西方美术史年表
西方美术史年表
中国美术年表
西方艺术史导论
在我和很多绘画爱好者、刚刚进入艺术院校的学生交谈的时候，他们都会问我，我们究竟如何欣赏艺术？在面对艺术史上纷繁的作品时，我们究竟应该如何介入，这个问题其实并不是一两句话可以说清楚的。 实际上，我认为喜爱一件作品都有正当的理由。有人可能会因为一幅风景画使他想起家乡而欣赏它，有人会因为一幅肖像画使他想起一位朋友而喜爱它。这都没有不当之处。我们看到一幅画时，谁都会想起许多东西，牵动爱憎之情。只要这有助于我们欣赏眼前作品，大可听之任之，不必多虑。只是如果我们想起一件不相干的事情而产生偏见，如由于我们不喜欢爬山而对一幅壮丽巍峨的高山图掉头不顾时，我们才应该扪心自问，到底是什么原因引起了我们的厌恶，破坏了本来会在画面中享受到的乐趣。经常有些其实站不住脚的理由会使人反感一件艺术品。 大多数人喜欢在画面上看到一些在现实中他也爱看的东西，这是非常自然的倾向。我们有这种趣味，而那些艺术家也不负重望。弗兰德斯画家鲁本斯在给他儿子画素描时，一定为他的美貌而感到得意。他希望我们也赞赏这个孩子。然而，如果我们由于爱好美丽动人的题材，就反对其他作品，那么这种偏见就很容易影响判断。伟大的德国画家丢勒在画他的母亲时，必然像鲁本斯对待自己的孩子一样，也是充满了真挚的爱。这幅画如此真实地表现出老人饱经忧患的桑榆晚景，也许会使一些人感到不适。可是，如果我们能够介入其中，就能大有收获；因为丢勒的素描堪称杰作。在学习艺术史的过程中我们很快就会领悟，一幅画的美丽与否其实并不在于它的题材。我不知道西班牙画家穆里略画的那些衣衫褴褛的小孩子们是不是长相确实漂亮。但是，一经画家画出，他们的确具有巨大的魅力。反之，大多数人会认为德·霍赫这幅荷兰内景画中的孩子相貌平庸，尽管如此，作品依然精彩。 在看待一件作品时，很多时候的问题是，对于某物美不美，鉴赏的趣味大不相同。这两张画都是15世纪的作品，画的都是弹琴的天使。相比之下，很多人会喜欢意大利画家梅洛佐·达，福尔利的优雅妩媚的作品，而不大欢迎北方画家汉斯·梅姆林的那一幅。我则二者都喜欢。要想发现梅姆林画的天使的内在之美，也许要多花一点时间，然而，只要我们不过分计较他的动作略欠灵巧，就会发现他也是无限可爱的。 事实上，左右我们对一幅画的爱憎之情的往往是画面里某个人物的表现方法。很多人喜欢自己容易理解因而也能深深为其感动的表现形式。17世纪意大利画家圭多·雷尼在画十字架上的基督的头部时，无疑希望人们在这张脸上看出基督遇难时的全部痛苦和光荣。在其后的世纪里，很多人从这样一幅救世主画像中汲取了力量和安慰。这幅作品表现的感情是如此强烈、明显，以至很多地方都可以见到它的摹本，尽管我们很喜欢这种对感情的强烈表现，却也不应该因此就对表现方法也许较难理解的作品不屑一顾。这位画耶稣受难图的中世纪意大利画家对耶稣受难一事感受深切程度一定不亚于雷尼，然而我们必须首先学会理解他的绘画手法，才能了解他的感情。在逐渐理解了那些互不相同的绘画语言以后，我们甚至有可能对表现方法不像雷尼的画那么明显的艺术作品更觉喜爱。正如一些人比较喜欢言词简短、留有余意让人猜测的文学作品一样，有些人喜爱留有余韵让他们去猜测和推想的绘画或雕塑。在艺术史的一些阶段，艺术家不像现在这样精于表现人们的面目和姿态，然而看到他们依然是那样努力表现自己想传达的感情，往往更加动人心弦。 但是在这一点上刚刚接触艺术的人往往要遇到另一种困难。初学者乐于赞扬艺术家表现自己所见事物的技艺，他们最喜欢的是看起来“逼真”的绘画。我绝不否认这是一个重要的考虑因素。忠实摹写视觉世界的技巧确实值得赞扬，丢勒的水彩画稿《野兔》就是个很好的例子。但是谁能说由于细部描绘较少，伦勃朗的素描《大象》就必然相形见绌呢?伦勃朗不愧为奇才，寥寥的几道粉笔线条就使我们感到大象的皮肤重重的皱纹。 但是，对于那些喜欢绘画看起来“真实”的人，主要还不是粗略的画风触犯了他们。他们更为反感的是他们认为画得不正确的作品。在讨论现代艺术时，我们经常能够听到人们抱
《外国美术史》读书心得体会
《外国美术史》读书心得体会 本文是《外国美术史》读书心得体会，仅供参考，希望对您有所帮助，感谢阅读。 在整个世界中，无论是雕刻、素描或油画的描述都是获得视觉艺术最基本的一种手段：即在大自然中眼睛所看到的由五彩缤纷的色块所组成的独立的物体。在法国和西班牙洞窟中我们获悉人类最早的绘画作品勾勒的动物线条与大地或天空都毫无关系，即与视觉的直观无关，而与某种精神世界相联系的。如后来出现的复合重叠动物群和再后来有明确形象的，并结合着结构图案创造的画面也是如此。甚至某些非常复杂精致的二度空间艺术形式中的形象都属于这范围，画面一般被具体化了，不再是含糊不清的背景了，但是在西方人观念中这并不是背景。在古埃及画面经常覆盖着象形文字在中国是刻写铭文。加上色彩来点缀图象，勾勒线条和区分它们的各部分。色彩被作为绘画的表现形式，而不用线条勾勒轮廓，在欧洲是16世纪才开始的。在西方，绘画技巧的采用是特殊的欧洲绘画观念的反应，正如它是现实或者遐想世界的一个窗口。它结合着透视的发展，从单一视点表现空间中的各个物体；或采用阴影的明暗技法来塑造形象的空间感，用微妙的色调层次表现距离和物体的固有色与物体上反光色之间的细微变化。尽管这些发现足以使画家"欺骗"观众的眼晴，但是幻觉手法并不是它自身追求的目的。不管怎样，它们导致独特的西方艺术形式的出现——架上绘画——画在画布上，并挂在墙上，欣赏其技巧，也就是被捕获和传达的视觉世界，还包括色彩的和谐和对比，笔触的柔美和雄壮，构图的单纯和复杂。这种绘画中的写实主义形式的发展成为16世纪到19世纪艺术史中的中心议题它与文艺复兴崇拜的"美"是一致的，同时它们也控制着西方艺术的实践和原理。这就导致了一种逐渐获得成功的感觉的产生——画家朝着视觉真实感的目的靠近——只是到了19世纪才被艺术家们看作是严重的问题。同时，作为主要艺术形式的架上绘画在西方的出现在艺术家、艺术作品和公众之间的关系上产生了明显的影响。原来架上绘画不是为放在一个特定场所而画的，而现在却成为室内陈设，或者艺术画廊中的展览品。毕加索说："画钩是绘画的祸根，"绘制一幅绘画作品，为的就是尽快被买来挂在墙上，它变成一种装饰形式。 艺术史的某些方面是可以与文学史相比拟的。两者都有延续性和变化，而发
艺术史论试题
艺术史论试题.txt你妈生你的时候是不是把人给扔了把胎盘养大？别把虾米不当海鲜。别把虾米不当海鲜。2003年湖北美术学院艺术史论试题 名词解释 1谢赫“六法” 2《历代名画记》 3“元四家” 4文艺复兴 5学院艺术 6巴洛克艺术 7超现实主义艺术 8意境 9形象思维 10艺术风格 问答 1美术家应该具备哪些方面的素质与修养？ 2为什么说艺术接受是一个再创造的过程？ 3被称为后现代美术现象有哪些基本特点？ 4二十世纪中期兴起的现代设计作为美术学科，其概念的基本含义是什么？ 论叙 美术的民族性、国际性、时代性之我见 艺术的发生、发展规律 1:为什么说电影是一门综合艺术? 2:什么是意境?结合艺术作品说明. 3:什么是艺术风格?艺术风格的多样性是如何形成的? 4:什么是艺术意韵,结合艺术作品说明. 5:任写一篇影评,1000字左右. 美术学院外国美术史 试题: 一 .名词解释:（每题5分） 1. 浪漫主义 2. 新印象主义（点彩派） 二.问答题:（每题30分） 1.请指出19世纪法国新古典主义和浪漫主义绘画的主要代表人物，并比较两者在艺术主题与风格上的差异。
2.试分析超现实主义绘画的代表人物的艺术风格和哲学基础。 3.试论美国战后抽象表现主义产生的政治和社会基础和风格特征。 美术史系 外国部分 一、填空(每空2分，共40分) 1 古埃及最大的金字塔叫_______金字塔，它建于_______王国时期。 2 古希腊美术发展史分期为______时期、______时期、_______时期______时期四个阶段。 3 中世纪欧洲教堂建筑的主要样式为______式和______。 4 意大利文艺复兴盛期的三位美术大师是______、______、______。 5 《纺织女》一画的作者是17世纪西班牙著名的画家_____。18世纪末19世纪初的伟大现 实主义画家______创造了《1808年5月3日夜枪杀起义者》，表现了西班牙资产阶级革命者的不屈精神。 6 法国浪漫主义大师______创作的《________》，标志着浪漫主义盛期的到来。 7 印象主义兴起于19世纪下半期，它的主要画家有______、______、______；此后又出现 了新印象主义，它的主要代表画家是 _____。 二、名词解释(每题5分，共10分) 蒙娜丽莎 库尔贝 美术作品分析试题: 试就齐白石的《虾》(1946年)写一篇千字左右的赏析文章(要求写在稿纸上，请将准考证号写在右上角，作品用幻灯放映)。 提示:齐白石的这幅水墨画作于1946年，如题记所示，白石老人那一年八十六岁；另一幅《虾》(1929年可作参照，白石自题:“余之画虾已经数变，初只略似，一变毕真，再变色分深淡，此三变也。” 美术史系: 中外美术史常识与美术作品分析 一、填空(每空2分，共20分) (1)中国现存最早、最大和最高的木结构阁楼式塔是 _________。 (2)油画《蒙娜丽莎》的作者是 ______。 (3)青铜器主要指我国自夏代末期至秦汉时期用铜、_________合金制作的各种器物。 (4)雕塑》思想者》的作者是 _______。 (5)黄公望的代表作是 _________。 (6)油画《梅杜萨之筏》的作者是 _______。 (7)沈周、_____唐寅、______仇英合称“明四家”。 (8)澳大利亚悉尼歌剧院是由建筑师______设计的。
中外美术史心得体会
《中外美术史》心得体会 这学期我们开设了中分外美术史课程，通过老师的讲解和自己的理解，了解到中西方灿烂、悠久且日益发展的美术史，有了一定的。 因为中西方的哲学观念不同,同时艺术的发展是要有哲学做指导的,所以中西方在艺术表达上产生一定的区别。西方人考虑问题理性的因素比较多,而中国的艺术人在考虑问题中以人的思想指导比较多.你可以看到,西方的美术作品追求的东西,以最为出名的,大家最熟知的文艺复兴时期为例,印象派的画家们是强调光的表现,是画家对光这种因素的主观和客观的科学分析.莫奈到了晚期甚至逐渐抛开对形的把握而疯狂的追求光的表现,比如他创作的以自家花园为题材的<莲花>系列.而反观中国的绘画,在国画中我们是看到的这种对客观事物的分析和解剖是不多的.中国画强调意境,而意境则已经是纯粹的画家意识中东西了.直到国画大师黄宾弘开始,才逐渐的可以看到他在自己的绘画中开始借鉴西方的一些思想,进行一些方面的结合.但并不是中国的艺术落后于西方的观念,而在于根本的哲学理念不同.不同哲学指导所产生的艺术是不一样的，由于中国画家们的学习，从而中国艺术又进入新的阶段。 所以学习中外美术史这门课程让我获得一些体会，但这只是其中小小的一部分，然我学的跟多、体会深刻的是一种属于自己的思维，无论是中国还是西方都有属于自己的独特的思维和观念，就是因为中西方都有属于自己的独特的思维和观念作指导，所以都有属于自己的作画风格和技巧，不断的发展。就是因为这样所以中西方美术一直迄
立于世界的顶端。到国画大师黄宾弘开始中国绘画开始借鉴并学习西方的思想及绘画，这并不是中国艺术落后与西方，而是中西方理念不同。中西方结合，一种崭新的绘画形成，从而中国绘画有得以进一步的提高。所以我觉得拥有自己的思想、自己的看法、不同于别人的创新意识这是对于以后作为一名设计者的基本要求，同时在拥有这些的时候应该不断的学习的借鉴其他优秀的作者及其作品，不断地充实和武装自己，这样自己才能不断地变强，成为一名成功的设计者。感谢您的支持与配合，我们会努力把内容做得更好！
2014最新整理 西方美术史 必背重点
史前美术、古代美术 旧石器时代美术 类型：洞穴壁画岩壁浮雕小型雕像洞穴壁画: 拉斯科洞和阿尔塔米拉洞； 小型雕塑艺术:《维林多夫的维纳斯》； 要点：1，法国拉斯科洞穴壁画2，西班牙阿尔泰米拉洞穴壁画3，威冷道夫维纳斯 中石器时代美术 北欧及俄罗斯地区岩画西班牙拉文特地区岩画 新石器时代美术 建筑物巨石建筑：英国斯通亨治巨石圈； 古代两河流域美术 1. 苏美尔美术（前3500-2000）：①苏美尔塔庙遗址；②祭祀者群像；③金牛头竖琴。 2. 阿卡德美术：①阿卡德国王青铜头像；②纳拉姆幸王记功碑。 3. 新苏美尔和古巴比伦王国的美术：①古地亚人的头像；②汉穆拉比法典碑。 4. 亚速美术（前1900-1600）①萨尔贡二世王宫；②萨尔贡二世王宫守护神；③猎狮图；④垂死的母狮子。 5. 新巴比伦美术（前612-539）①“空中花园”；②巴别塔；③伊什塔尔门。 6. 波斯美术：①大流石接见厅；②波斯波利斯王宫平台浮雕带。 古代埃及美术： 古王国时期美术：庞大金字塔建筑，按照正面律程序雕刻的人像雕刻和神秘威严的狮身人面像。 中王国时期美术：神庙建筑、方尖碑、壁画 新王国时期美术：陵墓绘画最显著。另有有神庙《拉美西斯二世神庙》雕塑《埃赫纳吞法老像、那菲尔提提像》， 古代印度美术： 佛教美术 犍陀罗艺术：受印度和希腊影响,雕刻建立在佛教建筑上,题材多取自佛教本生故事.佛像表情宁静祥和、略带微笑,体形圆柔,或站立或盘生,衣纹紧帖肌肤,须鬃由无数螺状组成,体型健硕雄浑,为后来佛像奠定基础. 古代希腊美术： 爱琴文化时期 古希腊美术（荷马时期、古风时期、古典时期、希腊化时期） 希腊建筑中最典型的三种柱式为 多利克式（没有柱基，柱身粗壮，由上往下逐渐缩小，柱头简单）、 爱奥尼式（柱头带涡形卷，有柱基，柱身细长，凹槽更细密）、 科林斯（爱奥尼式演变而来，柱头更为华丽，像一个花篮） 《掷铁饼者》希腊古典时期雕塑家米隆。 菲狄亚斯作品《宙斯》和《雅典娜》 波利克利托斯在艺术理论《法则》一书中首次提出1：7的人体比例标准，体现在其作品《持矛者》
西方美术史知识点
1、希腊艺术古典盛期美学特征： 髙贵的单纯和静穆的伟大”是古典盛期希腊艺术的本质特征。古典时期希腊美术崇尚理想主义与写实作风相结合的艺术原则，这时的建筑和雕塑最为完美地体现了古希腊的艺 术理想。经典建筑散发着和谐、明朗、端庄的气息；经典雕塑洋溢着庄重、优美、和谐、生动的气息，带有浓郁的理想主义色彩。 2、唐代美术成就：唐代是中国封建社会的黄金时代，唐代的美术，在六朝美术的优良传统- 的基础上，由于技术的进步和数量众多的画家的努力，创造了形象更为完美，主题更为 明确，反映现实生活更为有力的艺术。中国古典美术的发展大致可以说到了唐代，才真正摆脱了实用功利性的束缚，才真正完成了审美性的革命，成为纯粹审美的对象。无论是- 雕塑、绘画,还是工艺美术，都取得了超越前代的成就：一是宗教画出现了一代宗师吴道子二是世俗人物画取得突破性进展；三是金碧山水画突现异彩；四是水墨山水画异军突起。唐代以后中国美术基本上没有脱离唐代美术的规范，继续沿着唐代审美性的道路发展。 唐代的美术美学有着不可替代的成就，其对于隋代既有继承的一面，又有超越的一面?吴道子的画体现了盛唐求丰满厚重的审美理想；而王维作为山水南宗之祖，形成了真正的文人画；李思训父子则创造了北宋的金碧山水?盛唐鞍马画，张萱、周窻的仕女画均有很高成就?陶瓷、"唐三彩”、石窟造像、敦煌彩塑壁画等均在中国美术美学史上享有崇高的地位?唐代美术中，宗教美术与密切现实生活结合，杰出的美术作品具体地反映了唐代的现实生活。例如菩萨像肉体丰满健康，而表情平静甚至是淡漠的。描写贵族，特别是贵族妇女的绘画着重其寂寞无聊贫乏空虚的生活。某些陶俑富有倾向性地发掘了一些人 物的可厌的社会本质。这些都是唐代美术的现实主义的重要成就。唐代社会各方面的蓬勃发展及激烈的变化，需要并且可能发展人们更多的才能与力量。杰出的美术家有高度的创造性，强烈的创作热情和丰富的艺术想象力。例如他们创造了极端繁华欢乐的净土 和极端悲惨恐怖的地狱；创造了维摩与文殊紧张的争辩的场面，也创造了劳度差和舍利佛的激烈斗法的你死我活的景象；还创造了园林中高人逸士的闲适，深宫里贵族仕女的寂寥，创造了无数生活的形象和庄严的与优美的典型，这些意境和形象是美术史上重要成就。唐代美术中，艺术技巧有巨大的进步。人物的各种面型和表情的类型的创造，姿势动态表现更丰富自由。发掘并开始表现了自然事物：山水和花鸟的美的特点。唐以后的绘画善于选择生活中一部分富有诗意及戏剧性的场面，不是平板的描写生活。在构图上，远近透视和比例大小的趋于正确，在表现一定的内容及思想方面也更有力，人物关系不复是平列或接近平列的形式，也不复是以大小来分别主次，而是处理得更自然真实而且富于艺术效果。道具和环境在表达题材内容时也逐渐起了较大的作用。艺术技巧在盛唐以后完全脱离了幼稚的状态。唐代的代表性美术，主要是盛唐的美术，形象丰腴而又典丽，结构豪华而又紧凑，色彩绚丽而又调和，总之正如盛唐所代表的唐代的经济力量、政治力量、人们的创造力量的雄厚优裕，风格雄浑而又优美，是中国的、同时也是世界的最杰出的古典艺术。 3、唐代艺术家如何认识和表现现实生活的？作为唐代最杰出的人物画艺术家之一，不得不提 到吴道子，他对于生活的认识和表现，完全是抒发个人的情感意兴，他的创作主题总是尽情地表现自己，他的画也正如他的生活态度，奔放豪迈、无所羁绊，喜欢打破传 统，不甘于受规则束缚的那份洒脱，从他的画面中，不以精工见长，而是众皆密于盼际，我则离披点画。人皆谨于相似，我则脱落其凡俗”。他作画的线条粗细变 化，不可穷诘，以表现高侧深远，卷褶飘带之势。”再说到王维，这个山水诗人兼画家，他所提倡的是一种文人的艺术理想，一种高雅的超然境界。由于出任过叛军手下官职，他的仕途一直比较坎坷，这也看破红尘，在长安郊外的蓝田过起隐逸的生活，这也导致了他对生活的认识发生了巨大的变化。王维总是用清新隽永的自然启示来达到宁静 致远的境界，从他开始，绘画的功能在逐渐改变，从面对公共服务政教，转向面对自我, 服务个
西方美术史参考书目
西方美术史参考书目 美术史的形状（2卷），范景中编，中国美术学院出版社，2003年3月。 西方美术史学史，陈平，中国美术学院出版社，2008年05月。 美术史的观念，邵宏著，中国美术学院出版社，2003年。 艺术史的视野:图像研究的理论、方法与意义，麦克尔?波德罗 (作者), 等 (作者), 曹意强主编，2007年。 艺术史终结了吗？，（德）汉斯·贝廷，常宁生译，湖南美术出版社。 艺术史的历史，【美】温尼·海德·米奈，上海人民出版社。 西方美学史（七卷），蒋孔阳，朱立元主编，北京师范大学出版社。 艺术发展史，贡布里希，范景中 / 林夕《艺术批评史》，天津人民美术出版社，2001。 艺术批评史，（意）文杜里，迟轲译，江苏教育出版社，2005。 新艺术的震撼[美] 罗伯特·休斯，刘萍君译，上海人民美术出版社，1989年。 《西方现代艺术史》，[美]阿纳森著，邹德侬译，天津人民美术出版社，1994年。 《现代绘画简史》，[英]赫伯特·里德著，刘萍君等译，上海人民美术出版社，1982年版。 《美术史与观念史》（Ⅰ－Ⅵ卷），范景中曹意强主编，南京师范大学出版社，2007年。 《西方哲学简史》，赵敦华著，北京大学出版社，2001年。
古代 《柏拉图文艺对话集》，柏拉图 《上帝之城》，奥古斯丁 文艺复兴： 莱奥纳多：《莱奥纳多·达·芬奇笔记》 丢勒，《版画插图丢勒游记》 《意大利艺苑名人传》，(意)乔尔乔·瓦萨里著，刘耀春译，湖北美术出版社，2003年。 《文艺复兴：西方艺术的伟大时代》，贡布里希，中国美术学院出版社，2000年。 《文艺复兴的艺术进步观及其影响》（文章） 贡布里希：《莱奥纳多论绘画科学：评<绘画论>》（文章） 布克哈特：《意大利文艺复兴时期的文化》 佩特：《文艺复兴：艺术与诗的研究》 古典主义： 佩夫斯纳：《美术学院的历史》 贝洛里：《现代画家、雕塑家和建筑师传》 皮莱：《绘画的基本原理》
学习西方美术史有感学习体会
前不久去看了中国百年油画展，对中国油画有了一个ｐａｎｏｒａｍａ式的了解，从世纪初留法画家的风景小品到《开国大典》再到《父亲》。油画在中国毕竟只有百年历史，佳作名画家都还在人们的口耳相传之中，不至于太埋没了某一颗“珍珠”。但是在西方世界，几百年的发展历程，名家便如南天群星，但是其中真正始终璀璨耀眼的，数来数去，竟然没有多少位，更多的则是随着时代的发展口味的变迁而明明暗暗。1８４１年，当时法国最走红的画家保罗·德拉罗什，受巴黎美术学校之请创作壁画《半圆室》，为１３世纪到１７世纪的名画家“树碑立传”。在这幅壁画中，他以安格尔的画风，既写实又寓意，描绘了胜利女神跪倒在三位在神话中分别象征建筑、雕刻和绘画的天神的脚旁，而４０位历代艺术家则围绕在他们身边，其中有拉斐尔，达芬奇，米开朗琪罗，提香，普桑，洛林，韦罗内塞，凡艾克，乔托，丢勒，霍尔拜因，鲁本斯，伦勃朗，穆里洛和委拉斯开兹。从上述列举中可以看出，在德拉罗什所代表的那个时代的人眼中，最优秀的作品和画家集中在文艺复兴时期。安杰里科的大名则似乎到了最后时刻才被添加到这个名单中。如果说今天我们已经几乎淡忘了埃德林克，波特和雷蒙迪这些昔日或许如雷贯耳的名字，那么我们在这４０位艺术巨匠中却怎么也找不到波提切利，格雷科，博施，布吕格尔，格鲁内瓦尔德，皮耶罗·德拉弗朗塞丝卡或者弗美尔的面孔。假如让每个时代都做一个类似的实验，毫无疑问，我们将对所谓的“艺术巨匠”的名单产生极大的分歧。因为，除去屈指可数的几位在生前就已经享有巨大声名并且死后仍然“香火旺盛”的艺术家，比如达芬奇，拉斐尔，米开朗琪罗，鲁本斯，伦勃朗，也许还可以算上毕加索，几乎所有我们今天认为是天才而不朽的画家，都是在死后若干年后才重新为人们所赏识的。譬如在１９世纪以前，基多·雷尼的名头要比今天被认为是“现代绘画的奠基者”的乔托响亮。但是今天我们全面对比这两位画家的作品，可以比较公平地作出评价，虽然雷尼在１６世纪末１７世纪初相当活跃，但是乔托在绘画史上的重要程度却无疑要高过他。虽然就透视法则的应用来看，乔托的技法仍显粗糙。今天我们把他归入大师之列，不是因为他画的多好，而是因为他开创了一种新的画法，为后世开启了另一扇看世界的“窗口”。类似的情况还有安杰里科修士，如今大家普遍认同，正是他们为１６世纪文艺复兴奠定了基础。事实上，对于画家的评价从来都在变动，西方的美术欣赏口味在很大程度上取决于当时社会的价值观，比如经济，美学，道德甚至政治方面的因素都起着很大的影响。正如我们今天重新评定周作人一样，任何一本法国文化史，现在都少不了华托的篇幅。这位在其有生之年就已经被大众所喜爱的画家，一直到了１９世纪才被认为是属于他那个时代的著名画家。原因在于法国大革命之后的１００年中，他的画作同弗拉戈纳的一起，被当作旧政权的垃圾而打入冷宫。有意思的是，某一时代对于当时的画法画风的接受程度也重新改变了对前人的评价。比如在１９５０年间，凡高受到时人的重视，间接着也让格雷科这位西班牙画家焕发新生。同样，１９６０年超现实主义成为时尚，才促使人们重新审视博施和格鲁内瓦尔德。此外，占统计地位的美术理论和美术流派也影响了时人的欣赏习惯。浪漫主义的兴起，使得意大利和弗莱芒的“原始画派”画家们在１９世纪初期重新得到赏识。１８世纪的新古典主义者们推崇简洁的线条，认为技法优先于材料。１８３０年以后则相反：人们重新发现了色彩的重要性，喜欢模糊和神秘，正象拉斐尔以前的画家所初步尝试的那些方式。在重新解读甚至是重新“塑造”的过程中，美术评论家和作家起了相当的作用。１８世纪末期，人们只欣赏文艺复兴时期的大师们的作品。这个“们”，其实也就是“文艺复兴三杰”达芬奇，拉斐尔和米开朗琪罗。而瓦萨利对于１４到１６世纪时期的意大利画坛的评价，则让人们不能忽视如奇马布埃，乔托和安杰里科等人。虽然人们仍然不能认同他们的风格，认为不自然。１８２０年左右，第一批发现“原始画派”的美术批评家欣赏他们“神秘”的风格。而到了１９世纪末，则是他们的“简洁”和他们的“纯粹”，或者说是他们的“前现代性”，吸引了批评家鲁斯金，而他又通过这些前拉斐尔画派的人物以及他的法文翻译普鲁斯特而影响那个时代的美术和文学。西班牙绘画直到１９世纪初
【第二期 19-21世纪】史上最全的西方艺术流派整理!
【第二期 19-21世纪】史上最全的西方艺术流派整理！ 20世纪 1. 现代艺术 现代艺术，又称现代派艺术，很难有一个准确的定义。大致来说，被称为“现代主义”或“现代派”的艺术，是指20世纪以来，区别于传统的，带有前卫和先锋色彩的各种艺术思潮和流派的总称。现代艺术起源于古代地中海沿岸（埃及、希腊、西亚）的西方艺术，到19世纪后期出现了转变的苗头，这个苗头进入20世纪后，成为西方艺术的主流，这就是西方的现代艺术。西方现代艺术由各种不同类型的视觉风格组合而成，是基于科学和理性基础上建立的，是西方数百年来的思想文化核心。现代艺术主要包括了野兽主义、立体主义、未来主义、表现主义、俄国的至上主义与构成主义、荷兰的风格派、达达主义、超现实主义、抽象主义、波普艺术等。现代艺术的特点在于打破艺术家、作品和观众之间的区别。主张艺术干预人类生活。深受现代社会文化影响又立足批判现实社会对人性的压抑。
2. 立体主义 立体主义是西方现代艺术史上的一个运动和流派，又译为立方主义，1908年始于法国。立体主义的艺术家追求碎裂、解析、重新组合的形式，形成分离的画面，以许多组合的碎片型态为艺术家们所要展现的目标。艺术家以许多的角度来描写对象物，将其置于同一个画面之中，以此来表达对象物最为完整的形象。立体主义画家的探索起源于塞尚的理论和创作实践，他们把塞尚的“要用圆柱体、圆球体、圆椎体来表现自然”这句话当着自己艺术追求的理想。实质上这是20世纪初工业文明、机器时代的社会现实在画家精神中的折射反映。立体主义在二十世纪时期有两个派别。一个是洗衣船派，也就是正统派。这个派别的代表是毕加索和布拉克。另一个派别是蜂窝派，是以一群后起的立体主义画家为代表的。立体主义的出名也是由这些蜂窝画家所催化的。
学习外国美术史的感想
学习外国美术史的感想 人的一生很短暂，没有足够的时间去学习与品读所有的书籍，但是，人生的成功有需要足够的知识为积淀，无数的成功人士的经验告诉我们，不管你是从事什么职业的，想要收获更多的果实，就必须有所付出。 作为一个对美术有这独特情感的我来说，让我去了解、学习世界美术史发展的历程以及他给我们所带来的宝贵财富与启迪，是一种莫大的快乐与幸福。美术是世界艺术殿堂中影响广泛，备受人们青睐的一门艺术，它在人类历史发展的过程中，起着至关重要的作用。 在学习了外国美术史之后，使我对世界上其他国家的美术史的发展有了一个初步的了解，我不得不惊叹人类的文明真的太神奇了，太让我所震撼了。我觉得学习外国美术史的过程是一种看到美，得到美的享受的过程；并且也在不断的提高自己的知识面。 人们最早的绘画作品出现在法国和西班牙洞窟中勾勒?伟大的艺术 品不仅仅是美学欣赏，也是人类技艺和聪明才智的结晶。它帮助我们开拓和理解我们人类自身的天性，美术术史是人类发展的最基本的一部分。 外国美术史包罗广泛，包括绘画、壁画、雕刻、装饰、建筑等。通过对外美史的学习，让我知道了它的发展过程，发展规律；不同流派的形成，历史变化和特色特点；各个历史时期西方美术的风格演变及深层的文化，历史，人文，美术产生根源。让我更加深刻的了解到了外国美术的宽广宏伟。我不仅要了解每个不同时代的美术，同时也要注意每个时代的文学，了解这个时代的风土人情，历史政治，科学成就。因为美术的发展和历史的发展紧密联系着。这样的学习就使美术知识变的立体而丰满，从而更高视野和整体的把握了每个不同时代的美术。不仅提高
了我对外美史的认识和理解，运用，还和其他专业科目融会贯通，增强了我的整体艺术素质。这也让我深刻的感受到了，真正好的艺术不一定是模仿得最像的，而是要有自己的个性、自己的思想、自己的理解。比如拉斐尔和米开朗绮罗，这也许可以称之为画面的主题吧。给我印象很深的就是米勒的《拾穗者》，他的画面很朴实，画面的内容也很普通，既不是达官贵人也不是风景名胜，这让我知道好的绘画不是靠多么显贵的内容提升自己的价值，那是什么让我喜欢上这幅画呢？是情感，真真切切的情感，打动了我的心灵，在某一刻，我和画家有了跨时代跨地域的心灵交流。所以我武断地认为艺术是真情实感。蒙克的画让人觉得很难受，他的《呐喊》还有他对他情人的爱都是那么得强烈，以至于他的情人承受不了而自杀。这一幅幅生动而又让人们难以琢磨透其寓意的画，让我越来越对其充满了无限的热爱与想象。这些只是我对画面中个别作者的情感的大概的描述，只是我举得一些例子而已。 通过对这门课的学习，让我深刻的感受到了艺术的伟大，我不知道是否每个行业都可以称为艺术，但我希望是这样。如果艺术源自需要，源自表达，如果艺术就是一种美，那么我希望这个美的定义可以更广一点，再广一点。除了比例形式色彩之外，还有智慧金钱效率。。。当你去追求他们时你会发现这里面有着和绘画一样的艺术性。你同样需要从大自然和人类中学习，同样要真情实感，同样要学会换个角度想问题，同样需要找到你正在做的事的语言，创造性地将他们打散，然后组织成一个你认为有利于那件事的草图，最后将他们实施。在生活中即使每个人都知道这一点，但最终完成艺术的人还是少数。因为急于求成的人做不好艺术，焦躁不安的人做不好艺术，自卑自傲的人做不好艺术。在我
西方美术史 丁宁 1
第一章西方美术史导论 伟大的民族，在撰写他们的传记的时候，一共有三类： 第一类叫The book of their deeds（事迹的书） 第二类The book of their words（语辞的书） 最后The book of their arts（艺术的书） 如果你没有读过其中的一本的话，另外两卷就很难理解，尤其是最后一卷，就是艺术这本书如果你没读的话，这本很可靠的书没读的话，你理解整个其他的两个类别，就会有很大的困难。 ——英国的著名批评家John Ruskin 第一节：博物馆是看美术史的一个路线 博物馆是我们看美术史的一个路线 一、美国的博物馆 1．纽约大都会博物馆（纽约中央公园） 黄金通道 莫奈、华盛顿的肖像、毕加索 2．古根海姆博物馆 圆筒形 “你不要把你里面看到的东西告诉外面排队的人” 3．MoMA现代艺术博物馆 4．美国国家博物馆（华盛顿特区） 老馆跟新馆之间是用地面的采光的金字塔连接起来 新馆是贝聿铭的一个杰作 二、法国的博物馆 1. 卢浮宫 在卢浮宫的河的那一边，这是塞纳河，再过去就是巴黎圣母院 三件镇馆之宝：《萨摩色雷斯的胜利女神》、《断臂维纳斯》（米罗岛的阿芙洛狄忒）、《蒙娜丽莎》 《岩间圣母》 金字塔 司汤达在卢浮宫里面的经历：“愉快而可回味的疲倦” 2. 奥赛博物馆 放的是法国人自己的作品 尤其是印象派的作 奥赛博物馆原来是一个火车站 印象派的作品莫奈马奈 现实主义的大师库尔贝 罗丹的雕塑《巴尔扎克》《地狱之门》 马约尔的一些雕塑
印象派大师德加的那个雕塑跳芭蕾舞演员 蓬朋的雕塑 罗丹的学生做的《赫拉克勒斯弯弓射大雕》 毕沙罗塞尚梵高 3. 蓬皮杜文化中心 就是19世纪的作品为主，这个是从古代原始社会，甚至更早的那些东西都有，一直要到19世纪 蓬皮杜外面真的像一个化工厂 美术史的一个非常鲜明和无情的逻辑就在于：曾经存在过才有价值，今天后世的任何的模仿，甚至模仿得惟妙惟肖都是没有价值的。 所以从某种意义上，艺术价值的独特性在于它已经是无可限量。 三、英国的博物馆 1. 英国伦敦的大英博物馆 那么大英博物馆里边还包含一个大英图书馆，马克思在那儿写伟大的《资本论》 全世界最大的一个博物馆 中国大概最早的一幅卷轴画就放在大英博物馆 杜维恩展厅里边是当年从雅典的卫城上拿过去的 那么其实大英博物馆里边也有一个维纳斯 2. 泰特美术馆（Tate Britain） 有很多的19世纪的作品 也有一些艺术的复制品 3. Victoria and Albert博物馆（V&A） 这主要是工艺品 中国的工艺品在这里边有很多的展出 米开朗琪罗的《大卫》复制品 《雅典学院》复制品 4. 国家美术馆 在伦敦的一个广场旁边特拉法加广场 那么后面还有一个馆叫国家肖像博物馆 四、意大利的美术馆 1. 巴特农神殿（希腊）？ 是献给雅典的保护神——雅典娜 2. 梵蒂冈 意大利国中之国——梵蒂冈 文艺复兴时期的大师：一位是米开朗琪罗、一位是拉斐尔 梵蒂冈的博物馆原来的一个入口处，上面就有两个人的雕像，这边是年轻的拉斐尔，另外一边是米开朗琪罗，因为他们两位都给这个梵蒂冈留下了不朽的名作。 《圣母哀悼圣子》（《pieta》）米开朗琪罗23岁 贝尼尼巴洛克的大师 提香 波提切利的《春天》《维纳斯的诞生》 3. 学院美术馆 达?芬奇的一幅素描《维特鲁威人》 4. 罗马的美术馆
读《世界艺术史》心得感悟3篇
读《世界艺术史》心得感悟3篇 读《世界艺术史》心得感悟一： 很多人认为神圣的幻觉是艺术，而福尔对艺术的定义是和谐的最崇高、最富表现力的形式，是仰仗对物质和智能的厚爱来证实它的一致性的生动形式。我对艺术的见解却又停滞在一个领域中，所以，我不知道如何去阐述这套《世界艺术史》，它捕捉的层面，已经跨越了我所了解的信息点上。此刻，我不是一个书评人，我仅仅是一个学习的读者。 艺术概括生活，它用言语捕捉我们周围的表象，它返照人，也呼唤着人与人之间的沟通。《艺术世界史》是1920xx 年出版，直至1920xx年出版了第四卷，其作品篇幅之浩瀚，构思之宏伟已能窥见几分。艾黎福尔的文笔很惊艳，用法国人独具的情感文字，去描摹艺术史，是很奇妙的搭配，这本书散发着诗意，且也在不断的再版，他的努力慰藉了与之同时代的人，也宽慰了遗忘艺术史却想捕捉艺术的人们。 福尔的文笔精简，像慢慢渲染的国画，可以听见先哲的沉思，山野的鸟鸣，甚至是夜晚的宁静。 在史前艺术中，我们能感受到征服的欲望，当原始人用几条简略的线条把野兽的姿态和形象捕捉下来时，艺术诞生了。在洞窟艺术中，我们都能找寻到那些构图沉稳，飘逸起伏的景致，像云纹锦缎，像阿尔塔米拉壁画，这些充满生命力的色泽，越加显现出不同的韵味。 作者的文字代入感很独特，他把人与人，人与森林，人
与野兽的接触，都一一靠拢，把解体文明和新生文明的过渡，再一次解析。 艾黎福尔所说，我所构思的艺术史不是经由准确无误的诗意的移植，而是通过尽可能栩栩如生的诗意的移植完成的，它是由人类建构的造型诗章。艺术不是复制的工艺品，它更多是人类对艺术的理解，他在神庙中，有一段这么描述，岁月对待神庙就像对待大地一样，岁月把雕像、色彩从神庙怀里夺走，同样地，岁月也让森林沉入大海，让高山盖满沃土，让山泉干涸，听任神庙被付之一炬，留下一片废墟，在废墟旁红棕色的野草下，到处是裸露的焦土。80万个炎炎赤日烘烤着神庙，随着太阳西沉，神庙便被沉浸在灿如烈焰的漫天红霞中。 这段无疑把神庙的和谐之美，溢了出来，即便它早已破败不堪，他依旧用他的笔触去修饰雕琢那里的美，仿佛它没有废墟的痕迹。 我想艺术就是大脑中迸发的构思，是考古者对现存文物的描摹，甚至是对远古的一种讴歌，在人类的曙光中，我看见了菲迪亚斯中给我们带来的慷慨情绪，甚至是普拉克西特利斯与之不同的感受。那些青春的躯体，都传递着圣洁和理想。 艾黎福尔从原始人开始定位艺术的起源，用八个章节写了艺术发轫，也用八个章节写了东西并进，这些艺术的步伐从远古到东西方，一步步递进，他把不同时期的图片去贴近历史，用自我情感的文字，去装饰艺术的真实和联想，有人
西方艺术史论文
马萨乔的《三位一体》 在文艺复兴绘画发展历程中有一位影响重大的关键人物。在他的创作中，彻底摆脱了晚期哥特式绘画的优雅风格和装饰意味，把塑造真实形象和真实空间摆在了首位，他便是马萨乔。他生活在15世纪的佛罗伦萨，继承和发展了乔托的艺术传统，他以科学的探究精神，最典型地运用布鲁内莱斯基的透视法，创造性地将解剖学、透视法的技巧运用到绘画中。马萨乔原名托马索·迪乔瓦尼·迪西莫内·圭迪，马萨乔是其绰号，有“傻瓜”之意。他出身清贫，艺术师承不明，但在21岁时已获准加入画师行会。1961年发现了他在圣焦韦纳莱教堂作的祭坛画《圣母子与诸圣徒》，对了解他早期创作极有帮助。 马萨乔在绘画中运用透视法，让绘画取得了雕塑一样的立体效果，使得绘画更加形象生动，栩栩如生。他的传世名作《三位一体》就充分体现了这一点。纵观整幅作品，给人的感觉非常舒服与和谐。从整体把握，画面内容也非常对称，色彩比较贴近自然，没有太浓烈的修饰与过分的雕琢，而是恰到好处地运用简单的色调把人物放到一个立体的三维空间中，这完全符合他“模仿自然”、“追随自然”风格，画中建筑的背景线条分明，轮廓清晰。前景石棺上放着一具骷髅，其下的铭文是：“我曾是你们现在的模样，我就是你们将来的模样。”在文艺复兴绘画中，将订画人或赞助者画入画中，是一种惯例。马萨乔的《三位一体》由佛罗伦萨城一位名门出资，画中身着红色衣袍者即是赞助者，他的衣袍表明他是佛罗伦萨共和国最高级别的官员。从画中可见，他与夫人跪在小教堂入口处，教堂内，圣母和圣约翰站在十字架两侧，十字架后面站着圣父上帝，依托着十字架，而钉在十字架上的是受难圣子耶稣，他是我们视线的中心。耶稣的双臂张开，刚好位于整幅画的中央，因为双腿微曲，加上健硕的腹肌显得不僵硬不死板，圣母和圣约翰两个人物的安排，运用透视短缩法，使他们看上去站在圆柱的后面。圣母的目光向下注视，附以手势，将观者的注意力引向十字架上的基督。 画家充分地利用了透视学创造真实的物景，人物比例关系也把握得非常恰当，十字架后面的圣父上帝与下面的赞助者夫妇构成了一个大三角，同时与圣母和圣约翰也构成了一个三角，同理，十字架上的耶稣也一样，在这样的三角形构架中，画面显得和谐舒适，我想这也与画名《三位一体》有直接联系。马萨乔根据定点透视，将整个画面安排在统一的空间之内，人物不再像以往只位于同一平面内，而是更加具有立体效果，虽然他们在同一幅画中，他却利用光线，使人物和环境产生距离，给人有层次感，前后远近安排得十分巧妙。人物下方的门槛更是发挥了独特的作用，仿佛将观者引入画中，产生身临其境之感。又将画中本身的人物分为里外两部分，这样鲜明的层次和立体效果不得不让人佩服。 再从文艺复兴的角度谈谈这幅画，这幅画打破了传统的绘画风格和装饰意味，人物描绘朴实雄浑，现实主义创作手法和人文主义精神相统一，这一时期的绘画以人为中心，人物主次也十分鲜明，受宗教影响颇深。这一时期的画家们高举人文主义旗帜，与教会的神权文化斗争，虽以宗教为题材，却较多地表现人物，尤其注重人物的立体感、生动感，追求自然真实。在现实生活中，大部分作品都是基于客观现实世界的，再加以创作修饰，能再现真实是一种品质，也是一种境界，我们需要把这种精神融入到现代社会中去，这样才能让我们的社会更加的和谐与完美。
艺术的故事读书笔记_艺术的故事读书心得五篇
艺术的故事读书笔记_艺术的故事读书心得五篇 《艺术的故事》叙述了从最早的洞窟绘画到当今的实验艺术的发展历程，以阐明艺术史是“各种传统不断迂回、不断改变的历史，接下来小编搜集了艺术的故事的读书笔记，仅供大家参考。 艺术的故事读书笔记1 《艺术的故事》是贡布里希爵士编的，书中概括地叙述了从最早的洞窟绘画到20世纪前半叶的实验艺术发展历程。里面的内容很多，绘画、雕塑、建筑均有所涉及。倘若是其它艺术史类的著作，六七百页厚的书籍细看下来多少是需要些勇气的。还好本书通俗易懂，简明晓畅的语言就能表达严肃的题目。与一般美术史不同，这本书既不是简单地罗列史实，也不是用一些抽象难懂的“主义”来概括美术史，而是描述了一系列的“问题情境”。贡布里希认为艺术的发展是在艺术家不断解决由社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成的。在导论中，他就骇人听闻地说：“现实中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已。”当然，当我们大致读过他所讲述的历史，再看到他说艺术的故事是“各种传统不断迂回，不断改变的故事”时，就会真正明白他的意思。
一般公众已经安于一种观念，认为艺术家就应该创作艺术，跟鞋匠制作靴子没有多大差别。这种观念等于说，一个艺术家应该创作他曾看见过被标名为艺术的那种绘画或雕塑。人们能够理解这个含糊的要求，但是遗憾，那正是艺术家唯一做不到的事情。以前已经做过的东西不再出现任何问题，也就没有任何任务能够激发艺术家的干劲。但是批评家和“博学之士”有时也有类似的误解之过。 实际上根本没有艺术其物。只有艺术家，他们是男男女女，具有绝佳的天资，善于平衡形状和色彩以达到“合适”的效果;更难得的是，他们是具有正直性格的人，绝不肯在半途止步，时刻准备放弃所有省事的效果，放弃所有表面上的成功，去经历诚实的工作中的辛劳和痛苦。 贡布里希的讲述完美而亲切，平易近人的作品，艺术理论被以通俗的方式叙述出来，作为例子的艺术品的选用真的很合适。读者和作者也可以取得较好的互动。他所要阐释的是人们不是为了响应某种潜在的“精神”的呼召去改变传统，而是情境的改变使其不得不然。例如说到具有强烈世俗倾向的荷兰绘画，他认为是由于经过了宗教改革，从而使新教统治区内的艺术家已经没有什么自由再画祭坛画了。无论哪种社会，贡布里希所关心的是艺术家所面临的“问题情境”。不是一个统摄一切的“时代精神”，而是许许多多切实需要解决的问题吸引着
西方艺术史简述资料
西方艺术发展史简述 整个西方艺术的发展历程可以大致分为史前艺术、古代艺术、中世纪艺术、文艺复兴艺术、17-18欧洲艺术、19世纪艺术以及现代主义艺术7个阶段。一、史前艺术 史前艺术可以分为旧石器时代、新石器时代两部分。 旧石器时代艺术产生于原始社会蓬勃发展的旧石器时代的晚期——奥瑞纳文化期。而这一时期的艺术主要变现形式为洞穴中的壁画和雕塑，其主题多于巫术相关表现内容皆以动物为主，手法生动写实。其中最突出的原始洞窟壁画是西班牙北部阿尔塔米拉洞窟壁画和法国西南部的拉斯科洞窟壁画；迄今为止发现的原始雕塑大多数为小型的动物雕塑，少数人像雕刻中，裸体女性雕像占主要地位。发现最早的雕像是奥地利维林多夫的《母神》（原始的维纳斯）和法国鲁塞尔岩廊石壁浮雕《手持角杯的裸女》。而代表史前“艺术”最高成就的是位于法国南部和西班牙北部的洞穴壁画。 新石器时代美术成就主要是巨石建筑。这是用重达数吨的巨石垒成的宗教性纪念建筑。巨石建筑盛行于欧洲，包括石柱、石台、石栏等形式。英格兰南部的圆型巨石栏“斯通亨治”（Stonehenge）是典型的代表。 二、古代艺术 古代艺术可以分为古埃及艺术、古印度艺术、古希腊文明、古罗马艺术、古两河流域艺术。 埃及是人类文明的重要发源地之一，蕴涵着丰富的文化精神。提到古埃及，人们就想起金字塔、狮身人面像——一种威严、永恒和神秘的时代气息。古埃及艺术的主要表现就体现在金字塔以及其内部的木制陪葬雕塑和壁画上，其中吉萨金字塔群和巨大的狮身人面像是埃及古代艺术的精华。 古代印度文明的艺术起源于印度的印度河流域的印度西北部。它最早的原始美术,通常称作“印度河文明时代(约公元前2300年)到1750年之前的艺术。根据考古出土,当印度史前文明最远可以追溯到光、新石器晚期,即青铜器和铜石和年龄。印度的艺术是文化的重要组成部份,大约有5000年左右的历史,它的内容
西方女性主义艺术史理论及实践的发展
西方女性主义艺术史理论及实践的发展 李建群 2012-10-30 18:03:11 来源：《文艺研究》2003—3 女性主义艺术史是当今西方艺术史研究中的一种新的思潮、视点和方法，也是后现代主义艺术思潮中不可忽视的一个重要内容。它的出现和发展正在对艺术史研究产生着越来越明显的影响，这种影响将逐渐对传统的美术史研究造成一定的冲击和震撼，所以是值得我们关注和研究的对象。 女性主义艺术史从它产生到今天，经历了整整30年，经历了从强调两性差异的社会原因到采用社会学、马克思主义、心理分析的理论，研究在不同的社会和民族环境下女性的生存状况，以及对艺术史发展的影响这样一个发展过程。现代的研究者把80年代为界，把女性主义美术史理论的发展分为传统的女性主义和后现代女性主义阶段，其代表人为琳达.诺克林（Linda Nochlin）和格里塞尔达.波洛克（Griselda Pollock）。 1971年，琳达诺克林在《艺术新闻》上发表文章“为什么没有伟大的女艺术家？”(Why Have There are Been No Great Artists?) 这是女性主义首次在艺术史中发起的挑战。紧接着，在次年诺克林又主持了“学院艺术协会”（CAA）的年会，主题是“19世纪艺术中的情色与妇女形象”（Eroticism and the Image of Woman in Nineteenth-Century Art）。在会上讨论了男性至上主义在创作中和女性形象采用上的不公正。在以后的20年，诺克林的理论都是女性主义艺术史理论的重要基础。 在“为什么没有伟大的女艺术家？”中，首先肯定地指出：必须承认一个事实，那就是在艺术史上的确没有像米开朗基罗、伦勃朗或塞尚、毕加索那样最伟