欧洲十大艺术风格

一、拜占庭艺术风格：

由于罗马帝国的东迁，使得有机会出现融合东西方艺术形式的拜占庭艺术。在艺术的成就上，此时所强调的是镶贴艺术，追求缤纷多变的装饰性。同样，这种特色也反映在服装上。例如：在男女宫廷服的大斗篷、帽饰以及鞋饰上都出现了镶贴、光彩夺目的珠宝和充斥着华丽图案的刺绣。这些情形有别于同时期在欧洲地区的服饰，营造出一种既融合东西方又充满华丽感的服饰装饰美。

二、国际哥特艺术风格：

“哥特式”原本是指源自20世纪的一种建筑风格，很快这种风格便影响到整个欧洲，而且反映在绘画、雕刻、装饰艺术上，形成一种被誉为国际哥特风格的艺术形态。

这种风格主要的表现是建筑上的”锐角三角形”，同时也深深的影响了当时的服饰审美及服饰创造。例如：在男女服饰的整体轮廓上，在衣服的袖子上，以及鞋子的造型上、帽子的款式上，等等，都充分呈现出锐角三角形的形态。

巴洛克艺术风格原本是指17世纪强调炫耀财富、大量使用贵重材料的建筑风格，也因此牵动影响到当时艺术全面性的变革。巴洛克的字义源自葡萄牙语，意指"变了形的珍珠"，也被引用作为脱离规范的形容词。巴洛克虽然承袭矫饰主义，但也淘汰了矫饰主义那些暧昧的、松散的形式。由于受到巴洛克艺术风格的影响，在西洋服装史上，甚至用"巴洛克风格"一词，来代称17世纪欧洲的服装款式。

"洛可可"一词源自法国字汇“Rocaille”，由此演变而来，其意思是指岩状的装饰，基本是一种强调C型的漩涡状花纹及反曲线的装饰风格。这种风格源自1715年法国路易十四过世之后，所产生的一种艺术上的反叛。r洛可可艺术风格与巴洛克艺术风格最显著的差别就是，洛可可艺术更趋向一种精制而幽雅，具装饰性的特色。这种特色当然影响到当时的服装，甚至以"洛可可"一词代表法国大**之前18世纪的服装款式。

五、新古典主义艺术风格：

新古典主义艺术风格兴起于18世纪的中期，其精神是针对巴洛克与洛可可艺术风格所进行的一种强烈的反叛。它主要是力求恢复古希腊罗马所强烈追求的"庄重与宁静感"之题材与形式，并融入理性主义美学。这种强调自然、淡雅、节制的艺术风格，与古希腊罗马的题材形式结合所发展出来的服饰，也随即在法国大**之后，跃升为服装款式的代表。

特别是在女装方面。例如，以自然简单的款式，取代华丽而夸张的服装款式；又如，排除受约束、非自然的"裙撑架"，等等。因此从1790年到1820年之间，所追寻的淡雅、自然之美，在服装史上被称为"新古典主义风格"。

六、前拉斐尔派艺术风格：

"前拉斐尔艺术风格"源于19世纪中期的英国，其艺术精神主要是追寻一种自然但是浪漫主义色彩的表现。

这种艺术风格是对冷淡、生硬的艺术的一种反驳。痛斥"人与自然的疏离感"，希望透过艺术将"人性化"、"自然化"、"理想美"的特质结合表现出来。因此，当时的服装被誉为"理性美感式"的服饰。这种服饰风格与当时"维多利亚风格"极端的相对，成为英国社会追寻服饰改革的代表款式。

七、超现实主义艺术风格：

超现实主义艺术风格起源于20世纪20年代的法国，是受弗洛伊德的精神分析学和潜意识心理学理论的影响而发展出来的。超现实主义的艺术家们主张"精神的自动性"，提倡不接受任何逻辑的束缚，非自然合理的存在，梦境与现实的混乱，甚至是一种矛盾冲突的组合。这种任由想象的模式深深影响到服装领域，带动出一种史无前例、强调创意性的设计理念。

这种艺术风格源自20世纪50年代初期的美国，但确鼎盛于50年代中期的美国。"POP"是"Popular"的缩写，意为"通俗性的、流行性的"。至于"POP所指的正是一种"大众化的"、"便宜的"、"大量生产的"、"年轻的"、"趣味性的"、"商品化的"、"即时性的"、"片刻性的"形态与精神的艺术风格。

这种艺术风格影响到服装领域中，体现在服装面料以及图案的创新，改变了过去服饰装饰图案的特点，在欧洲服装史上留下深深的印记。

欧普艺术风格源于20世纪60年代的欧美。"OP"是"Optical"的缩写形式，意思是视觉上的光学。"欧普艺术"所指代的是利用人类视觉上的错视所绘制而成的绘画艺术。因此"欧普艺术"又被称作"视觉效应艺术"或者"光效应艺术"。

欧普艺术影响下的服装服饰，按照一定的规律形成视觉上的动感，服饰图案的设计上以欧普艺术的视觉感为最大的特点。

十、极限主义艺术风格：

极限主义艺术风格起源于20世纪60年代的美国，它强调的是一种"理性、冷峻、简约"的艺术风格。这种强调"单纯、简单"的观念，逐渐成为20世纪90年代美国时装界所追求表现的一种具代表性的，极限主义艺术风格影响下的服饰以简单的设计理念影响到国际时装的流行趋势，成为20世纪末的一项具代表性的服饰风格的变革.

欧洲中世纪艺术走向谈

欧洲中世纪艺术走向谈摘要：艺术的分期有多种，中世纪艺术在历史上有着其特殊的地位与作用，作为一个时代艺术的定位，欧洲中世纪往往被冠以“黑暗时代”的恶名，那么中世纪艺术究竟有着怎样的命运？是高尚，还是卑微；是进取，还是保守；是自由，还是专制，都是在这一历史时期所产生的疑问，对中世纪的艺术进行一番疏略阐述，或许会对这些疑问得出些结论。关键词：中世纪艺术走向中图分类号：J110.93 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2009）12- 一、何谓“中世纪” 按照历史学家的大致观点，历史上的“中世纪”（Middle Ages）一般是指日耳曼民族攻占罗马，即西罗马帝国灭亡（公元476年）开始，至15世纪文艺复兴（公元1453年）之后，资本主义萌芽之初为止。这只是一个比较统一的认识，史学界还存在着诸多种关于中世纪历史的界定，但其大致的范围不会脱离此区间。历史上的中世纪曾长达近一千年，是欧洲历史上（主要指西欧）的一个时代，意大利诗人彼特拉克（公元1304~1374）将历史划分为古代、中世纪和近代，视中世纪为一个无比混乱的中间期。他习惯性地将中世纪这一时期成为“黑暗时期”。那为什么会叫做“黑暗时期”呢？ “中世纪”一词是从15世纪后期的人文主义者开始使用的。在政治上，这段历史也叫做中古史，指的是476年西罗马帝国灭亡到1640年英国资产阶级革命爆发这一时期的历史（与前表述有）。封建制度的形成、发展和解体是这一时期欧洲历史的主线。但是世界各国封建社会的发展是不平衡的，当西欧在5世纪刚刚进入封建社会的时候，中国封建社会的历程已经持续了约1000年。这个时期的欧洲没有一个强有力的政权来统治，封建割据带来频繁的战争，造成科技和生产力发展停滞，人民生活在毫无希望的痛苦中，所以中世纪或者中世纪的早期在欧美普遍称作“黑暗时代”，传统上认为这是欧洲文明史上发展比较缓慢的时期。这样看来，似乎中世纪的一切都笼罩在“黑暗”的阴影之下，没有光明，没有喘息，没有呐喊，没有生机，“黑暗”统治着一切，就连艺术这样最为灵活便利地反映精神生活的方式也难以开花结果。事实果真如此吗？二、中世纪艺术表现思考提到“中世纪”，人们会想些什么？“中世纪”这个词会使一些熟悉的图景浮现在人们的脑海：哥特式的大教堂，封建城堡，十字军和贵族战争，宗教法庭上燃烧的火焰。从几个世纪前“中世纪”作为划分古希腊罗马和近代历史的名称而开始使用时，就带有一种贬义，它暗指欧洲文化历史的毁灭和空白，并一直延续至今。“如果人们想找一个形容词来描述落后、缺乏文化、没有法制，人们就可以使用中世纪这个词。‘中世纪’实际上成了描写一切黑暗和反动的词的同义词了。”①那是否在黑暗笼罩下的一切都是暗淡无光的呢？艺术也是如此吗？我们不禁会问。诚然，中世纪在政治上有其黑暗的一面，表现在艺术上也是如此，但艺术有着更加顽强的生命力，在适应时代要求的同时，它总是能够在黑暗中给人以光明，给人以心灵的慰藉，并有力地推动了历史前进的步伐，成为借鉴历史的一面明镜。中世纪的艺术在这方面表现的尤为突出，虽然因为历史的局限性，它存在着这样或那样的不足之处，但其取得的艺术成就也是前无古人并足以令后世所景仰的，它在世界艺术之林中所占的地位更是举足轻重的。

外国美术史艺术风格

艺术风格【史前艺术】(prehistoric art)：指在有文字可考历史前的艺术。如西班牙的阿尔塔米拉岩洞壁画及法国南部拉斯卡的岩洞壁画。【古代埃及美术】埃及进入奴隶制社会后，国王（即法老王）就是奴隶主阶级至高无上的首领，同时也是太阳神和尼罗河神的化身。他们活着的时候是人间的王，死了以后仍是阴间的统治者。埃及人的宗教观念是相信人死后灵魂只是离开躯体飘泊于宇宙间，如果回归肉体人可以复活。因此埃及人就把尸体做成“木乃伊”妥为保存，并十分重视棺材制作和陵墓建造，以祈求复活。所以埃及人十分重视保护法老王和大奴隶主的尸体，不惜代价地建造陵墓。这就是举世闻名的埃及金字塔的由来。由于担心尸体腐烂就不能复活，他们就想到用石头雕刻国王、王妃的像保存下来。国王在阴间称王称霸，也要享受在人间时的一切欢乐，于是又想到把人间的事都画在墓壁上以供享受。这样就发生、发展了埃及的雕刻、绘画艺术。古代埃及美术具有平面性、装饰性和高度程式化的特点。【古代希腊美术】真正意义的欧洲美术该从古希腊开始。希腊美术的地理范围以爱琴海为中心，因此也被视为爱琴美术的延续。雪莱曾在诗中吟道：“我们都是希腊人。”希腊是欧洲文明的发源地和摇篮，没有希腊，无法想像欧洲文明会是什么样子，今日西方世界无处不遗存着希腊文明的传统。可是除了居住在希腊半岛上的公民自认为希腊人外，很少有人像雪莱那样以哲理的想像认为自己是希腊人。那么究竟谁是希腊人呢？历史表明，克里特的征服者、特洛伊城的毁灭者——迈锡尼人，是希腊最早的居民之一。后来沦为北方蛮族的奴隶，并逐渐分流为多立克人和爱奥尼亚人，他们都有共同的信仰和语言，所以称他们为希腊人。 “希腊”一词意为典雅、优美。后来创造出许多雕刻艺术杰作的希腊人正与这典雅、优美之名相称，可谓名副其实。希腊三面临海，北面连接欧洲大陆。境内多天然良港，可以经过地中海通向世界各地，为航海和对外贸易提供了极为有利的自然环境，内陆多山，土地贫瘠，但是盛产大理石，为雕刻艺术提供了极方便的物质材料。到了公元前12世纪，爱琴海文明受到北方蛮族入侵的严重破坏。但不屈的希腊人在这块曾经有过丰厚文明的废墟上重新建立了灿烂的希腊文明，成为欧洲文明的真正始祖。进入奴隶社会的希腊半岛，建立了200多个奴隶制城邦国家，每一城邦以城市为中心连同城郊农村组成大小不等的国家，各自为政。其中最强大的是雅典和斯巴达。由于国穷民贫，为了生存和发展，各城邦国家之间不断发生战争，弱肉强食，为了保存自己，掠夺财富，城邦国家实行强国强兵政策，在城邦内部实行民主政治，自由民直接参与城邦治理，十分重视民族体格素质的锻炼，所以管理国家、锻炼身体是每个公民的神圣职责。希腊本土气候宜人，阳光充足，温度适中，在这样的自然条件下适宜于户外裸体锻炼和比赛。由于裸体运动，改变了人们的观念，不以露体为耻，反以健美身体为光荣，这引起美学家们的关注和艺术家的表现，美学家们发现人体美，艺术家们创造美的人体。大政治家伯里克利斯说：“我们是爱美的人。”希腊民族是爱美、创造美的民族。希腊人在民主自由和激烈竞争的环境中不仅发现、孕育和创造了美，而且也创造

时尚界十大经典艺术风格解读

时尚与艺术相辅相成，艺术元素作为时尚的灵魂不可或缺，他们阻碍着一季度乃至一个世纪的时尚走向，我们经常听讲某大牌配饰服装为巴洛克风格，或是哥特风格，到底这些风格有何外在表现？用图文一一做答。拜占庭艺术风格拜占庭艺术风格由于罗马帝国的东迁，使得有机会出现融合东西方艺术形式的拜占庭艺术。在艺术的成就上，现在所强调的是镶贴艺术，追求缤纷多变的装饰性。同样，这种特色也反映在服装上。例如：在男女宫廷服的大斗篷、帽饰以及鞋饰上都出现了镶贴、光彩夺目的珠宝和充斥着华丽图案的刺绣。这些情形有不于同时期在欧

洲地区的服饰，营造出一种既融合东西方又充满华丽感的服饰装饰美。哥特艺术风格哥特艺术风格 “哥特式”原本是指源自20世纪的一种建筑风格，专门快这种风格便阻碍到整个欧洲，而且反映在绘画、雕刻、装饰艺术上，形成一种被誉为国际哥特风格的艺术形态。这种风格要紧的表现是建筑上的“锐角三角形”，同时也深深的阻碍了当时的服饰审美及服饰制造。例如：在男女服饰的整体轮廓上，在衣服的袖子上，以及鞋子的造型上、帽子的款式上，等等，都充分呈现出锐角三角形的形态。巴洛克艺术风格巴洛克艺术风格

巴洛克艺术风格原本是指17世纪强调炫耀财宝、大量使用贵重材料的建筑风格，也因此牵动阻碍到当时艺术全面性的变革。巴洛克的字义源自葡萄牙语，意指“变了形的珍宝”，也被引用作为脱离规范的形容词。巴洛克尽管承袭矫饰主义，但也淘汰了矫饰主义那些暧昧的、松散的形式。由于受到巴洛克艺术风格的阻碍，在西洋服装史上，甚至用“巴洛克风格”一词，来代称17世纪欧洲的服装款式。洛可可艺术风格洛可可艺术风格 “洛可可”一词源自法国字汇“Rocaille”，由此演变而来，其意思是指岩状的装饰，差不多是一种强调C型的漩涡状花纹及反曲线的装饰风格。这种风格源自1715年法国路易十四过世之后，所产生的一种艺术上的反叛。洛可可艺术风格与巴洛克

欧洲艺术起源

间：远古时期代表作：但丁意大利诗人《神曲》乔托意大利画家《尤大之吻》等彼特拉克意大利诗人、学者《歌集》薄伽丘意大利文学家《十日谈》达芬奇意大利画家、科学家《蒙娜丽莎》等米开朗基罗意大利雕刻家、画家、建筑师等《大卫》拉斐尔意大利画家、建筑家《西斯廷圣母》马基雅维利意大利政治思想家、历史学家等《君主论》莎士比亚英国文学家《哈姆雷特》等拉勃雷法国作家《巨人传》伊拉斯谟德意志作家《愚人颂》塞万提斯西班牙作家《堂吉诃德》艺术形式：欧洲艺术风格主要分为四种同时也是影响欧洲文化艺术最深，最广的四种艺术风潮-------- 罗马时期：法国建筑师德高蒙（De Caumont）在1824年首次提出用“罗马式风格”一词，来统称中世纪初期的西欧艺术。这个提议很快被人们认同，但这个词却隐含了两种截然不同的观点。一种是认为“拉丁语系”的形式发展，也是大众化的拉丁语与各地日尔曼侵略者的语言相互融合的过程，这些地区和国家同时创造力自己的新形象艺术，也努力结合罗马艺术和民间传统。二是有了新的定义，目的是要把中世纪初期的西欧艺术与古罗马的艺术相提并论，为的是想彰显自身的重要性。哥特时期：它的艺术是发源于比较偏僻的阿尔卑斯上的以北地区，与来自繁荣南方的罗马式艺术，发源位置恰好相反，因此文艺复兴时期，意大利的某个人文主义者，便认为这种出自北方的艺术形式是野蛮的，于是用“歌特”这个对野蛮种猪的称呼来称呼它，带有歧视意味。其实这种艺术形式主要发源于法国中心，日后以其为起点，逐渐在整个欧洲传播开来。文艺复兴：被称为“文艺复兴”的艺术活动，起源于15世纪初意大利的佛罗伦萨。到了15世纪末，这项艺术活动的的风潮遍及了整个意大利半岛。在16世纪上半叶，罗马取代了佛罗伦萨成为艺术中心，同时创造出文艺复兴运动的辉煌成就。它的风潮也传遍了整个欧洲，引发了一场全面型的艺术革命。这场革命几经兴衰，持续影响了数个世纪，直至今日。同时建筑师是史于这个时期在文艺复兴时期前人们称他们为泥瓦匠，在低位上和画壁画的画匠、从事雕刻的工匠没两样。巴洛克时期：其垄断了17至18世纪中叶的艺术界。影响了整个欧洲，并蔓延到拉

欧洲中世纪时期艺术的基本特征汇总

欧洲中世纪时期艺术的基本特征并对《弗拉基米尔圣母像》作详细的图解说明一、早期基督教美术公元一世纪中叶正值罗马帝国的鼎盛时期，在西亚巴勒斯坦一带诞生了一种新的宗教——基督教，它是从犹太教的一个教派演化出来的。早期的基督教宣扬平等，道德完善，鄙夷富人，具有一定的进步性，博得了下层人民的拥护，传播十分迅速。基督教不崇拜罗马众神，也不敬仰罗马皇帝，因此基督教在最初的二、三百年间受到罗马统治者的的残酷压制，基督教徒不能公开建教堂，他们的宗教仪式也只能在私宅或埋葬基督教徒的地下墓室进行。在这些地下墓室的顶部和墙壁上他们画满各种圣经题材的壁画，这些墓室成为早期基督教艺术的宝窟，公元4世纪君士坦丁堡大帝承认基督教的合法地位后，教徒们才开始在地面上兴建基督教堂，早期基督教艺术主要包括墓室壁画和建筑。地下室壁画的题材多取自圣经，采用隐喻性和象征性的手法，例如鱼和善良的牧羊人表示基督，鸽子表示圣灵，孔雀代表永恒，心象征博爱等等。这些墓室壁画虽然表现形式不同，但都有一个共同的特点，即试图用新的手法来表现抽象的灵魂和对宗教的虔诚，而不在乎所画的形象是否真实生动，故有的作品显得抽象怪异，不够自然和谐。看来他们还没有找到恰当的艺术形式，而且也未能完全摆脱希腊、罗马古典艺术的影响，所以往往作品中借用古典艺术的形象，甚至借用古代神话中的情节。早期的基督教堂中都有壁画和镶嵌画作为装饰，5世纪后镶嵌画逐步成为教堂主要的装饰形式。圣康斯坦察教堂拱顶就采用了华丽的玻璃马赛克作装饰画，获得极佳的效果。圣马利亚教堂也有以圣经为题材的镶嵌画。二、拜占庭美术 “拜占庭美术”不仅是对东罗马帝国美术的称谓，它同时亦指一种样式，即君士坦丁堡的宫廷美术样式。在美术史上，这一样式直到6世纪初的查士丁尼时代初现风采。而拜占庭美术与早期基督教美术之间并不存在任何可明确标定的分水岭，强烈的传统感贯穿了拜占庭美术的发展史。查士丁尼在为时期是拜占庭踢过的黄金时代，不论是在政治上还是在文化艺术上，都领到着整个基督教世界。在拉文纳的圣维塔里教堂保存着《皇帝查士丁尼与他的亭沉闷》和《皇后狄奥多拉与她的侍从们》。拜占庭美术的独特个性于此第一次得到充分的表达。高度提纯的色彩与明暗关系强调了人物作为物质的精神性存在其形式上的抽象性，程式化的人物造型则向我们展示了欧洲艺术中一种新的人向美的理想：瘦高的身材纤巧的双足，尤其是杏仁形的小脸和凝神谛视着的大眼睛，小嘴、弯眉以及窄长的鼻子——这种理想的相貌将在此后的拜占庭美术中反复出现。扁平的人像“悬浮”在金色的背景前，没有动作，没有表情，时间与深度空间的维度在这里都不存在了，于是尘世中流逝的现象（生命及权力）就被升华成了天国永恒的存在。

西方艺术发展史简述之欧洲艺术与西方现代主义艺术

17-18世纪欧洲艺术 17至18世纪的欧洲，是各国在政治制度、宗教、自然科学和艺术诸方面发展和探索的时代，整个欧洲呈现出一派多姿多彩的面貌。人类自文艺复兴觉醒之后，以新的人生观和科学手段探索自然的奥秘，以更加活泼的求知欲和好奇心去观察自然和认识世界，产生了一大批伟大的学者和艺术家。艺术呈现出不同于文艺复兴时期古典艺术的多元化局面。巴洛克、罗可可、古典主义、写实艺术等各种风格倾向相互交织，并行发展，各领风骚。意大利到了17世纪，现实主义、巴洛克艺术与尊崇古典传统的“学院派”同时出现，这使艺术领域看起来更加丰富。18世纪威利斯画派的出现更加让整个意大利艺术呈多元化发展。佛兰德斯的艺术跟同期荷兰独立后那种为新兴资产阶级服务的艺术不一样;它仍然处于西班牙封建专制和天主教会势力的控制之下，主要为宫廷贵族、富商和耶稣会服务;这类人物对艺术的要求促使佛兰德斯绘画具有追求富丽堂皇的装饰风格。佛兰德斯艺术中，最引人注目的为绘画，其次是建筑，最后才是雕塑。其中最具代表性的艺术家首推鲁本斯﹝Peter Paul Rubens﹞。 17世纪，荷兰的经济文化都非常繁荣，当时荷兰商人的欣赏趣味与那种浮华放纵的趣味有很大不同，他们比较喜欢有节制和简单的风格。由于社会的风俗与需要，肖像画得到的重视比其它题材都要多。绘画开始变成商品进入市场，开始出现专门化分工，风景画得到了长足发展，这一时期的风景画完全摆脱了情节和人物，成为独立的画种。这是西班牙艺术大放光彩的一段时间，出现了不少著名的艺术家，塞韦利亚画派是 17世纪上半期最重要的画派之一，苏巴朗和委拉斯贵支是这个画派的重要代表。 19世纪西方艺术 19世纪西方艺术在18世纪的基础上又有着很大的发展，主要表现为跟多的艺术流派的产生：现实主义、巴比松派、前拉斐尔派、学院艺术、印象派、后印象派、新印象派、点描派风格、那比派风格、综合主义、象征主义、哈德逊河派。 19世纪法国画坛经历了古典主义到浪漫主义的发展，浪漫主义逐渐地脱离了当时的社会现实。在这样的背景下，一部分具有进步思想的艺术家认为艺术应以实际生活为基础，提出了“为生活为民众而艺术”的口号，产生了现实主义艺术思潮。现实主义艺术家赞美自然，歌颂劳动，深刻而全面地展现了现实生活的广阔画面，尤其描绘了普通劳动者的生活和斗争，此时此刻劳动者真正走进艺术殿堂，成为绘画中的主体形象，大自然也作为独立的题材受到现实主义画家的青睐。于此同时在印象意义流派也在法国产生。 19世纪英国受法国新思潮的影响开始出现艺术上的繁荣。出现了浪漫主义艺术，而风景画的出现为后期印象派的产生也有很大的影响。一批皇家美术学院的学生倡导组成的前拉斐尔学派也在此时英国产生。 19世纪是俄罗斯历史发展的一个转折时期，文艺发展势如破竹，从某种程度上讲甚至不亚于欧洲的文艺复兴。19世纪的俄罗斯文艺具有鲜明的民族特色，在哲学、文学、音乐、美术等各个领域，涌现出一大批足以与西欧各国称雄并列的杰出人物。哲学与文艺评论上有别林斯基、赫尔岑、杜勃罗留波夫、车尔尼雪夫斯基等，文学上有普希金、莱蒙托夫、果戈里、屠格涅夫、契诃夫、列夫·托尔斯泰等，音乐上有格林卡、柴可夫斯基、穆索尔斯基等，在绘画上则有列宾、苏里柯夫、克拉姆斯柯伊等。在19世纪上半期，美国艺术的发展还体现在大众化的艺术中。被称为民间画或原始派的画家大都没受过专业训练，主要模仿斯图亚特和科尔等人的风格，但非常质朴，形象稚拙，色彩鲜艳。19世纪中期的南北战争改变了美国历史的发展进程，战后的工业革命和经济繁荣，也带来了艺术的黄金时期。风景画家.丘奇、G.英尼斯,静物画家.哈尼特,风俗画家.亨特等人在各自的领域中作出了贡献。与此同时，欧洲艺术对美国的影响也日益增强，大批美国青年远渡重洋到法国、英国等地学习绘画，回美国后给本地的艺术带来新的技法和风格;也有一部分画家留在欧洲，成为欧洲19世纪末新美术运动的重要人物。女画家M.卡萨特1866年赴法深造，后定居法国。她是参加了法国印象派画展的唯一的美国人。.沙金是美国最杰出的

十大主流风格

当前10大流行的家居设计风格 Top1－法式浪漫设计风格温馨客厅静溢流转，片片阳光轻轻柔柔的洒进来，倚在柔软宽大的布艺沙发上翻看着心爱的书籍，享受着午后的阳光，温馨，平和，本白色的茶几上，一杯自磨的卡布其诺散发着浓浓的热气。浪漫就是在一点一滴的家居布置中，本白色系的家具细节更为重要。 Top2－现代时尚设计风格现代装饰艺术将现代抽象艺术的创作思想及其成果引入现代室内装饰设计中，力求创造出独具新意的简化装饰，设计简朴、通俗、清新，更接近人们生活。其装饰特点由曲线和非对称线条构成，如花梗、花蕾、葡萄藤、昆虫翅膀以及自然界各种优美、波状的形体图案等，体现再墙面、栏杆、窗棂和当下盛行的10大装修设计风格家具等装饰上。 Top3－欧式宫庭设计风格欧式宫庭讲究奢华气质，欧式豪华风格多用蕾丝、复杂的折皱、欧式名品家具打造奢华风格，松软的床，工艺繁杂的水晶灯，构成浓郁欧式风格的华丽卧室。窗帘多以水波形的帘头复式设计，面料闪着光泽感的清雅淡金色、本白色。 Top4－美式田园设计风格美式田园风格比较注重简洁随性，崇尚自由，体现为单纯、休闲，绿色植物，藤编的餐椅，镂空的装饰，典雅舒适，木制家具多保留木质本身的天然纹路并加以涂刷光泽型涂料，窗帘面料以自然界中的花朵，配色自然的条纹或纯净的白纱为主，款式简洁，自然清新。 Top5－白与黑设计风格黑白家具的设计或夸张或走极简路线，用它们来布置居室，能起到瞬间颠覆传统居室风格的作用。白与黑系列窗帘以经典的白黑色为主，写意的花纹和几何纹理的布艺窗帘柔化了居室生硬的表情。值得注意的是，布置房间时，黑色的使用必须把握一个尺度，深色家具过多，会使人产生压抑的感觉。配几只橘红色的靠垫或小面积的红色装饰，会使室内冷酷而严肃的气氛得到缓和。 Top6－新中式设计风格中式装饰材料以木质为主，讲究雕刻彩绘、造型典雅，每件摆设都体现大气华贵，每件装饰都能令人对过去产生怀念，对未来产生一种美好的向往。中式风格的窗帘主要体现在面料颜色的厚重，纹理花样富有民族气息，款式上追求简约大气和精致。特别是流苏、云朵、盘扣等中式元素的运用。 Top7－韩式小资设计风格韩流劲吹，蓦然发现韩式的小姿情调，集百家之长，必有其唯美的一面。韩式卧室在装饰上都比较温馨可爱，色彩也都采用浅色，搭配一些可爱的小装饰物，充分显示房间主人的温柔可爱的气质。因此韩式卧室现在颇受年轻人的喜爱。 Top8－东南亚风情设计风格微风缓缓吹入客厅，色彩厚重又不失热情的窗帘随风摇曳，再加上芭蕉叶般的热带作物，浓浓的东南亚热带风情就这样扑面而来。芒果木家具、藤制家具勾勒出朴实自在的亚热带空间，也能让客厅在浓厚的色彩中透出清凉味道。浓郁的黄褐、古铜等色彩厚重的精致木雕，点缀出热情的气氛。这是东南亚客厅特有的风格。 Top9－地中海设计风格地中海风格颜色明亮、大胆、丰厚却又简单。善于捕捉光线，取材天然。蓝天、白云、纯净的沙滩无不在家居的风格中体现。简约的本白色家具、原木的质朴天然，窗帘采用简单的款式，纯净的面料色彩，在风吹过的刹那捕捉海洋的气息。 Top10－波斯情调设计风格如一位美丽的肚皮舞娘遮着轻薄的面纱翩翩起舞，每一个眼神每一个动作都充满诱惑。波丝的诱惑来自繁复的色彩和纹样，深粟色家具的圆润与厚重，波丝风格窗帘运用简约的款式，独特的面料花纹和色泽打造波丝情调，体验不一样的家居感受，一块精美的手工波丝地毯更加衬托出波丝的浓浓韵味。

欧洲中世纪工艺美术风格特征

欧洲中世纪工艺美术风格特征自西罗马帝国灭亡至文艺复兴的这段时间，史称“中世纪”。一般认为，在欧洲美术史中，中世纪似乎是一个低落阶段，但工艺美术则是例外。因为工艺品不仅仅是精神的产物，它还依赖于物质条件。可以说，在中世纪艺术的各个方面中，工艺美术是取得了独特而辉煌的成就。中世纪的工艺美术无论是制作工艺，还是装饰手法都获得了某些新的发展。陶工艺、金属工艺、玻璃工艺，以及象牙雕刻和木工艺等无不令人注目。中世纪的金属工艺，尤其是贵金属工艺相当发达。这不仅是因为具有古罗马优秀的金工传统，而且揭开中世纪序幕的日耳曼人尽管文化不甚先进，但金工技艺在欧洲古代民族中却是出类拔萃的。较之欧洲古代金属工艺，中世纪金属制品的明显特点是金属、珐琅和宝石镶嵌工艺的结合运用。金属制作工艺特点虽然仍以传统的“錾花”和“收挑”为主，但技艺却更为熟练，特别是收挑工艺愈加精彩，浅浮雕、深浮雕式的人物、鸟兽生动工细。中世纪金属工艺在欧洲各地区形成不尽相同的风格，另外，在漫长的1000年中，各阶段也表现出时代的艺术特征。日耳曼人的珐琅和宝石工艺是在金属工艺上展开的。大多用作装饰祭坛你、圣遗物箱、十字架和圣书函，带有较强的宗教性质。此期錾花技法有两种：一是在金属片上錾出各种纹样，类似阴刻效果；二是在器物本胎包金上施錾花技法。应该强调的是日耳曼人对于在金属器上作珐琅和宝石镶嵌是极为成功的，可以说自公元5世纪以后日耳曼人制作的宗教器物或其他装饰品，都广泛采用了这种镶嵌技法。在拜占庭的金属工艺在铸造、雕金、錾花和镶嵌等都有相当的成就。按金属器的艺术效果来看，可分作浅浮雕式和彩色式的两种。总之，拜占庭的珐琅

工艺在公元10世纪至12世纪间十分兴盛，运用更加广泛，圣十字架，圣遗物箱，圣书装帧，圣象障壁，以及王冠和首饰等无所不有。哥特时期的金属工艺较之日耳曼人又有所发展，尤其是后期在金银薄板上收挑的人物、鸟兽，凹凸分明，形体准确，显示了高超的工艺技巧。有的还在这些浮雕式的形象上施以半透明状的珐琅。就珐琅工艺而言与拜占庭也不完全相同，它往往是在铜胎上雕金涂粉，然后烧制，称为“珐琅-镶嵌”。欧洲中世纪的象牙工艺十分兴盛，不仅品种丰富多彩，而且表现出极高的工艺水平。中世纪的象牙工艺以拜占庭时期和哥特时期为代表。在拜占庭时期象牙工艺与珐琅工艺占有同样重要的地位，不少作坊直接接受宫廷或教会的控制，因此单纯的牙雕摆件很少，多是作为圣遗物箱、圣瓶盒、圣书函或二连圣象板、三连圣象板的雕刻装饰。在装饰题材上最初受东方艺术的影响，出现过一些花鸟或几何纹样，后来渐以宗教故事和宗教人物为主。在工艺手法上以浅浮雕为主，是古罗马传统牙雕技法的继续，线刻作品也时而可见。欧洲中世纪的木工艺主要反映在各式家具的设计制作上。欧洲的家具设计与制作工艺在古希腊罗马时期就达到了较高的水平，中世纪的这项工艺正是自此基础上加以借鉴和发展起来的。拜占庭的家具装饰基本上是承袭了希腊化时期的风格特征，但其明显的不同之处就是带上了宗教色彩。除了拜占庭和中世纪早期日耳曼人对古传统家具的模仿以外，意大利和欧洲中、西部地区的中世纪家具可分为罗马式和哥特式两个时期。欧洲中世纪的玻璃工艺也有相当可观的成就。总体来说，此期的玻璃工艺有这样几个特点：玻璃工艺与宗教的联系紧密；具有实用功能的器具性的玻璃制品较为有限，而用于教堂装饰的玻璃工艺达到了登峰造极的地步；不论是立体的

古罗马时期艺术风格特征

古罗马时期艺术风格特征罗马从一个默默无闻的小城邦，逐渐发展成控制整个亚平宁半岛的罗马共和国，最后扩展为统治整个地中海地区，地跨亚、非、欧三大洲的罗马帝国。东起小亚细亚和叙利亚，西到西班牙和不列颠，北包括高卢，南至埃及和北非，罗马帝国一直延宕至公元15世纪，这期间，分化、整合；整合、分化，直到拜占庭王朝——东罗马帝国消亡，整整进行了一千余年。这样一个多民族、大一统的帝国，又有着上千年的演化历史，反映在文化与艺术上，必然是多民族文化与艺术的融合。古罗马文化是在伊达拉里亚人和希腊人的强烈影响下发展起来的，古罗马文化与艺术，主要繁荣于共和末期和帝国时期，古老的意大利土著文化，深受伊达拉里亚文化的影响。伊达拉里亚人早在公元前8—3世纪，就创造了拱券建筑和具有东方风格的装饰壁画，以及有力而写实的雕刻，这些对古罗马艺术具有强有力的影响。古罗马人虽然征服了古希腊，但在文化上却被古希腊人征服。古罗马人是古希腊艺术的崇拜者和摹仿者。古希腊艺术对古罗马产生了重大影响，但是由于不同的社会环境和民族特点，古罗马艺术也有其不同于古希腊艺术的独特之处。相比之下，罗马人的艺术更倾向于实用主义，在内容上多为享乐性的世俗生活，在形式

上追求宏伟壮丽，在人物表现上强调个性。古罗马文化与艺术的突出成就，主要反映在建筑、壁画、肖像雕刻方面。一、罗马时期建筑风格特征古罗马建筑是古罗马人沿习亚平宁半岛上伊特鲁里亚人的建筑技术，继承古希腊建筑成就，在建筑形制、技术和艺术方面广泛创新的一种建筑风格。古罗马建筑在公元1～3世纪为极盛时期，达到西方古代建筑的高峰。古罗马建筑的类型很多。有罗马万神庙、维纳斯和罗马庙，以及巴尔贝克太阳神庙等宗教建筑，也有皇宫、剧场角斗场、浴场以及广场和巴西利卡(长方形会堂)等公共建筑。居住建筑有内庭式住宅、内庭式与围柱式院相结合的住宅，还有四、五层公寓式住宅。古罗马的建筑最辉煌、最有艺术价值的则是为经济服务或为人的生活（物质、精神）服务的建筑，古罗马世俗建筑的形制相当成熟，与功能结合得很好；如广场、道路、桥梁、高架输水道、隧道、剧场、竞技场、浴场、住宅和别墅等等。这些建筑几乎全是直接为人的物质生活或精神享受服务的。在艺术风格方面，它们也追求和谐，追求完美，追求崇高，但已不是一种“神圣”的和谐、完美、崇高了，而是现实人生的一种“合宜”，是经济繁荣，和平安定，和追求现实刺激的“崇高”，有的“崇高”还直接与某种“悲剧”情绪相联系，如著名的古罗马斗兽场，它那完美、和谐、崇高的造型，因与其功能性的悲剧意味相联系着，是沐浴着奴隶血泪的一种崇高，所以，使这种崇高、完美，更具有了世俗性，它能让人赞叹、使人振奋，但难以产生像希腊神庙的那种“神圣”感。这可以说是古罗马建筑风格中的和谐、完美、崇高与古希腊建筑风格的最大区别。至于另一些世俗的建筑，如卡拉卡拉浴场，它那和谐、完美而又雄伟的风格，也主要来自于世俗的情感，而不是来自理想主义的神圣意识。在具体建筑的造型风格方面，古罗马的建筑也是既继承了古希腊建筑的造型风格，又革新、发展了它。如古罗马大斗兽场的外部立面，特别是高4层的外部立面，就是古希腊柱式构图的复写，它的底层是多立克柱式，第二层是爱奥尼克柱式，第三层则是科林斯柱式，在顶层则围绕着壁柱。但是，古希腊的这种柱式，在古罗马的这座杰作中已不再像在古希腊建筑中那样起结构作用了，它已蜕变成了一种单纯的装饰，真正起结构作用的部件是隐藏于墙壁之中的结构体。同时，在屋顶造型方面，古罗马人更是极大地革新了古希腊建筑的造型方式，将古希腊习用的梁柱结构，代之以一种更为有效的拱券支撑方法，从而在屋顶造型方面，出现了在古希腊建筑中很难见到的“穹拱”屋顶。正是这种“穹拱”屋顶，成为了古罗马建筑，特别是房屋类建筑与古希腊房屋类建筑最明显的区别。这种拱券结构因经济、实用，且审美效果也很好，故不仅应用于神庙、宫殿等特殊建筑，而且扩展到日常生活的一切领域，如道路、桥梁、输水道、港口、剧场、住宅、仓库和下水道等。从而使许多雄伟建筑在表现和谐、完美、崇高的同时，具有了一种明显的“圆”味。但同时，古罗马的建筑又

浅谈古希腊的艺术风格以及代表作品

浅谈古希腊的艺术风格以及代表作品古希腊是西方历史的开源，持续了约650年（公元前800年- 公元前146年）。位于欧洲南部，地中海的东北部，包括今巴尔干半岛南部、小亚细亚半岛西岸和爱琴海中的许多小岛。爱琴海中最大的岛是克里特岛。克里特岛是古代爱琴文化发源地。“亚什”是“日出之地”的意思，即东方;“欧列伯”是“日没之地”的意思，即西方。亚细亚洲和欧罗巴洲的名称，由此转化而来。公元前5、6世纪，特别是希波战争以后，经济生活高度繁荣，产生了光辉灿烂的希腊文化，对后世有深远的影响。古希腊人在哲学思想、历史、建筑、文学、戏剧、雕塑等诸多方面有很深的造诣。这一文明遗产在古希腊灭亡后，被古罗马人破坏性的延续下去，从而成为整个西方文明的精神源泉。希腊艺术风格希腊艺术风格大致可分为五个时期: 爱琴文化时期是古希腊文化产生的前奏和序曲,除此外可分荷马时期，古风时期、古典时期、希腊化时期。此外，希腊艺术包含了建筑雕塑绘画等多个领域，每个领域都有其风格和特点。古希腊雕塑在整个西方美术传统中，古希腊雕塑占有十分重要的地位。西方美术崇尚的典范模式，庄重的艺术品格和严谨的写实精神，可以说都是从古希腊开始的。多年来,这种艺术精髓曾滋润着西方美术生生不息。古希腊悠久的神话传说是古希腊雕塑艺术的源泉。希腊神话是希腊人对自然与社会的美丽幻想，他们相信神与人具有同样的形体与性格，因此，古希腊雕塑参照人的形象来塑造神的形象，并赋予其更为理想更为完美的艺术形式。古希腊雕塑的特点总体特征：希腊艺术是理想主义的、简朴的、强调共性的、典雅精致的，一句话概括是高贵的单纯，静穆的伟大古希腊建筑古代希腊是欧洲文化的摇篮，同样也是西欧建筑的开拓者，但毕竟还处在萌芽和胚胎的时期，它们的类型还少，形制很简单，结构比较幼稚，这是因为它的艺术的完美所致。古希腊的纪念性建筑在公元前8世纪大致形成，公元前5世纪已成熟，公元前4世纪进入一个形制和技术更广阔的发展时期。由于宗教在古代社会据有重要的地位，因而古代国家的神庙往往是这一国家建筑艺术的最高成就的代表，希腊亦不例外。古希腊是个泛神论国家，人们把每个城邦，每个自然现象都认为受一位神灵支配着，因此希腊人祀奉各种神灵建造神庙。希腊神庙不仅是宗教活动中心，也是城邦公民社会活动和商业活动的场所,还是储存公共财富的地方。这样神庙就成了希腊崇拜的圣地，围绕圣地又建起竞技场、会堂旅舍等公共建筑。古希腊建筑的特点根据所遗留下来的希腊建筑，我们可以归纳出古希腊建筑的几大特点。第一特点是平面构成为1：1.618或1：2的矩形，中央是厅堂，大殿，周围是柱子，可统称为环柱式建筑。这样的造型结构，使得古希腊建筑更具艺术感。因为在阳光的照耀下，各建筑产生出丰富的光影效果和虚实变化，与其他封闭的建筑相比，阳光的照耀消除了封闭墙面的沉闷之感，加强了希腊建筑的雕刻艺术的特色。第二特点是：柱式的定型。共有四种柱式：1 多利克柱式：朴素挺拔。无柱基，柱身粗壮，向上逐渐缩小，刻有凹糟，糟之间为棱角，在阳光下，柱身因此产生明朗的起伏转换及阴影效果，使建筑物与天空平面分开。柱头无装饰，是一圆盘形柱颈。2 爱奥尼亚柱式：匀称轻巧，有柱基，柱身细长，上下变化不显著，凹糟较深，糟之间无棱角。柱头为涡卷形装饰，卷下饰以图案。

17世纪荷兰美术的艺术特点和风格

绚烂多姿的荷兰17世纪 17世纪荷兰美术的艺术风格 17世纪前荷兰经济繁荣、文化昌盛，在那里有比较广泛的言论自由与信仰自由，其他国家被迫害的异教徒纷纷逃往荷兰避难，许多学者到荷兰著书立说。新的文化气息培养了杰出的思想家、科学家、艺术家。在这样的环境下形成以荷兰为代表的资本主义国家现实主义，继承15、16世纪尼德兰民族艺术传统，以写实、纯朴为特点，很少受巴洛克艺术影响。挣脱了神话和宗教题材的束缚，把现实生活作为艺术创作的源泉，绝大多数画家以现实生活为题材，新兴的资产阶级和中下层平民开始成为绘画中的重要角色。荷兰艺术由于写实而受到市民的欢迎，油画变成商品，大量进入市场。（一）哈尔斯哈尔斯，荷兰现实主义画派的奠基人，早期与盛期作品充分表现了荷兰市民健康、愉快、充满生命力的形象，如《弹曼陀林的小丑》、《吉普赛女郎》，团体肖像画《圣乔治射击手连军官的宴会》、《圣亚德里安射击手连军官的宴会》，流畅奔放、挥洒自如的大笔触表现豪爽自信、形神兼备、栩栩如生的人物形象，晚年作品多取古典构图的正面形象，流露一种忧郁的情绪，比早期作品凝重而深刻，如《哈勒姆养老院的女管事们》、《一个戴宽边帽的男子》。吉普赛女郎（二）伦勃朗荷兰伟大的艺术家，一生经历坎坷，勇敢坚定地坚持现实主义的创作道路，为欧洲现实主义艺术的发展做出了极其光辉的贡献，也使17世纪的荷兰绘画在世界美术史上放射出夺目的光彩。他笔下的人物皆取自生活中实实在在的形象，即使描绘宗教故事，也体现了宗教的生

活化。他的肖像画生动传神、独具风采，他描绘的老人肖像尤其感人，那苍老的容颜和深邃的眼神仿佛展现了他们饱经沧桑的经历也蕴含着深刻的思想与生活哲理。其代表作：《杜普教授的解剖学课》（1632年）；《夜巡》（1642年原名《阿姆斯特丹射击手连队的群像》）；后期《带天使的圣家族》、《入浴的妇人》、N幅自画像，铜版画《三棵树》、《基督救治病人》。（三）荷兰小画派之所以被称为“荷兰小画派”，是因为画幅小，适于悬挂以装饰居室；题材小，迎合市民趣味。画面上多表现妇女梳妆打扮、弹琴唱歌、读书写信或做轻微的家务劳动。特鲍赫，《音乐课》、《年轻姑娘给一位妇人读信》；霍赫，《在地窖门前》、《一个荷兰家庭的庭园》；梅蒂绥，《一位绅士惊扰了晨妆时的年轻妇女》。维米尔，其作品与“小画派”其他画家有所区别，不以情节引人入胜，也不描绘过多的生活细节，而是以一种抒情情调给人美的享受。最主要的风景画描绘其故乡的《德尔夫特风景》、《小巷》。他大部分作品表现了舒适、安闲的中产阶级家庭生活，《倒牛奶的女仆》、《穿蓝衣读信的少女》、《花边女工》、《戴头巾的少女》。（四）荷兰风景画 17世纪荷兰形成完全独立的风景画科雷斯达尔，他在写实精度和细节的纤巧上并不突出，但总能显示出浑厚的力量。雄伟的气势，闪烁的光影，使风景画提高到史诗般的地位，被誉为17世纪荷兰最重要的风景画大师，《急流》、《犹太人的墓地》等。雷斯达尔，他在写实精度和细节的纤巧上并不突出，但总能显示出浑厚的力量。雄伟的气势，闪烁的光影，使风景画提高到史诗般的地位，被誉为17世纪荷兰最重要的风景画大师，《急流》、《犹太人的墓地》等。威廉.考尔夫等雷斯达尔，他在写实精度和细节的纤巧上并不突出，但总能显示出浑厚的力量。雄伟的气势，闪烁的光影，使风景画提高到史诗般的地位，被誉为17世纪荷兰最重要的风景画大师，《急流》、《犹太人的墓地》等 17世纪荷兰现实主义美术特点首先，人道主义和民主主义仍然是作家们的重要思想武器。 20世纪上半叶，“罗兰主义”是现实主义作家的基本立场。他们猛烈抨击不人道的社会现实，批判社会对人的异化，谴责统治者的残忍和法西斯主义的暴行，同情受侮辱受损害的下层人民，同情无产阶级革命，向往没有人压迫人的美好未来。但由于把“博爱”当作出发点和终点，宣扬“爱能拯救一切”，视贫富均等为最终目标，因此在本质上因袭了19世纪的传统而没能达到新的高度。但其中也不乏探索精神，如20、30年代就曾有一批作家用阶级斗争观点或社会主义思想去观察社会现实，试图站在崭新和时代高度去分析问题。马丁?杜?伽尔（1881—1958）的《蒂博一家》（1922—1940）通过蒂博和丰塔南两个家庭的变迁，反映了第一次大战期间法国资产阶级社会的矛盾和知识分子的心理状态，从人道主义立场反对战争。小说采用意识流手法刻画人物，表现了现实主义兼容并蓄的开放性。50年代以后，现实主义文学中的人道主义出现了革命倾向，作品中的劳动人民不再是受命运摆布的小人物，而成了敢于跟罪恶势力作斗争的“强者”。其次，作家们始终坚持真实性这一现实主义文学创作的基本原则。以现实的、具体的、变化中的人的精神世界及生活遭遇为描写对象，从人与周围环境的关系中探讨人生底蕴，进行真实的审美反映。他们以巨大的热情和批判的眼光审视复杂、残酷的现实，历史主义地表现客观世界的发展过程，力图通过对人物的性格、命运和环境的艺术概括，回答“老是存在而又无法解决”的问题，令人信服地揭示旧制度、旧生活无可挽回地走向衰亡的趋势。较之19世纪现实主义，叨世纪现实主义在反映现实的及时性和撷取题材的政治性上更进了一步。许多作品，往往在被描写的事件刚刚结束甚或还未结束时就写了出来。

欧洲四大艺术风格

欧洲四大艺术风格：罗马，哥特，文艺复兴和巴洛克在欧洲影响最广最深的艺术风潮。分别为罗马式风格、哥特式风格、文艺复兴式风格以及巴洛克式风格。罗马式艺术风格现在人们普遍所说的罗马式建筑，罗马式花园，罗马式画风都是指欧洲在11~13世纪的艺术风格，主要泛及整个西欧和大部分中欧地区。主要表现在建筑，绘画等主要艺术作品当中。其中因地域不同而又各有区别。在建筑方面，最典型的是教堂罗马式教堂建筑艺术自公元1096年开始的十字军东侵，使欧洲兴起宗教的热潮，封建主对宗教的狂热达到如醉如痴境地，他们全力为自己领地兴建规模壮观的教堂和修道院，建筑史上称这种新形制为“罗曼内斯克”即罗马式。而这个时期的其他造型艺术如雕塑、绘画等都成为与教堂不可分割的装饰部分，因此在美术史上统称为“罗马式”。罗马式建筑外观巨大、繁复，但装饰简单大方。最特别的是建筑的屋顶，罗马式风格建筑的设计都是一拱顶为主，以石头的曲线结构来覆盖空间。法国Tournus的Saint Philibert教堂拱顶

Cluny大教堂（于18世纪至19世纪初被毁，该图为效果图）在罗马式繁华的教堂艺术风格之中又有最典型的两种：伦巴第(Lomb arda)和诺曼底(Normanna) 图为意大利米兰的sant'ambrogio大教堂，它是典型伦巴第风格。它是第一个使用拱肋来加强交叉拱顶的教堂。伦巴第风格的建筑给人很强的节奏感而诺曼底风格的教堂又要比伦巴第风格的教堂显得更加精致优雅，最著名的就是英国Durha m的Cathedral大教堂。

说到罗马式建筑不得不提到雕塑。教堂雕塑也是十分典型的，其在教堂建筑中是画龙点睛的一笔。在中世纪的欧洲，人们认为艺术不应该独立存在，每种艺术都得以自身的手段和方式为建筑所创造。在这样的观念下。雕塑、绘画都是臣服建筑这个主体。常常运用杏型结构图为Moissac圣彼得修道院门楣雕塑既然是宗教建筑，怎么能少了著名的耶稣受难象呢？在罗马式风格影响下，雕塑家把作品创作得紧凑、复杂、色彩丰富。在不同国家有着不同风格。德意志的很具感染力；意大利的神圣；西班牙的很简单。。罗马式风格艺术的绘画流传至今的基本上是壁画、绘画，但也有书籍插图及少量的羊皮画。内容基本上是当时的主流思潮-宗教故事及圣人生平。绘画的重点是耶稣，几乎都是坐像，周围是圣徒、凡人、被制服的恶魔。。。（发现和我们古代绘画格式差不多）当时的绘画风格多用象征性的手法来表现活动或环境，不是很注重真实的表达。而更多的是表现人物，运用了夸张、变形等构图，强调整体效果，突出细节。图为Tahull的米歇尔大教堂的耶稣坐

山西十大特色民间艺术形式

山西十大特色民间艺术形式 1.花腔鼓 2.定襄蒋村 3.晋中妈祖信仰 4.临猗地台戏 5.“四句”秧歌剧 6.翅果油熬制技艺 7.汾西地灯秧歌 8.灵丘制针 9.中和节10.迎喜神 NO.1 花腔鼓花腔鼓是襄汾县赵雄村一带流行范围很窄但又影响广泛的民间傩舞。花庆鼓”是一种流行范围很窄但又影响广泛的民间鼓乐，据查证相关资料和走访当地艺人，其仅为襄汾县赵康镇赵雄村独有。

它以扁鼓、梆子、小锣、夹板四种乐器为一组，依人数多少分成若干组进行表演。在表演中，所有参与者都各自佩戴不同形象的鬼卒面具，其均无下颌，并依所戴面具形象，配挂红、黑、长各不同的三绺或满把胡须。在过去除五鬼光头外，判官和其他鬼卒顶两侧均插有形似摺扇的纸花两朵，以示阴间鬼魁，但现在已没了这样的区别，而全部则以方巾裹头。在表演中，判官和各类鬼卒，形象凶恶狰狞，或立眉瞪眼，满脸横肉;或凶恶阴险，用蓝、绿色涂抹，更渲染得阴森恐怖，令人生畏，故民间“阴鼓”之称，是一种典型而又少见、具有独特表演风格的民间鼓乐，曾先后参加了电影《炮打双灯》和中央电视台七套“乡村大舞台”等电影、电视节目的拍摄，在多项民间广场文化表演中获奖，受到了广大群众的喜爱。说起花庆鼓要追溯到唐朝贞观年间，唐太宗李世民阳寿已尽，阴府判官因感于太宗为国为民之情，不忍世因主而乱，所以私自改了生死簿，为其增加了寿数而触犯天条，依律当诛，但玉皇感其为民之初衷，从轻发落，给予游乡示众。有一名叫花庆的鼓师，为判官之举所动，回家后苦思冥想，七天水米未进，到第七日子时幡然醒悟，于是操鼓而击，为后人留下这铿锵激昂、节奏明快、独树一帜的精美鼓乐，后世为纪念他起名"花庆鼓"也称“花腔鼓”。

欣赏我们常说的欧洲五大艺术风格是什么

欣赏我们常说的欧洲五大艺术风格是什么罗马式艺术风格罗马式教堂建筑艺术，自公元1096年开始的十字军东侵，使欧洲兴起宗教的热潮，封建主对宗教的狂热达到如醉如痴境地，他们全力为自己领地兴建规模壮观的教堂和修道院，建筑史上称这种新形制为“罗曼内斯克”即罗马式。而这个时期的其他造型艺术如雕塑、绘画等都成为与教堂不可分割的装饰部分，因此在美术史上统称为“罗马式”。罗马式建筑外观巨大、繁复，但装饰简单大方。最特别的是建筑的屋顶，罗马式风格建筑的设计都是一拱顶为主，以石头的曲线结构来覆盖空间。看过《达芬奇的密码》吗？里面提到的拱顶石就是建造拱顶最重要也是最后才放入的。说到罗马式建筑不得不提到雕塑。教堂雕塑也是十分典型的，其在教堂建筑中是画龙点睛的一笔。在中世纪的欧洲，人们认为艺术不应该独立存在，每种艺术都得以自身的手段和方式为建筑所创造。在这样的观念下。雕塑、绘画都是臣服建筑这个主体。常常运用杏型结构在罗马式风格影响下，雕塑家把作品创作得紧凑、复杂、色彩丰富。在不同国家有着不同风格.德意志的很具感染力；意大利的神圣；西班牙的很简单。当时的绘画风格多用象征性的手法来表现活动或环境，不是很注重真实的表达。而更多的是表现人物，运用了夸张、变形

等构图，强调整体效果，突出细节。而现在人们普遍所说的罗马式建筑，罗马式花园，罗马式画风都是指欧洲在11~13世纪的艺术风格，主要泛及整个西欧和大部分中欧地区。在建筑方面，最典型的是教堂。哥特式艺术风格哥特（Goth），原指代哥特人，属西欧日耳曼部族，同时，哥特也是一种艺术风格，主要特征为高耸、阴森、诡异、神秘、恐怖等，被广泛地运用在建筑、雕塑、绘画、文学、音乐、服装、字体等各个艺术领域，哥特式艺术是夸张的、不对称的、奇特的、轻盈的、复杂的和多装饰的，以频繁使用纵向延伸的线条为其一大特征，主要代表元素包括蝙蝠、玫瑰、孤堡、乌鸦、十字架、鲜血、黑猫等等。哥特式艺术风格起源和发展于11－12世纪，由于社会的新阶级中产阶级的崛起，他们不再为贵族所用。成为自由贸易者和手工艺制造者。随着王权的限制，商业和城镇开始发展起来。其实在中世纪，宗教统治几乎可以抗衡王权的威力，而那些神职人员可以说对建筑物建造风格影响很大，他们成为了城市里主要角色。而宗教资产也十分雄厚，主教和资产阶级投资，建造更加宏伟的新教堂. 哥特式教堂中每一种构造元素都很高耸，尖细。就象指向天空的利剑，仿佛屋顶直通天堂。尽其所能的接近上帝，这就是哥特式建筑千方百计想要实现的。最著名的就是大名鼎鼎的巴黎圣母院了。哥特式教堂建筑还有一个明显的特点，就是没有实体墙壁，而是利用雕塑