条件所组成：一是客观事物的艺术再现，一是主观精神的表现，二者有机结合，主要体现在以下三方面： (一)水墨画的意境美体现在诗画同源清代美学家叶燮说：画者形也，形依情则深；诗者情也，情附形则显。苏轼也强调诗与画在创造审美意象方面的共同要求，他说：诗画本一律，天工与清新。他在评价王维的的画时说：味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗。点出了画的意境，道出了中国水墨

论浅论中国画之墨色美

论浅论中国画之墨色美中国画是一门融汇中华民族文化的丰富内涵，注重精神的注入，着意抒情写意的艺术。中国画的形式美凸显了中国画的艺术精华。广义地来看，形式美就是美的事物的外在形式所具有相对独立的审美特征。狭义来说，形式美是指构成事物外形的物质材料的自然属性（色、形、声）以及它们的组合规律（如整齐、比例、均衡、反复、节奏、多样性的统一等）所呈现出来的审美特性。通常我们所说的形式美，主要是指后者，即相对抽象的形式美。中国画的形式美就本文而言是指中国画运用特有的绘画工具和材料如毛笔、墨、宣纸等，运用表现技法形成了一整套的用笔用墨规律，通过对形象的概括，笔墨的描绘，意境的渲染，创造出独具特色中国画的形式美。在艺术发展多元化的今天，从形式美的角度对中国画进行审美具有现实的意义。从深层次的看，构成画面形式的基本因素是点、线、面和色的黑、白、灰因处理手段不同所产生不同的情绪和性味。而笔墨是传统中国画的主要造型和表现手段。通常把产生线条的方式及其结构如勾勒、皴擦、点，叫做用笔，把墨色的色相如焦、浓、淡、重、清或含水多少不同而引起的枯湿效果叫用墨。关于中国画的笔墨理念的发展。从古代文人画到现代出现的商品画，都在讨论笔墨的问题。第一感觉冲击力给观众以最直接的审美感受，中国画的形式可以千变万化，但它的核心原则归结为天人合一的特点。中国传统画中笔墨，经过上千年的发展，已经形成一套形式美的规律，他指导着中国画的创作和发展，成为民族绘画的精粹。创新艺术才能保持其本质的精魂，故艺术创作不能墨守成规，那么如何看待我们中国传统绘画在笔墨上的遗产，如何正确吸收现代在与中西文化碰撞之下的有益成分和发展中国的笔墨形式之美，这就值得去深入思考探索的问题。本文就笔墨这方面来进行论证。中国绘画特别是中国写意画作为一种独特的艺术门类，有比较显著的特点：对自然美的表现力。正因如此，中国写意画作品创作命题是永远的形式美。人们生活在形式美的的汪洋大海中，从日常生活用品及装饰品，其选择角度主要是形式和形式美。小是不起眼睛的东西，大到衣、食、住、行，人们都有这种选择的经历。在艺术欣赏方面，园林建筑、音乐、书法等门类的形式美欣赏，已经近乎必然。惟独对绘画这个最具有强的形式美的艺术门类，却往往站在具象的角度进行挑剔和品评。栩栩如生很像已成为庸俗评论的习惯。这和绘画的原始功能物状写实的影响分不开的，但不管怎么样，撇开形式美来论中国绘画，很不妥当。构成画面的形式美的基本因素是作为形的点、线、面和作为色的黑白灰。而中国画偏偏具备这些特点，具备有独特的审美价值。中国画也叫水墨画。画中国画要用笔墨，鉴赏中国画要论笔墨的形式美展开来论的。笔墨是中国画最重要的，不可缺少的造型手段和表现手段。国画大师石涛认为，笔墨的功能：一是行天地万物;二是从于心。即主张再现与表现统一。石涛的笔墨论，除了讲究以上功能之外，在相对独立的形式美方面，主张笔墨分中有合，合中有分，和谐统一。形式主义，自然主义与他的相对论是相对立的。一、笔墨的概念及关系笔墨是构成绘画色彩形象的技法手段的总称。通常把产生线条的方式及其结构如皴，擦、勾、染、点，叫做用笔，把墨色的色相如焦、浓、淡、重、清或含水多少不同而引起的枯湿效果叫用墨。笔墨是构成中国艺术特色的一个重要组成部分。绘画的意境，构图都最终靠笔墨来完成，笔墨具有材料学和色彩学形象的双重内涵，因此，对笔墨的研究必然成为探讨中国画的一个重要问题。笔法和墨法在理论上是可以分开的，但是，墨随笔出，笔法必兼用墨法，笔中有墨，墨中有笔，所以二者关系是相互依存，难以分开的。李可染说实际说来，笔和墨是难以分开的，用墨好多由于用笔好，不善于用笔而善用墨的很少见。笔墨中国画充分运用毛笔的

中国画的勾线方式与技巧

中国画的勾线方式一、骨法用笔这是谢赫"大法"中的第二条。"骨法"系指形体结构．包括面貌、骨骼的部位，"用笔'概指笔下所表现出来的技巧。连起来讲，是说明用笔不能脱离开形体与结构的准确性，二者是紧密相连的。晋代顾恺之已经提出了骨法的要求，但他尚未与用笔联系在一起，通过今天广大国画家的实践，对“骨法用笔”方面又有了新的涵义。这是因为过去谢赫"六法"的制定是专对人物而言的，现在用这一条指导绘画，既应体现其原有的同于人的结构，又应体现用笔之骨力。在用笔方面，也比古代的线法描法，有了更多的发展，即状物写形中同时要使用笔与形体一致，不绵软、不纤弱。单从用笔的要求上，荆浩还提出过筋，皮、骨、肉的四势之说，更加丰富了不同等线之变化。二、中锋与侧锋毛笔的笔头共分三段，最关的部位是笔尖，中部是笔腹，与笔管相接的为笔根。通常绘画使用的是笔根以外具有弹性的部位，国画一切技法变化都是笔锋与笔腹作用于纸上的结果。中锋执笔是将笔管垂直．与纸成90度，笔尖正好留在墨线中间，画出的笔线挺拔流畅，一般使用于勾勒人的面部及衣纹等各种物体的轮廓线。侧锋的执笔是把笔管横卧。与纸成各种角度，笔尖不在墨线中间，笔尖一边光，而笔腹的一边毛，并有飞白的效果，山水人物画在皴、擦部位上多用侧锋，画出的线有厚、重、毛的感觉。在轮廓部位上多使用中锋为佳。除了白描以外，一幅画常要中、侧锋合用，大多数画家是如此，但也有象元代画家倪云林偏爱用侧锋去画山石的。

三、藏锋与露锋藏锋是为了使笔线含蓄而不露火气，有意不露锋芒，以强调某些物体的质感。藏锋的用笔有钝拙之意味。露锋用笔是在笔画首尾处都留下明显的笔痕，看起来锋芒毕露。藏锋和露锋，在书法上吸取了许多经验。藏锋，采用了书法的笔法，即在落笔时，线条当往右行的笔先往左行，收笔时再向左缩回，于是头和尾的锋芒裹藏在内了。凡是按照自然书写习惯顺序行笔的，都叫顺锋，比如画一道线，一般习惯都是由左往右拉，要是画直线，一般则由上至下拉，这样的笔锋则呈顺势，如果采用相反的方向，把笔锋逆转来画，笔锋也采用逆势，这就是逆锋用笔。还有一种逆势，是笔锋向正向行笔时，中间突然逆向，笔毫则逆着纸面磨擦而前进，趁着这种散开的笔头画下去，可取得一种特殊效果。凡表达光滑平整之物体质感，可以用顺锋，获得圆润、流畅的效果。凡表达一些粗糙物体的质感，以逆锋的效果为佳，亦应斟酌内容之需要，使顺锋送锋交互使用。四、转折提按 "转"是画圆的手段，“折”是画方的手段，“提”是画细的手段，"按"是画粗的手段。就其形成线的基本形状来说，就是方圆粗细。手段可以千变万化，其基本行笔不外是圆和方两个最基本线型，由此变化而至于无穷。画方线的转折处，称为桥笔，行笔当折时按一下笔锋而成桥。但圆的转法与折不同，在转弯处要把笔管轻轻捻动一下，这样的转笔可不露生硬的痕迹，墨也不会渗出疙瘩来。如画人脸的轮廓、梅花瓣，都多用圆匀之线型，转运流畅的画出。

浅谈中国画线描之美

浅谈中国画线描之美袁博【摘要】美术作品中重要表现因素——线。线亦称线条,是人们在认识世界、反应世界中所对自然及生活形态中最概括、简明的表现形式。中国历代画家以线条为造型运用的基本手段,在实践中积累丰富的经验,概括出许多以线描为形式的艺术美。画家通过这些基本技法来表现所描绘的对象,从而通过运笔、行笔的提、按、转、折的力度;以及线条的长短、粗细、疏密、浓淡的节奏感;还有绘画艺术本身所表现的思想感情的情感美,来给所表达的内容增加了艺术的表现力。【关键词】线描白描骨法用笔用笔一、中国画的线的概念 1.美术中线的概念线是美术作品的重要表现因素,也是必不可少的因素。在二维空间中,线是面的边界线。在三维空间中,线是形体的外轮廓线和标明内在构造的结构线。线亦称线条,线条是绘画中人们认识和反映自然形态时最概括最简明的表现形式。在写实的绘画中,线条体现为画家对物态质感、量感、重力与动速的客观感应,线条依附于物态性质,反映出曲直、粗细、润涩、软硬等不同特征。中国历代画家以线条为造型最基本的手段,在长期实践中积累了极为丰富的经验。如各种描法,山水画的各种皴法等。 2.线的发展中国画简称“国画”,指在中华民族长期的悠久历史长河中形成和发展起来的、在世界美术领域中所自成独特体系的中国民族绘画。它是用毛笔、水、墨及中国画颜料,在特制的宣纸或绢素上作画。（1）在表现题材上可分为人物画、山水画、花竹画、禽鸟画、畜兽画、鱼虫画、宫室画等之分。（2）在表现手段和技法上,又可分为工笔、写意、钩勒、没骨、设色、水墨等画法,各有蹊径、各有特色。（3）按幅面样式,可以分为立轴、横卷、册页、扇面等款式。中国画讲究笔墨、线条运用、墨色和轻重色彩,通过钩、皴、点、染;干、湿、浓、淡并用,来表现客观物象的结构。运用虚实、疏密结合和“留白”等手法来取得巧妙的构图效果。中国画的空间处理比较自由灵活,即可以用“以大观小”法,画重山叠嶂;也可以用“走马看山”法,画长江万里。中国画也重视“形神兼备”、“气韵生动”,不但主张要“外师造化”,而且还要“中得心源”。民族的就是世界的,在世界美术领域里中国画具有特立独行的民族形式和表现风格。在描绘物象上,中国画主动运用线条、墨色来表现形体及质感,有高度集中的表现力,并与诗词、歌赋、书法篆刻相结合,达到“形神兼备”气韵生动的效果。二、线描的艺术美 1.线描技法在中国绘画艺术的历史中,线始终作为画面的重要组成部分和造型的主要手段而存在和发展,形成了独特的民族绘画艺术风格。要研究中国绘画艺术的特点,必须从研究线开始。用线来表现人们的思想,早在远古的结绳记事就已开始,绳即是线。象形文字的出现及其演变与发展的过程,与线有着深刻的密切的同源关系。线是中国绘画造型的基本手段,不同于西画,西画主要依靠明暗色调,通过光投射到对象上所产生的明暗变化来造型。中国画则主要依靠线条来造型。线条不

中国山水画的意境模板

《中国山水画的意境》教案一、教材分析：追求意境的表现是中国传统教学思想的重要组成部分，是中国画的重要特征之一。山水画中高山大川的雄浑厚重，小桥流水的清秀恬淡；山间云雾缭绕，小路曲折婉蜒；楼台耸立，船帆点点……让我的感受到画家对故土，对大自然的那份。那份痴性，带给我们充满情趣的，有独特意境的美丽享受。意境是山水画的灵魂，对意境的创造是山水画家毕生追求的艺术境界。本课的设置，旨在引导学生从认识山水画所表现的意境的美入手，感受山水画独特的艺术美感。了解画家是怎样通过笔墨的运用、构图的安排、虚实的处理来实现对意境的营造的。对于山水画的学习，力求改变过去过于注重技巧，过于强调皴法而无暇顾及在画中表现意境的现象。让学生对中国画的精神与特点有一整体的了解，从品味意境、享受意境，到用笔墨大胆、自由地表现意境。 1、教学目标（1）、情感目标：本课注重培养学生对中国山水画的分析、理解，了解山水画的成就及有关画家，使学生热爱中国传统绘画，感受自然与艺术的丰富多彩，从而更加热爱大自然、热爱生活、热爱我们伟大的祖国。（2）、认知目标：①欣赏中国山水画作品，感受历代画家是如何用山川之景抒画家之情的，是如何在丰富多彩的自然美中表达中国人的自然观和审美观的。②分析山水画作品中意境中表现，初步理解对意境营造是画家追求的艺术境界，是山水画的灵魂。

（3）、能力目标：尝试选用（或作）一首小诗或散文，概括地表达出你所喜欢的山水画的意境；或用学过的笔墨技法，画一幅有意境的山水画，并配上自己喜欢的诗句散文。 2、教学重点：通过对山水画构图、空白、墨色的分析，使学生了解中国山水画是怎样表现意境 3、教学难点：中国山水画与西方风景画在思想、技巧和形式上的不同点是什么？ 4、学习材料：教具：多媒体设备，山水画所需用具。学具：风景照片、山水画、纸、墨、笔等中国画的必需用品。二、教学过程（一）图片欣赏，激发兴趣，导入新课（多媒体课件画面出现关山月傅抱石的《江山如此多娇》，这幅画是他们共同合作专门为装饰人民大会堂而绘制的大型山水画。师问：看画面你能想到哪首古诗词？生：毛泽东的《沁园春雪》北国风光，千里冰封，万里雪飘。望长城内外，惟馀莽莽；大河上下，顿失滔滔。山舞银蛇，原驰蜡象，欲与天公试比高。须晴日，看红妆素裹，分外妖娆。江山如此多娇，

浅谈中国画与中国诗的关系

一、前言中国的艺术家和西方的艺术家一直都在商讨诗和中国画的关系，但是他们各自都有各自自己的看法和观点。西方艺术家认为诗与中国画存在着根本性的差异，但是两者也是有关联的，可以合二为一。如黑格尔认为诗歌有音乐的一面，也有绘画的一面，西蒙尼蒂斯也说过“画是静默的诗，诗是语言的画”。而中国艺术家则认为中国画与诗存在着许多的共融性，本来就是感情的产物，两者相互的交融在一起，可谓“诗画本一律，天工与清新”。中国画与诗的关系的研究已经不是一个新的话题了，在很久以前已经有许多的艺术家对此做以了解和研究，并且得到了一定的研究成果。我们可以说诗与中国画都是人类的本性加之感情的结合体。不管是的从《诗经》中的“昔我往矣，杨柳依依，今我来思，雨雪霏霏”，还是到了唐代的“竹喧归浣女，莲动下渔舟”。这些作品的艺术表现形象和作者内心的感受都讲究的是意境美，也就是说意境美是主观与客观相互交融的产物。例如明清时期的书法家方士庶说：“山川草木，造化自然，此实境也，因心造境，以手运心，此虚境也。虚而为实，是在笔墨有无间。”也有人说诗与中国画是两种不同的艺术变现形式，虽然他们之间有许多相互交融想通的地方，但是这两种艺术也是不可以相互替代的，也就是说这两者之间也存在着差异性，它们在某些表现形式上也是不通的，各有各的表现领域。一、诗与中国画的传统性诗与中国画的关系是特别密切的，它们在很久以前就存在这相互交融的地方，而且两者也是相互影响着，并且在发展中相互影响和督促，使它们都经受了艺术文化的层层洗礼，最后向人类见证了发展的必然性。我们可以清楚的看到，在中国的传统艺术文化中，诗和中国画都是依托于艺术形象来表达它们各自的思想感情和人生领悟，用语言艺术与大家一起分享艺术的领悟。无论它们两者是在艺术精神，或者还是在内容，意境，审美情趣上都有着交融性和共通性。中国的诗词绘画开始联系是因为刘褒为《诗经》上的《北风》、《云汉》二首诗作了两幅插画，《洛神赋图》就是晋代顾恺之为《洛神赋》所画的插图。在晋代末期陶潜创作了田园山水诗，并且在这个时候大批的田园山水画家开始出现在画坛，从此诗与中国画的逐渐的结合，在唐代兴盛了起来，在那个时候诗人会给自己所作的诗作画，画家也为自己所画的画作诗，为以后的诗画的发展做了铺垫性的作用。到了宋代，诗与中国画的关系变得更加的密切，已经发展到了成熟的阶段，并且总结了“诗中有画，画中有诗”的美学原则。现在这个原则已经成为了千古定论，所有的诗人和画家都会以这个原则为最高的目标和创作目的，在诗和中国画的创作中有意识的向这个原则靠拢，同时这个美学原则也成为了诗与画创作的美德形式和标准。从中国的史料上看，中国画流传下来的要比诗多的多，也久的多。例如中国画的岩画、彩陶艺术等等美术作品，这些作品不仅形式各种各样，而且色彩也比较单纯，主要是以线条的美感来丰富作品的内容和美化画面，而诗保存下来的作品相对来说就少了许多，剧资料记载，诗歌保留最完整的也只有《诗经》和《楚辞》这两部巨作的了，这两部诗歌不仅都充满了时代精神，还为以后的诗和中国画的创作创造了条件。它们的形式多种多样，内容丰富多彩，还有浓郁的生活气息，使诗与中国画的结合成为中国艺术文化的一种主要表现形式。诗是用一种语言来表达的艺术变现形式，他用简练的语言表现现实的生活，中国画属于造型艺术，它用色彩、线条等来描绘出一个人或者一个事物的形状以表达出思想感情。中国画多是以意造境，究竟是为了意境美，在这一点上诗也是一样。中国画与中国诗词具有同样意义的意境美。二、诗与中国画的互补性（一）、诗中有画对于诗与中国画的结合，我们讨论的不是形式的像与像，似与不似，重点是要放在诗画的本身去，也就这样说，诗不依赖于画而有画意，画也不会依赖于诗而有诗情。唐代大诗人王维的诗，多数都可以说是诗中有画，就像大家熟悉的“竹喧归浣女，莲动下渔舟”；“漠漠水田分白鹭，隐隐夏木啭黄鹂”。这些诗句虽然说不是绘画，但是它们的那种鲜明形象，活

部编版九年级山水画的意境精选试卷练习(含答案)1

部编版九年级山水画的意境精选试卷练习（含答案) 学校:___________姓名：___________班级：___________考号：___________ 一、字词书写 1．阅读下面的文字，完成下列小题。作者对描画的物件，必须要有深入的研究，有严格的选择、充沛．的感情、高度的加工。绝不能把描写物件变成说明性的图解或地理志，使观者看了suǒ然无味、无动于zhōng，这样当然谈不上什么意境。没有意境或意境不鲜明，绝对创作不出引人入胜的山水画。意境的创造不是一件轻松的事情，我在画水墨山水时，感觉到自己就像进入战场，在枪林弹雨中。因为画在宣纸上不能涂改，所以一点疏乎差错都不行。每一笔都要解决形象问题，感情问题，远近虚实、笔墨浓淡等问题。（1）根据拼音写汉字，给加点的字注音。充沛．（）suǒ（）然无味无动于zhōng（）（2）选文中有错别字的词语是“”，正确写法是“”。（3）“引人入胜”中“胜”的意思是（） A．胜利 B．比另一个优越 C．优美的景物或境界 D．能够承担或承受（4）把画线句改为反问句。 2．解释下列加点词在文中的意思。（1）做到“全马在胸”“胸有成竹．．．．”“白纸对青天”“造化在手”的程度，才能把握对象的精神实质，赋予对象以生命。胸有成竹：__________。（2）两个礼拜就画了一百多张，这当然只能浮光掠影．．．．，不可能深刻认识对象，更不可能创造意境。浮光掠影：__________。（3）一棵树、一座山，观其精神实质，经过画家思想感情的夸张渲染．．，意境会更鲜明。渲染：__________。（4）我们看颐和园风景，则是富丽堂皇．．，给人金碧辉煌的印象。堂皇：__________。 3．根据拼音写汉字，给加点的字注音。

阅读《山水画的意境》 (1)

阅读《山水画的意境》,回答问题。 1.下列关于山水画意境的理解,不正确的一项是() A.意境就是景与情的结合,画家通过对自然景物的描绘表现深厚的思想感情,山水画如果没有了意境,也就没有了灵魂。 B.意境的产生有赖于思想感情,而思想感情的产生源于画家对客观事物身临其境地长期观察和全面、深刻的认识。 C.意境在于有情趣有画意,山水画不是地理、自然环境的说明和图解,那些追求自然的画作说不上有意境,难以打动人。 D.山水画创作中,画家只有对所描绘的景物充满强烈、真挚、朴素的感情,有表达自己亲身感受的强烈愿望,才能创造别具一格的意境。 2.作者要说的是山水画的意境,为什么要在开头大篇幅分析诗歌的意境? 3.作者是如何论述“要深入全面地认识对象,必须身临其境,长期观察”这一观点的?你认为这个观点正确吗?请结合生活实际简要说明。 4.你如何理解“无论写诗、作画,都要求站得高于现实,这样来观察、认识现实,才可能全面深入”一句的深刻含意。 5.在摄影技术如此发达的今天,山水画是否会被取代?请结合文章内容简要分析。阅读下面的文字,回答问题。中国山水画的意境美颜景龙 ①中国山水画可谓是中国人情思中最为厚重的沉淀。历代山水画家在画面中充分表现笔、墨、气、韵的同时,更注重意境美的营造。意境是艺术的灵魂。我们欣赏画作时,时常被其内含的艺术魅力所吸引,被画外之意、弦外之情所打动、所陶冶、所感染,这就是意境美的作用。 ②中国山水画的空灵之美,是山水画艺术的主要审美趣味形式。空灵之空为静、为虚、为无,空灵之灵为灵气、为实、为有。空和灵是对立统一的。宋代马远的《寒江独钓图》中,茫茫寒江,一叶孤舟,渔翁独坐,钓丝漂浮,微波之外,皆是空白,营造出一种空灵、深远、简淡

浅谈中国画的“传神”与“意境”

龙源期刊网 https://www.360docs.net/doc/989879452.html, 浅谈中国画的“传神”与“意境” 作者：刘玉香来源：《青年文学家》2011年第15期摘要：中国古代画家们特别注重表现物象的神情气韵，挖掘隐藏在物象深处的东西。同时，也尽力把画家被客观物象所触动的内在最深层的情感诉诸画面。它的美学意义在于：抓住最深刻本质的东西，以简练的笔法，并通过这种有限的外在绘画语言，表现出某种无限的、极其生动的内在神韵和诗意。关键词：气韵绘画元素传神意境鲜明浓郁 [中图分类号]：J232.9 [文献标识码]：A [文章编号]：1002-2139(2011)-15-0132-01 对于一般人来说，能否欣赏一幅绘画作品常常是能否“看懂”，他们的欣赏步骤是：画的是什么？画得像不像？一般来说，工笔的、写实的作品就容易欣赏，因为它是具体、真实，看得懂。但如果是粗放的。写意的作品，尤其是水墨写意的作品，就较难欣赏了，因为它不写实，形象不具体，就看不懂，而且更无从知道作者的寓意了。当然，一般人用这种方法欣赏绘画是完全可以理解的，因为画得像，看得明白，才容易引起联想、产生共鸣。但是我们必须明白，一幅绘画作品的好坏，却不是以“像”或“不像”来衡量的。那么，画家们是怎样来看画的呢？就国画而言，内行人看画一般是看画面的整体气势，用美术术语来说就是先体味它的“传神”与“意境”，或者“神似”，然后再看它的笔墨趣味，构图、着色、笔力等。最后才看它的造型，即像不像或“形似”。内行人的这种抓“神韵”的欣赏方法当然是抓住了实质，因为“神韵”就是一种高的艺术审美享受，常常是中国画家们的追求达到的目标。当然，一般的人要从画中去体验到一种“神韵”却并不是一件容易的事，那不但需要一定的审美能力、艺术修养，也还需要具备一定的绘画方面的基本知识，特别是通过绘画而训练出来的一种“感觉”。所以要很好地欣赏绘画，还得具备多方面的才能和艺术修养。不难想象，在绘画作品的画面上，如果只是简单地罗列各种绘画元素及形象，没有感情的力量和气韵生动的形象特征，那必然会使画面显得单薄而平庸，从而令观众产生强烈的逆反心理，更不用说得到审美享受了。这样的结果，只能使画面的容量降到最低点。中国古代画家们是深知这一美学原理的，他们特别注重表现物象的神情气韵，挖掘隐藏在物象深处的东西。同时，也尽力把画家被客观物象所触动的内在最深层的情感诉诸画面。这种审美主体内心深处的情感和画面之表现效果的组合关系，常常使画面产生一定的容量。所以，中国画家在作画时，总是先对生活中的人和物静默观察、深入理解、蓄积情感，一旦抓住物象最能入画的瞬间即一挥而就，一气呵成。因此画出的物象也神气活现，气韵生动，富于生命的意味。所以，中国画家们为了追求物象的神似，往往对物象采取大胆取舍和夸张变形的手法，删去一切多余之笔，

浅谈中国画的线条艺术

浅谈中国画的线条艺术摘要：线条作为中国画的重要组成部分，是画家表达物象、抒发情感的重要手段。长期的艺术实践，使得线条形式变得极为丰实，产生了感人的艺术魅力。传统中国画以笔墨精致，形神兼备为上。于是线在国画中的运用就上升到了一个至关重要的层面。本文试图对中国画当中线的运用进行研究，了解中国画中的线所具有的丰富表现性，书法的关系与功能及未来发展趋向。关键词：线条；书法；绘画；艺术 ;中国画；造型功能与审美功能中国绘画在世界美术史上占有极其重要的地位，它笔墨丰富，意境深远，不求形似，追求神韵，具有独特的艺术表现力，其中中国画的线条艺术更是画家造型、传神的重要语言。中国画讲究抒情和写意，为了拓展更为广阔和自由的空间，用线造型言简意赅，更贴近画家的心灵，富有表现性。线一直是本民族根据自己生活方式、美学观念来思维的艺术语言。纵观中国历代绘画，在形式上一种明显的线条主题就展现在你的眼前，形式的真实性被揭示出来，非常一致地让可视的世界服从于线条，一切都包容在线的变化之中。引言线条，是中国画造型的重要手段，是最简练概括的表现语言，是带有主观性的，带有情感的，带有长的粗的细的曲的直的方的圆的快的慢的连续断续·····种种的线,在相互作用中产生节奏，形成韵律，表达情感，丰富的艺术效果和深藏在那些表达机构造型的线与线之间.同时，线也是独立的艺术要素.从古代艺术中我们已能见到线的广泛应用。第一章中国画线条与书法的关系 < 一 > 书面同源中国绘画在自身发展演进中，强调诗、书、画、印的有机结合，特别是书法艺术与中国画有着不解之缘，书法是线条的艺术，篆书、隶书、楷书、草书不同的书体有着不同的视觉感受，书法注重用笔的疾缓，线条的力度，书法中的点、划和绘画中的长短、曲直、刚柔、虚实有一致的地方；书法中的分行布白与绘画中的章法结构也有近似之处，至于书法中的韵律、节奏、格调、气势也有共同之处。“善画者必善书”、“言画法者，先明书法”。古往今来，优秀的画家从书法中汲取营养和获得灵感，籍以丰富国画的线条变化。赵孟颊有诗曰：“石如飞白木如籀，写竹还应八法通，若也有人能会此，须知书画本来同”借鉴书法的行笔走势，追求书法的线条变化，是画家们丰实绘画形式的有效手段。“书面同源”道出书法和绘画一脉相通的实质，吴昌硕先生有两句诗说得好，“诗文书画有真意．贵能深造求其通。”长期以来，书画家们互相取长补短，各取所需，共同发展。 < 二 > 书画同源中国画起源古代，线始终贯穿着中国文化的形成过程，象形字，奠基础；文与画在当初，无歧异，本是一个意思。我国夙有书画同源之说，有人认为伏羲画卦、仓颉造字，是为书画之先河。文字与画图初无歧异之分。陶器是新石器时代的产物，陶器分黑陶、白陶和彩陶。在新石器时代重要遗址西安半坡村出土的彩陶上，画有互相追逐的鱼，跳跃的鹿。甘肃永靖出上的一件摹拟船形的陶壶，工匠以单体的线，让场景活灵活现使我们如身处岸边，情景历历，它是研究中国画史的根源。在新石器时代的晚期，辛店和龙山诸文化遗址中，发现了我国最早的青铜器，它是器物，又是工艺美术品。常见的青铜器饰纹，有晏吞纹、云雷纹、夔

颜景龙《中国山水画的意境美》阅读答案

论述类文本阅读（本题共3小题，9分）中国山水画可谓是中国人情思中最为厚重的沉淀。历代山水画家在画面中充分表现笔墨气韵的同时，更注重意境美。意境是艺术的灵魂。我们欣赏画时，时常为其内含的艺术魅力所吸引，为画外之意、弦外之情所陶冶、所感染，这就是意境美的作用。中国山水画的空灵之美，是山水画艺术的主要审美趣味形式。空灵之空为静，为虚，为无；空灵之灵为灵气，为实，为有。空和灵是对立统一的。宋代马远的《寒江独钓图》中，茫茫寒江，一叶孤舟，渔翁独坐，钓丝飘浮，微波之外，皆是空白，营造出一种空灵、深远、简淡的意境。空灵之美一方面使画家在意境构成上获得了充分的主动权，打破了特定时空中客观物象的局限，另一方面也给欣赏者提供了广阔的艺术想象的天地，使作品中的有限的空间和形象蕴含着无限的大千世界和丰富的思想内容。中国山水画的外象之美不仅表现在画作本身，也包括画作以外的无限性，即“画外有画”。正如美学大师宗白华所说：“中国绘画所表现的精神是深沉静默地与这无限的自然、无限的太空浑然融化，体合为一。”山水画是一种哲理的最高境界，它不追求繁茺的世界，而是追求自然与人文的完美统一，是一种摆脱世俗的精神追求。从元朝的倪瓒，明清时期的石涛、董其昌等的山水画中我们所看到的不只是绘画的语言符号，更重要的是画家内在的精神追求。中国山水画的诗意之美，是中国绘画历来所提倡的。不论是《春山烟雨》还是《春浦帆归》，只看画题，就会觉得诗意盎然。诗意之美丰富了中国山水画的美学意境。真正山水画中的诗境，体现在画的构思、章法、形象、色彩的诗化，诗情与画意交融。宋代郭熙在《林泉高致》中说：“诗是无形画，画是有形诗。”诗画的一致，是中国山水画家追求的最高理想，也是中国山水画的最高境界。唐人王维以诗人的学养彰显画家的气质，在文学和绘画领域揭示了诗与画的关系，从而提出了山水画意境表现中的一个准则——画中有诗。比如他的作品《江山雪霁图卷》，画面上虽然没有像许多画家那样题上或多或少的诗词字句，却富有诗的意境。中国山水画中所具有的那种空灵美、外象美、诗意美的意境既是画家创造的终点，又是观者再创造的起点。当代中国山水画创作者，只有放开眼界，敞开胸怀，徜徉于大自然之中领受山川、风云、水石、林木际会之妙，铸就独特的艺术灵魂，方能构筑胸中意象，孕育笔墨语言，创作出有意境的作品，真正收到“代山川而言”。（选自颜景龙《中国山水画的意境美》，有删改） 1．下列关于原文内容的理解和分析，不正确的一项是（）（3分）

中国画意境

中国画意境相对西洋画来说，中国画有着自己明显的特征。传统的中国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉：而西洋画呢？则讲求“以形写形”，当然，创作的过程中，也注重“神”的表现。但它非常讲究画面的整体、概括。有人说，西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术，这是不无道理的。中国画与西洋画相比有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢？相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体

正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知的北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”；观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透机的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力轻则浮，力重则饨，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造型体，烘染气氛。一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之

人教部编版九年级语文下册《山水画的意境》基础训练2(含答案)

基础训练一、基础知识 1．下列加点字注音完全正确的一项是（） A.渲染（xuàn）诱惑（yòu）内疚（jiù）庇护（pì） B.惆怅（chóu）称职（chèn）停泊（bó）灵魂（lín） C.浮光掠影（lüè）真挚（chì）虐杀（nüè）津津乐道（jīn） D.开辟（pì）嫌恶（wù）暮霭（ǎi）踉踉跄跄（qiàng） A.庇护（bì） B.灵魂（líng） C.真挚（zhì） 2.下列词语中书写有错误的一项是（） A.身临其境狂妄自大搏斗崇高 B.胸有成竹缘物寄情气概颐和园 C.金壁辉煌朝朝暮暮意境歌颂 C 金碧辉煌 3.下列句中加点词语使用有误的是（） A.要深入全面的认识对象，必须身临其境，长期观察。 B.过去见一位作者外出写生，两个礼拜就花了一百多张，这当然只能是浮光掠影，不可能深刻认识对象，更不可能创造意境。 C.任何个人的成绩和人民群众的伟大创造比起来都不过是沧海一粟。 D.如果学习方法运用恰当，就会收到事倍攻半的效果。 D“事倍功半”形容花费的力气大，收到的效果小，这里指做事得法，因而费力小，收效不大，故应用“事半功倍”。 4.选出下列句子中没有病句的一项（） A．满山遍野到处都是鲜艳的杜鹃花。 B 王明常常背着妈妈去医院看病。 C 是否具有端正的学习态度是成绩好坏的关键。 D 广场上空奏起了胜利的凯旋乐曲。 C.此题考查学生对常见的语病类型的分析，常见的语病类型有语序不当、搭配不当、成分残缺、成分赘余、结构混乱、语意不明、不合逻辑。A．重复，把“到处”去掉。B．有歧义，1．背，读第一声，句子意思有两种，一是自己有病，看病时，带着妈妈。二是，妈妈有病，没有交通工具，只能背着妈妈去医院。2．读第四声时，句义是，自己看病不想让妈妈知道，是偷着去的C．搭配不当，“奏起”改为“响起”。要求学生多读课文，养成熟练地语感。识记常见的语病类型。

中国画的审美特征之意境

《中国绘画鉴赏》课程结课论文学期 2012-2013学年第二学期系（院）工商管理专业市场营销年级 2010级姓名学号日期 2013年4月成绩

中国画的审美特征之意境中国绘画艺术历史悠久，源远流长。她植根于华夏文化沃土，跨越不同时空，历经不同阶段，形成了融汇民族文化素养、思维方式、审美意识和哲学观念的完整的艺术体系，是世界艺术领域中的一朵奇葩，更是我们中华民族的国之瑰宝和骄傲。她所体现的艺术美蕴含昭示了深刻的人生道理及宇宙意义的最高境界。传统中国画在长期的历史发展中，形成了独特的艺术语言及审美特征。当然，“五四”运动以后，西学东渐，近现代中国画借鉴了西方写实主义的观念和技法，力图中西合璧。而当代的中国画更是不断创新，形式多样。但万变不离其宗，中国画的主要特征依然不变。以下将中国画的主要艺术特征概括为以下五个方面，其中第一与第二个方面尤为典型和重要。一、以形写神、畅神达意。 “形”指外在的形象，“神”是内在的精神。中国画不满足于“形似”，而要求“神似”。早在大约一千多年前，东晋画家顾恺之就提出了“以形写神”的原则。相传他画人物，数年不点睛，人问其故，答云：“四体妍媸，本无关于妙处；传神写照，正在阿堵中。”“阿堵”是六朝和唐代的常用语，相当于现代汉语的“这个”，在这里指“眼睛”。这句话指出，绘画的关键不在于对象的美与丑，而是重在“画龙点睛”，表达出人物的内心世界或精神意境，使其“含情而能达，会景而生心，体物而得神”。顾恺之的“传神论”奠定了中国画以形写神、重在传神的基础框架。何谓写意？“意”，指意志、意识、情意、意趣、意境等，即画家的思想感情。“写”，就是表达和抒发。“写意”就是画家“寓情于景”，“缘物寄情”，“托物言志”，通过绘画来表达抒发自己的思想感情。作画是为了“写意”、“写性”、“写心”，状物乃是为了“寄情”。例如元代画家倪瓒的《六君子图》。它表现的是江南秋色，近景坡陀上有六棵树，疏密掩映，直立挺拔，画的上部只有淡淡远山一抹。这六棵树分别是松、柏、樟、楠、槐、榆，都有其象征意义。黄公望题诗中指出：“居然相对六君子，正直特立无偏颇。”这也是此画叫做《六君子图》的原因。画家以枯而见润的笔墨，营造了湖光山色，荒寒空寂的意境，清淡的画面，既反映了画家看破沧桑、超然物外的思想情绪，又体现了他崇尚平淡天真的审美理想。写意既是中国画的一种表现风格，又是中国画总的艺术观念，它体现了中国画家的特殊审美取向。所以它也是中国画区别于其他外来画种的最基本特点。中国画的写意性，体现在各种形式的绘画中，无论是简括疏放、水墨淋漓的写意画，或工整细致、层层渲染的工笔画，都有明显的写意性，其笔墨或写或工，只是技法形式的不同而已，其写意传神的艺术特征一致的。写意画可以“逸笔草草，不求形似”，可以放笔驰骋，直抒胸臆。而工笔画工致细腻，严谨周到，但同时也追求写意的韵味意趣。如北宋画家范宽《溪山行旅图》，画面既工整细腻，又开放有度，既是工笔又是写意。该画层次丰富，墨色凝重，极富美感。扑面而来的悬崖峭壁占了整个画面的三分之二，细如弦丝的瀑布一泻千尺。整个画面气势逼人，使人感觉身临其境。山底下，是一条小路，一队商旅缓缓走进了人们的视野，给人一种动态的音乐感。马队铃声渐渐进入了画面，与山间潺潺溪水相应和。动中有静，静中有动。这就是诗情画意！我们从画面本身就能感受到画家本人的生活阅历、人生感悟及内心体验。范宽如果没有在终南山辋川一带的隐居生

颜景龙《中国山水画的意境美》阅读练习及答案

中国山水画的意境美颜景龙 ①中国山水画可谓是中国人情思中最为厚重的沉淀。历代山水画家在画面中充分表现笔、墨、气、韵的同时，更注重意境美的营造。意境是艺术的灵魂。我们欣赏画作时，时常被其内含的艺术魅力所吸引，被画外之意、弦外之情所打动、所陶冶、所感染，这就是意境美的作用。 ②中国山水画的空灵之美，是山水画艺术的主要审美趣味形式。空灵之空为静、为虚、为无，空灵之灵为灵气、为实、为有。空和灵是对立统一的。宋代马远的《寒江独钓图》中，茫茫寒江，一叶孤舟，渔翁独坐，钓丝漂浮，微波之外，皆是空白，营造出一种空灵、深远、简淡的意境。空灵之美一方面使画家在意境构成上获得了充分的主动权，打破了特定时空中客观物象的局限，另一方面也给欣赏者提供了广阔的艺术想象的天地，使作品中的有限的空间和形象蕴含着无限的大千世界和丰富的思想内容。 ③中国山水画的外象之美不仅表现在画作本身，也包括画作以外的无限性，即“画外有画”。正如美学大师宗白华所说：“中国绘画所表现的精神是深沉静默地与这无限的自然、无限的太空浑然融化，体合为一。”山水画是一种哲理的最高境界，它追求的不是繁芜的世界，而是自然与人文的完美统一，是一种摆脱世俗的精神。从元朝的倪瓒，明清时期的石涛、董其昌等人的山水画中，我们所看到的不只是绘画的语言符号，更重要的是画家内在的精神追求。 ④中国山水画的诗意之美，也是中国绘画历来所提倡的。不论《春山烟雨》还是《春浦帆归》，只看画题，就会觉得诗意盎然。诗意之美丰富了中国山水画的美学意境。真正山水画中的诗境，体现在画的构思、章法、形象、色彩的诗化，诗情与画意交融。宋代郭熙在《林泉高致》中说：“诗是无形画，画是有形诗。”诗、画的一致，是中国山水画家追求的最高理想，也是中国山水画的最高境界。唐人王维以诗人的学养彰显画家的气质，在文学和绘画领域揭示了诗与画的关系，从而提出了山水画意境表现中的一个准则——画中有诗。比如他的作品《江山雪霁图卷》，画面上虽然没有像许多画家一样题上或多或少的诗词字句，却富有诗的意境。 ⑤中国山水画中所具有的那种空灵美、外象美、诗意美的意境既是画家创造的终点，又是观者再创造的起点，是画家与观者之间沟通的桥梁。当代中国山水画创作者，只有放开眼界，敞开胸怀，徜徉于大自然之中领受山川、风云、水石、林木际会之妙，铸就独特的艺术灵魂，方能构筑胸中意象，孕育笔墨语言，创作出有意境的作品，真正做到“代山川而言”。（有删改） 14．请简要概述全文的论述层次。 15．第②段画线句使用了什么论证方法？有何作用？

论中国画的构图与意境

论中国画的构图与意境学号:200905002535 姓名:李秋娥经过对中国画的学习,结合自己对西方画的了解结合对比,我发现中国画很注重表现画面意境,不论是人物画、山水画,还是花鸟画,都特别注意表现对象的意境,中国画意境,是画家通过描绘景物表达思想感情所形成的艺术境界。它能使欣赏者通过联想产生共鸣,思想感情受到感染。绘画是否具有意境,这是作品成功与否的重要因素。而一幅画的意境如何也是一个画家的修养在画面上的综合反映。追求意境的表现是中国传统美学思想的重要组成部分,是中国画的重要特征之一。讲到意境我们首先想到的就是王国维,他在《人间词话》中把意境称为境界:“境非独谓景物也,喜怒哀乐,亦人心中之一境界。故能写真景物,真情感,谓之境界。”由此可见意境是情与景的交融。画家们将自己的情感注入作品之中,托物抒情,于是便有“写山则情满于山,画水则意溢于水”的意境。意境中的“意”也并非只单纯的情感或情绪,而是情中寓理,理中韵情,形成了中国画独有的意境。有人把中国山水画划分为“实境”“真境”和“神境”三种境界,意与境合为实境,思与境谐,以真境求神境。意境是中国绘画的一个核心范畴,是艺术家极力追求的一种艺术境界。从古至今很多艺术家都揭示过这个问题。六朝谢赫在《古画品录》中明确说明中国画意境表现为“六法”:“(1)气韵生动,(2)骨法用笔,(3)应物象形,(4)随类赋彩,(5)经营位置,(6)传移模写。”我们从中可以体会到意境是画面各个因素的高度融合。从写意画中,我们可以直接感受到“意境”。首先,中国画要求笔与墨合、情与景合。现实中无限丰富的景象,强烈的形象感染了画家。画家凭借着这种感受,激起描绘这些景象的激情,于是作品作为情景相生的复写而重现,使情景交融在一起;至于气韵生动,即是画家所创造的艺术灵境,不同于一般的写生画,应富有生气、新鲜而活泼,有诗一般的韵味,使观者神往无穷。