美术作品简介

《拾穗》（Des glaneuses）是法国巴比松派画家让-弗朗索瓦·米勒最著名的作品之一，绘于1857年，目前则存放在巴黎的奥塞美术馆中。

拾穗一词渊源于旧约圣经，指农民需让贫苦人捡拾收割后遗留穗粒以求温饱，而该画除了描绘3名农妇在金黄色麦田捡拾麦穗情景外，其金黄阳光、弯腰等细节，另外呈现“英雄史诗般的崇高意境”。

米勒生长于诺曼底的农场，本图是他在35 岁左右以前尚找不到艺术方向的苦斗时代之代表作。他讨厌巴黎疯狂似的气氛及噪音，他在《拾穗》之中初次使用写实主义的手法，其简洁扎实的素描功力，及风景处理上对于不必要部份的省略之点特别引人注目。马车、马、房子、树木、杂草等的背景及其间所见的小人影乃是此一广大的劳动场面所不可或缺的成份。在米勒的作品中常以人物为中心，这一点异乎经常听懂﹝森林语言﹞的其他巴比仲派画家。其后梵高还临摹过米勒的作品。

艺术家让-弗朗索瓦·米勒

年份1857年

类型油画

现藏于奥塞美术馆，巴黎

《晚祷》表现了一对农民夫妇在暮色中谛听远处教堂钟声时正在祈祷的情景。米勒本人曾强调，此画的意境主要是表现钟声。因为他画《晚祷》时，曾回想到童年时代在田间劳动时，每当晚钟响起，祖母总要一家人停止工作，为可怜的死者祈祷。宗教就其本质来说是“精神的鸦片”,不过在诚实劳动者身上，信仰就是“追求道德”，就是“向善”，他们真正相信“人不单是靠面包活着”，更是靠首先理想的支持。他们认为统治阶级的贪婪无耻，违背“上帝的本意”。他们看不到宗教在劝导人们安贫乐道的时候，实际上是维护了剥削者的利益。但从劳动者自身的笃言信行和苛求于已方面，反映了他们品格中的优良素质。

《晚祷》正是由于深刻地反映了这样一种复杂的矛盾，因而具有长久的魅力。画面上，夕阳西下，劳动了一天的农民夫妇，听到远方教堂钟响，丢下手中的活计，俯首默默祷告。画家着力描绘出他们的虔诚，我们为他们的纯朴和诚实所感动。可是画中反映的现实生活又形象地告诉人们，他们虔诚的结果是什么--简陋的工具，破旧的衣衫，两小袋马铃薯，在无垠的大地的映衬下，他们是那样地孤立无援。《晚祷》的主题不单是对命运的谦恭和柔顺，而更重要的是人们缅怀在那大地上辛勤劳动，流尽汗水以养育众生的农民。米勒在法国绘画中确立了真实地反映农民日常生活和艰苦劳动的新型风俗画，《晚祷》即是这一主题的佳作。

艺术家让-弗朗索瓦·米勒

年份1857年－1859年

类型油画

尺寸55 cm × 66 cm

现藏于奥塞美术馆，巴黎

《牧羊女》

一个乡村牧羊女，站立在草原的旷野中，默默在祷告上帝赐予一天的平安生活。安贫乐道，是法国农村宗法生活方式的精神支柱，它受到宗教观念的长期约束，这是劳动者的基本品质。这种观念的形成，与世世代代在土地上勤耕细作的操劳生活所养成的品格有着密切的关系。米勒由于自身的体验，感受到这种品格的可贵性与可悲性。

在这幅画中，为了展示农村妇女的日常劳动生活，画家捕捉了一个十分抒情的牧羊生活场面（天空、草原、羊群、祈祷着的少女）：高高的地平线，平坦与辽阔无垠，牧羊女披着旧毛毡披肩，围着红头巾，孤独地与羊群为伴。这个头上包着暗红色绣花毧帽，身上披着厚重毛毡的牧羊女，背对着羊群与彩霞，兀自编织着手上的毛线衣，她微躬的身影与专注的神情，宛如祷告般的虔诚。这幅画无论就色彩，还是牧羊女形象都处理得比较细致、统一、和谐。真实感加强了全画的乡土气息。

其实融合了《拾穗》和《晚钟》的长处：低头祈祷、感谢上苍赐予她工作机会的牧羊女，和其他画作同样都包涵着农民单纯的心与虔诚的宗教情怀。牧羊女站在落日余辉里，虽然因为逆光，脸部和身体比周围的景色、羊群都要昏暗一些，但是，米勒流畅沉静的色彩，把因为生活压力而不得不微微伛偻的牧羊女身躯，描绘得像是一座矗立在大地上的雕像，让人们很难不多看几眼；尽管她的衣衫褴褛，神情也很疲惫，但在米勒眼中，她和其他的农民都是“日复一日劳动，来养育这伟大民族、来缔造这美丽国家”的英雄，有一种平凡的诗情画意。

有人说那个虔诚的牧羊女就是米勒，或者说是他的精神化身，贯穿终身的是作者自己对大地、对自然的虔诚。忧郁悲切的牧羊女，在夕阳的余辉中，站立在旷野上，似乎在默默的祷告着。米勒由于自身的体验，感受到贫苦劳动者的辛酸与痛苦，所以他以悲悯和同情的心态创作了这幅画。

“农民画家”米勒从小就看着农民在近乎不人道的严格劳动中求生存，因此，当他在眺望自然时，也毫不忽略在自然中与大地结合为一的人类。与荷兰风俗画相比较，在这幅画中毫无任何戏剧性的偶发事件，唯有暮色中成群的羊儿和低首祈祷的牧羊女。乍看之下显得随意的构图法，透过深沉的暮色实更加深了画面的静谧气氛。

艺术评价：

这幅画意外地让米勒在官方展览中获得一致的好评，也许正因为画面上所捕捉到的“真实”，米勒的作品也超越时代深深地感动后人。一八六四年米勒以这幅《牧羊女》参加法国巴黎沙龙美展，获得极高的赞誉。这幅画无论就色彩，还是牧羊女形象都处理得比较细致、统一、和谐。抒情的忧郁，加强了全画的感人力量真实感加强了全画的乡土气息。

《奥南的葬礼》，是库尔贝于1849年至1850年期间创作的一幅油画，现藏于巴黎卢浮宫美术馆。《奥南的葬礼》取材于库尔贝家乡小城镇上一种习俗生活。在埋葬仪式上，所有参加者的表情是肃穆的，因而这幅画的构图从形式到内容，都显得呆滞有余，而节奏不足。

作品评价：

这幅大作在沙龙展出时，评论家们对于如此大幅的艺术品中引入平民百姓、描绘外省民俗，使之登上神圣的艺术殿堂的作法大加鞑伐，指责作品“粗俗”、“卑劣”，展出这件作品是“丑闻”。对于这件攻歼，画家实在是不屑于顾，只是在多年后，库尔贝才明确的指出“《奥南的葬礼》实际上是浪漫主义的丧葬”。1882年，这件作品被卢浮宫收藏。

【名称】奥南的葬礼【类别】油画、名画【年代】1849-1850年

【作者】库尔贝【规格】315×668厘米【属地】巴黎卢浮宫美术馆

《伏尔加河上的纤夫》是伊里亚·叶菲莫维奇·列宾的代表作，也是他的成名作。现收藏于圣彼得堡俄罗斯国立美术馆。

《伏尔加纤夫》是伊里亚.叶菲莫维奇.列宾在19世纪80年代初创作的批判现实主义油画中的杰作。这是画家亲眼目睹的情景，成为挥之不去的记忆，列宾决定把这一苦役般的劳动景象画出来，狭长的画幅展现了这群纤夫的队伍，阳光酷烈，沙滩荒芜，穿着破烂衣衫的纤夫拉着货船，步履沉重地向前行进。纤夫共11人，分为三组，每个形象都来自于写生，他们的年龄、性格、经历、体力、精神气质各不相同，画家对此都予以充分体现，统一在主题之中。全画以淡绿、淡紫、暗棕色描绘头上的天空，使气氛显得惨淡，加强了全画的悲剧性。

画作名称：《优尔加河上的纤夫》创作者：伊里亚.叶菲莫维奇.列宾（1844.7－1930.9）（俄国）创作年代：作品尺寸：131.5cm×281cm 风格：批判现实主义规格：131.5×281cm

材质：布油彩存藏处：圣彼得堡俄罗斯国立美术馆藏

列宾在１９世纪７０年代与８０年代初，完成了一幅重要历史画《１６９８年新处女修道院内的索菲亚·阿列克赛耶芙娜公主》。不久，又在第１３届巡回展览会上展出了他的另一幅重要历史画《伊凡雷帝和他的儿子》，引起了社会的很大反响。最后，列宾的一幅早从１８７８年开始酝酿的巨作，又在１８９１年公开展出了，这就是构思达１３年之久的杰作《查波罗什人给土耳其苏丹回信》。这幅画可说是列宾集人物性格刻画之大成，它展示了一种学派，一种１９世纪俄国写实主义绘画最光辉的学派--重视典型人物的个性特征。列宾以很大的热情来塑造哥萨克查波罗什人的不同类型，注意他们每个细节，搜集他们特有的民族服装、道具，选择每个不同形象的性格特征，并用俄国学院派所讲究的构图方法去处理这个多人物的戏剧性场面。这幅油画给俄国近代油画史增添了光辉。

【名称】查波罗什人给土耳其苏丹回信【类别】油画、名画【年代】作于１８８１年【作者】列宾【规格】６９×５７厘米【属地】现藏俄罗斯特列恰柯夫美术馆

作者：列宾

这幅画是1883年画的。据瑞士一个美术评论家介绍，列宾是1982年就开始了这个题目的构思。因为1881年发生了谋刺沙皇，亚历山大二世，沙皇要严厉处决同谋犯，甚至把车尔尼雪夫斯基被处流放二十年。

列宾是俄罗斯批判现实主义画家中最杰出的一位。根据手中几段参差不齐的介绍，似乎他创作《不期而至（意外归来）》的动机来自１８８１年俄国发生的一次谋刺亚历山大二世的政治事件。

苏里柯夫的成名之作，场面开阔，极为壮观。它在题材和表现手法上突破了当时学院派历史画以《圣经》和神话为中心的虚构和表面效果，气势宏伟，人物形象生动，具有历史认识的意义和高度的美学价值。

画作名称：《近卫军临刑的早晨》

作者：瓦西里·伊凡诺维奇·苏里科夫（Vasily (Basil) I. Suricov）（俄国）

创作年代：1878-1881年风格: 现实主义画派：巡回画派题材: 历史

规格：218×375cm 材质：布面油画现存藏：莫斯科特列恰科夫美术博物馆

作品赏析

苏里柯夫（1848－1916）善于创作大型历史画，《近卫军临刑的早晨》、《缅希柯夫在别留佐夫镇》、《女贵族莫洛卓娃》被称为苏里柯夫历史画的“三部曲”。

《近卫军临刑的早晨》描写了17世纪俄国历史上的一件真事。1698年正当彼得大帝出国

访问时，俄国发生了近卫军兵变。彼得大帝得知后仓促回国，立即残酷地镇压了这次兵变。画面的背景是莫斯科克里姆林宫的墙外和华西里伯拉仁诺大教堂的天球顶。身穿海蓝色军装的彼得大帝骑在高头大马上，亲自监督处决“谋反”的近卫军。他的背后是整齐森严的行刑队和一排绞刑架，他的右边是一群外国使节和他的宠臣。占据画面大部分前景的是动乱的人群，一些农民装束的近卫军家属围绕在六个即将临刑的近卫军身旁，他们悲痛地哭泣着。表现了宁死不屈的俄罗斯民族的坚强性格。

【画作名称】《女贵族莫洛卓娃》

【创作者】瓦西里·伊凡诺维奇·苏里科夫（Vasily (Basil) I. Suricov）（俄国）

【创作年代】1887年【类别】画布油画【风格】现实主义【题材】历史【规格】304×587.5cm 【材质】画布油彩【存藏处】莫斯科特列恰科夫美术博物馆作品赏析

女贵族莫洛卓娃是沙皇的亲属，她少年守寡，笃信宗教，后来告别宫廷，疏财仗义，救济贫民。由于她反对改革，沙皇下令逮捕她，把她流放到帕洛夫斯克，最后饿死在那里。画中表现的是她被押解途经莫斯科街道的情景。苏里柯夫以冷峻的色调，表现了一种普遍意义的英雄性格，而不仅只是事件本身。

苏里科夫的绘画作风非常严谨，为了寻找心目中的模特，不惜满街漫游，找到后一直纠缠人家，直到答应为他做模特为止。《女贵族莫洛卓娃》中右下角的乞丐就是用这种方法找的模特。

该画是印象主义绘画的开山之作, 它标志着印象派绘画的产生．迅速成为一个风靡全球, 影响深远的世界性画派．它强调自然界的光和色, 把光与色的变化作为绘画的主流．莫奈被认为是第一个采用外光技法进行绘画的印象派大师。

艺术家克劳德·莫内

年份1872年

类型油彩/帆布

尺寸48 cm × 63cm (19 in × 25in)

现藏于马蒙丹美术馆，巴黎

《青铜时代》是法国雕塑家罗丹依据真实人物塑造的男子裸体雕塑，手法写实，以“青铜时代”为题，象征人类的启蒙时代。他左手握拳，右手扶头，面孔昂起作思索状。右腿微微起步，他似乎还不敢迈步，只能轻轻地踮起脚，作出欲迈步的姿态。他的眼睛似乎带着朦胧的睡意，然而，他的身体是伸展的，整个雕塑充满了青春活力，意味着人类刚从蒙味、野蛮的状态中解脱出来，逐渐具有清醒的意识，即将进入文明智慧时期。这本是一个比古典主义更“古”的题材，罗丹却摆脱了溺古不化的学院派刻板方法，以写实主义手法塑造了一个真实而有血有肉的形象。由于这座激像与真人一样大小，又十分逼真，引起对罗丹人体艺术的误解，官方评审会断认他是从尸首上模印下来的而拒绝展出，这使罗丹十分气愤。雕刻家布歇等同仁理解罗丹创作的思想感情。联合出面为罗丹申辞，

要求官方重新对待罗丹的作品，才使这尊划时代的杰作得以在沙龙陈列。这场斗争给罗丹带来了更大的荣誉。

雕塑名称：加莱义民

雕塑资料：青铜，208.5×239×190.5厘米，法国雕塑家罗丹创作于1884－1886年，现存法国加莱市

加莱义民是一座以表现人物群像为主的纪念性雕塑。它表现的是14世纪英法百年战争时期，六位加莱市市民悲壮就义的场景。当时法国加莱城被英国国王爱德华三世的军队包围，即将陷落，全城人民在严重的饥饿和困乏之下被迫向英王求和。但骄傲的英军提出苛刻的条件：需要六位最受尊敬的加莱市民身穿麻衣，颈套绳索，光脚走到英国军营交献该城钥匙并将被处死。于是，罗丹于1884——1886年应加莱市政府的请求，创作了这件震撼人心的群像雕刻。群像富有戏剧性地被排列在一块象地面一般的低台座上。这六个义民的造型各自独立，然而其动势又相互联系着。组雕是一个整体，是一种充满着可歌可泣的义举形象的整体。罗丹以彻底逼近真实和深入探索的精神，尖锐的心理刻画和强烈的性格表现在震撼着人民的心。这件作品不论其结构，和就其对纪念性形象的理解，以及对英雄人文的阐述，都具有革新的意义，显示了罗丹艺术的辉煌不凡。

巴尔扎克是法国19世纪文坛巨星，他的作品具有浪漫主义激情和批判现实主义的精神。罗丹对他非常敬慕，十分乐意为他塑像。所以1891年法国文学家协会委托罗丹雕塑一尊巴尔扎克像时，他当即表示我要做一番非同寻常的事业。在罗丹10岁时，巴尔扎克就已去世。因此在形象的塑造上，他做了大量的阅读、考察和研究，前后作了四十多件形象习作，着意刻画一代文豪的外貌和精神特征。雕刻家认为，创造形似的巴尔扎克不是主要的，我考虑的是他的热情工作，他的艰难生活，他的不息的战斗，他的伟大的胆略和精神，我企图表现所有这一切。罗丹塑造的巴尔扎克是个夜间漫步的形象。文豪习惯于夜间穿着睡衣工作，所以罗丹让他披着睡衣在星空下沉思，那宽大的睡衣包裹着屹立的巨人。据说原来作的小稿中，巴尔扎克有一双智慧的手。罗丹在征求他的学生、助手布尔德尔的意见时，布尔德尔赞美地说：“他这双手雕得太好了！”罗丹听后拿起锤子就砸掉了这双手，因为他怕这双手过分突出而让人忽略了主要的部分。现在人们看到的巴尔扎克，双手被睡袍紧紧遮盖，面部精神被突现了出来，在月光下好像独自整夜在行走、思考。作品完成后，出人意料的是委托人拒绝接受，甚至指责这尊雕像像一只企鹅、一个雪人、一堆煤、一个怪胎、不成形的幼体动物。还有人认为巴尔扎克像是19世纪末颓废风气和精神错乱的象征。即使一些善良的人也认为它“哲理过多，造型不足”。法国文学家协会决定废除合同，理由是他们在“粗制滥造的草稿”中很难认出巴尔扎克的形象。面对这一切批评、指责，罗丹却说：“我的巴尔扎克像，他的动态和模样使人联想到他的生活、思想和社会环境，他与社会生活是不可分离的，他是个真实的活生生的人。”他还认为巴尔扎克像是我一生的顶峰，是我全部生命奋斗的成果，我的美学理想的集中体现。

思想者（法语：Le Penseur），又称沉思者，是奥古斯特·罗丹的铜雕与大理石雕塑作品，目前存于法国巴黎的罗丹美术馆（Musée Rodin）。该雕像原本是群雕“地狱之门”横楣上一座主雕像，也是该群雕的代表雕像之一，后来罗丹把之单独制作出一副雕像，之后也成为了罗丹著名作品之一。[1]

这件作品将深刻的精神内涵与完整的人物塑造融于一体，体现了罗丹雕塑艺术的基本特征。罗丹的人体雕塑不仅展示人体的刚健之美，而且蕴藏着深刻与永恒的精神。这是一个强劲而富有

内力，成熟而又深刻的形象。那生命感强烈的躯体，在一种极为痛苦状的思考中剧烈地收缩着，紧皱的眉头，托腮的手臂，低俯的躯干，弯曲的下肢，似乎人体的一切细节都被一种无形的压力所驱动，紧紧地向内聚拢和团缩，仿佛他凝重而深刻的思考是整个身体的力量使然。罗丹认为深刻的思想是靠富有生命活力的人体来表现的，所以，他的人体雕塑不仅展示人体的刚健之美，而且蕴籍着深刻与永恒的精神。

地狱之门：

这件大型雕塑共有186个形象，是根据但丁的《神曲地狱篇》构思创作的，历时达37年，直到他去世前一年还在修改。《地狱之门》代表的是罗丹更为内在的痛苦与压抑的灵魂。为了《地狱之门》，罗丹用了一年的时间来阅读但丁的《神曲》，沉浸在但丁用文字塑造的虚幻世界里，用100多幅把书中描写的八层地狱画了出来，他运用中国水墨勾勒轮廓，用褐色水彩颜料衬出阴影，以体现出立体效果；有些画还只是直接演绎但丁的原意，如弗兰切斯加、乌哥利诺、地狱中形形色色的罪人，以及代表但丁本人的思想者。有的已不是简单的解释性的插图，而是评论性的阐述了。罗丹很快就对这个题材展开，引进了一系列新的形象。从这些新形象，不难看到诗人波德莱尔对他的影响。罗丹想要创造整个世界，把人类的种种感情都淋漓尽致的表现出来。《地狱之门》原定于1884年完成，但罗丹却一再拖延，历时37年，直到他逝世也没有完成。1900年展出的石膏像模型中，几乎已经完全删除了所有的圆雕像。罗丹去世后，《地狱之门》是由巴黎罗丹博物馆第一任馆长最后定型的。1926年，应美国费城罗丹博物馆之请，这件巨作浇注成青铜雕像陈列在该馆。

罗丹的语录；

1、在艺者眼中，一切都是美的，因为他锐利的慧眼，注视到一切众生万物之核心；如能抉发其品性，就是透入外形触及其内在的“真”。此“真”，也即是“美”。－－罗丹

2、生命之泉，是由心中飞涌的；生命之花，是自内而外开放的。同样，在美丽的雕刻中，常潜伏着强烈的内心的颤动。这是古代艺术的密。－－罗丹

3、艺者的德性只是智慧，专注，真诚，意志。－－罗丹

4、艺术之源，在于内在的真，你的形，你的色，都要传达情感。－－罗丹

5、最主要的是感受，爱憎，希冀，吟哦，生活。要做艺术家，先要从人做起。－－罗丹

6、恶是枯干。——罗丹

《吻》，大理石雕像，高190厘米，法国雕塑家罗丹，创作于1884－1886年，现藏于巴黎罗丹美术馆。

《吻》取材于但丁的《神曲》里所描写的弗朗切斯卡与保罗这一对情侣的爱情悲剧，罗丹取用这一题材以更加坦荡的形式，塑造了两个不顾一切世俗诽谤的情侣，在幽会中热烈接吻的瞬间。

这件雕塑把双人座像的下半部纳入大理石整体之中，避免了脚的繁琐而加强了坐像的整体感。以极为古典的写实手法雕刻而成。他们起伏,细腻,优雅的肌体和姿态，引起了极为生动的光影效果。仿佛其内在的青春热情与生命，正凭借这些光影在闪烁。当我们望着这生动眩目的杰作时，每一个人都不得不为之激动,即生命之本源的感动。爱情，本就是世间万古不朽的永恒主题。罗丹选取了裸体男女的接吻，这纯洁肉体的最初接触，因而是最动人心弦的。这对受欲望之火燃烧的恋人被放在“地狱之门”中，表达了作者那永无答案的痛苦而矛盾的思索：人的罪恶由不可克服的欲望而来，而欲望是由于人类对光明与欢乐的追求而来，因此人类的欲望就是罪恶的深渊，人类的欢乐就是导向罪恶的途径，而人类的痛苦就是注定不可抗拒的，永无完结的