声乐表演艺术的本质

发表时间：2012-11-27T10:44:22.153Z 来源：《素质教育》2012年10月总第98期供稿作者：胡琴琴

[导读] 众所周知，人类的艺术活动可分为创作和欣赏这样两个方面。没有艺术作品的创作，就没有艺术审美的对象

胡琴琴江西宁都中学342800

声乐表演艺术是声乐作品实现审美价值的重要环节。在整个声乐演唱中，体现了声乐作品创作从精神表现向物质表现的转化过程。我认为词曲作家的创作只是一种精神表现，只有通过声乐表演，将观念中的音响或乐谱上的音符转化为感觉器官可以感受的实际音响，声乐的美才能真正地展现出来，成为观众所需要的审美对象。因此声乐表演是声乐作品创作与声乐欣赏的中介环节，也是不可或缺的。在这个环节中，声乐表演者的任务不仅仅是要正确、深入、细致地表现声乐作品，更重要的是体现出独具个性的再创造，所以又可以说声乐表演是声乐作品的二度创作。

一、声乐表演是声乐作品创作与声乐欣赏的中介环节

众所周知，人类的艺术活动可分为创作和欣赏这样两个方面。没有艺术作品的创作，就没有艺术审美的对象；若没有艺术审美，艺术作品的价值就无从实现。但是我们还应该看到，在有些艺术形式中，存在着“表演”这一特殊的中介环节，脱离了这个环节，这些艺术的创作与欣赏就难以连结。

例如戏剧、舞蹈、电影，这类艺术通常被称为表演艺术，其原因就在于这类艺术区别于其他艺术的一个重要标志，是需要通过表演来展示出来的。声乐艺术就其本质来说也属于这类艺术，即以表演作为再创作的艺术形式。在早期人类音乐生活当中，声乐演唱并不是一个相对独立的艺术形式。在纪录音乐的符号——乐谱未出现或尚不完善的时代，声乐创作就体现为歌唱活动，作曲家也往往是其作品的直接演唱者。口传心授的方法虽然也能够使声乐作品成为其他人表演的范本，但这种局限性很大。因此，在很长的一段历史时期里，声乐作品的传播由于声乐创作者和表演者之间没有明确的分工，作曲家的创作范围就受到了一定的限制，他只能创作自己演唱出来的东西。

大约在19世纪下半叶，脱离创作而专门从事歌唱的职业音乐家队伍逐渐壮大起来。声乐表演与声乐创作的分工，使作曲家摆脱了自身能力的限制，在声乐表演和创作都高度专业化的时代，一个作曲家不必是一名歌手，却可以创作出高难度的、辉煌的声乐作品。因为作曲家的意图无需再由他本人转化为具体的音响，这项工作已完全交由专业的歌唱家来完成。

总之，声乐表演是声乐创作和声乐欣赏之间的一个不可缺少的中介环节，作曲家需要通过表演者的活动来实现自己的意图，而听众则需要通过某一次具体的欣赏来了解一部声乐作品。声乐表演作为音乐审美活动中一个相对独立的艺术形式，显示出其特有的地位和作用。声乐表演的相对独立性，标志着声乐艺术的成熟，有效地促进了声乐艺术的繁荣。因此，本人认为声乐表演水平的高低影响着声乐审美表现的各个方面，没有高水平的演唱，再好的作品也不能体现其真正的美妙，同样，如果没有歌唱者成功的演唱活动，听众也不可能欣赏到完美的声乐作品。

二、声乐表演是声乐作品的二度创作

声乐表演就是把声乐作品从乐谱变为实际音响的过程。表面看来，这项活动似乎只是为了完成某种传达和再现的任务，没有什么创造性可言。然而事实并非如此，虽然声乐表演必须以乐谱为依据，必须把词、曲作家的创作成果作为出发点，准确、忠实地体现出词、曲作家的创作意图，但这并不意味着只要按照乐谱上的标记把音乐的音响复制出来就算是完成了声乐表演的使命。一个成功的歌唱家的演唱无论是悲是喜、或怒或泣，之所以能扣人心弦，引起观众心理的共鸣，使人终生难忘，不仅是由于演唱者具有高超、娴熟的声乐演唱技巧，更重要的在于，演唱者通过对作品的二度创作赋予了作品强大的艺术生命力，在体现演唱者深厚的艺术修养功底的同时，也说明了演唱者对声乐作品所进行的二度创作是成功的。因此人们把声乐表演称作“二度创作”是有事实根据的。

声乐表演，作为创造性活动的另一个有说服力的证明是:不同的演唱会产生出不同的审美效果。假如人们从声乐表演中所期望获得的只是千篇一律的复制，那么，一首声乐作品的每一次演唱就该分毫不差、全部相同。

一方面，不可能存在两次完全相同的演唱，虽然在乐谱所规定的范围内不同的演唱之间保持着相对的一致，但是在力度变化及微妙的情感表现和内在韵律等方面，即便是同一个演唱者的两次不同的演唱之间，也不可能毫无差别。

从另一方面看，声乐作品的听众历来不喜欢毫无生气、缺乏创意的声乐表演，当他们走进音乐厅的时候，不仅仅是怀着对声乐作品的兴趣，而且也期望歌唱家能够给他们带来新的感受。

声乐技巧之开嗓的方法(优选材料)

声乐技巧之开嗓的方法第一阶段：未曾出声先练气研究资料表明人在正常情况下，每分钟呼吸16—19次，每次呼吸过程约3、4秒钟，而演唱时，有时一口气要延长十几秒，甚至更长，而且吸气时间短，呼出时间长，必须掌握将气保持在肺部慢慢呼出的要领，所以要先做： (一)“深吸慢呼气息控制延长练习” 其要领是：先学会“蓄气”，先压一下气，把废气排出，然后用鼻和舌尖间隙像“闻花”一样，自然松畅地轻轻吸，吸的要饱，然后气沉丹田，慢慢地放松胸肋，使气像细水长流般慢慢呼出，呼得均匀，控制时间越长越好，反复废?—6次。 (二)“深吸慢呼数字练习” 我们把第一步骤称为“吸提推送’，“吸提”的气息向里向，“推送”的气息向外向下，在“推送”同时做气息延长练习。我们推荐三种练法 A.数数练习：“吸提”同前。在“推送”同时轻声快速地数数字“12345678910”，——口气反复数，数到这口气气尽为止，看你能反复数多少次。 B．“数枣”练习：“吸提”同前。在“推送”同时轻声：“出东门过大桥，大桥底下一树枣，拿竹竿去打枣，青的多红的少(吸足气)一个枣两个枣三个枣四个枣五个……这口气气尽为止，看你能数多少个枣。反复4—6次。C．“数葫芦”练习：“吸提” 同前。在“推送”同时轻声念：“金葫芦，银葫芦，一口气数不了24个葫芦(吸足气)一个葫芦二个葫芦三个葫芦……”，这口气气尽为止，反复4—6次。数数字、“数枣”、“数葫芦”控制气息，使其越练控制越，千万不要跑气。开始腹部会出现酸痛，练过一段时间，则会自觉大有进步。 (三)“深吸慢呼长音练习”

经过气息练习，声音开始逐步加入。这一练习仍是练气为主，发声为辅，在推送同时择一中低音区，轻轻地男生发“啊”音(“大嗓”发“啊” 是外送与练气相顺)，女生发“咿”音(“小嗓”咿”是外送)。一口气托住，声音出口呈圆柱型波浪式推进，能拉多长拉多长，反复练习。 (四)“托气断音练习” 这是声、气各半练习。双手插腰或护腹，由丹田托住一口气到额咽处冲出同时发声，声音以中低音为主，有弹性，腹部及横膈膜利用伸缩力同时弹出，我们介绍三种练习： A.一口气托住，嘴里发出快速的“噼里拍啦，噼里拍啦”(反复)到这口气将尽时发出“嘭一啪”的断音。反复4—6次。 B．一口气绷足，先慢，后快地发出“哈工哈)—(反复)(加快)哈，哈，哈……”锻炼有进发爆发力的断音，演唱中的“哈哈…”大笑、“啊哈”、“啊咳”常用。 C．一口气绷足，先慢后快地发出“嘿—厚、嘿—厚”(反复逐渐加快)“嘿厚，嘿厚……”加快到气力不支为止，反复练习。经过这一阶段练习，气为声之本，气为声之帅的气息，已基本饱满，“容气之所”已基本兴奋、活跃起来，而声音一直处于酝酿、保护之中，在此基础上即可开始准备声音练习了。第二阶段：气、声、字的练习戏曲演员尤其京剧演员包括戏曲爱好者在喊嗓练声上容易犯急于求成的毛病，恨不能很快地就能喊出又高又亮的嗓音来，急着喊高音，猛喊甚至瞎喊乱喊，这往往是事与愿违的。我们在研究喊嗓练声时，有意地先练气息不急于发声，是利于发声练习，要大家明确一个循序渐进的规律和持之以恒的毅力。在这第三阶段，我们建议还是不急于爬音阶喊高音，而从气、声、字结合练起。这三者关系应排成这样一个顺序：气为音服务，音为腔服务，腔为字服务，字为词服务，词为情服务。从这个顺序中，我们可以看到字的位置居于中心，前面牵着“音”和“腔”，后面联着“词”与“情”。当中一塌，满盘皆输。字音的真切，决定着声音的圆润，“以字行腔”正是这个理儿。在喊嗓练声中的字、音、气的关系，应是托足了“气”，找准了“音”，咬真了“字”。具体方法是：用汉语拼音的方法把字头、字腹、字尾放大放缓，以字练声，然后加快，同时练嘴皮子和唇齿牙舌喉的灵活性。 ①唇音练习：(先放慢，放大念一遍逐渐加快到念绕口令) 八一百一标一兵一奔—北一坡一北一坡一炮一兵一并一排一跑—

西方古典音乐与现代艺术的结合

西方古典音乐与现代艺术的结合选西方古典音乐鉴赏这门课的时候感觉和许多没有正式或者说是系统接触过古典音乐的人一样。感觉这是一个和离我们生活很遥远的高雅艺术，只是那几个耳熟能详却又相隔甚远的名字：贝多芬、肖邦、莫扎特等等。但是经过了学习我感觉其实西方古典音乐正以不同的方式接近我们的生活——与现代艺术完美的结合。在国外，这种音乐类型被称之为“classical music”，“classical”有“古典的、正统派的、古典文学的”之意，所以我们国人将之称为“古典音乐”，确切地说应该是“西洋古典音乐”。首先从概念上解释，“古典音乐”是一种音乐类别的名称。然而即使在国外，对于“classical music”一词的具体意义，也有诸多不同的解释，其中主要异议来自于对“古典音乐”时代划分理念的不同。最狭义的解释是，把十八世纪下半叶至十九世纪20年代，以海顿、莫扎特、贝多芬三巨头为代表的“维也纳古典乐派”的作品特指为“classical music”。最广义的解释则是，把时间前移到欧洲文艺复兴时期，从那时起直到后来的巴洛克时期、维也纳古典时期、浪漫主义时期、民族乐派、印象主义直至十九世纪末、二十世纪初出现的现代乐派，甚至包括所有非纯粹娱乐性质的现代专业音乐，统称为“classical music”。说到西方古典音乐一定要提的一个人就是贝多芬了。

1770年12月16日生于德国的波恩路德维希·凡·贝多芬是世界音乐史上最伟大的作曲家之一。他是“维也纳古典乐派”的最后一位代表人物，与海顿、莫扎特一起被后人称为“维也纳三杰”。他在自己短短的五十七年生涯里，为人类留下了无价的音乐宝藏，因此，世人尊称他为“乐圣”。贝多芬一生创作了大量的作品。他一生的创作可分为三个时期：早期作品受海顿和莫扎特的影响，风格轻快流畅；中期作品则体现了他自己的特有的音乐风格，大部分作品都是在这一时期创作的；晚期作品技巧成熟、思想深刻复杂，同时出现了浪漫主义的因素。贝多芬一生的主要作品包括：九部交响曲、一部歌剧——《费德里奥》、五部钢琴协奏曲、一部小提琴协曲、三十二首钢琴奏鸣曲、十首小提琴奏鸣曲、十六首弦乐四重奏。管弦乐序曲：《埃格蒙特》、《柯里奥兰》以及大量的声乐器乐及戏剧音乐作品。这些具有高度艺术价值的音乐作品对贝多芬以后的历代作曲家都产生了巨大的影响。如今这些伟大的作品已成为人类文化宝库中一笔丰厚的宝藏。记得小时候家里面有台录音机，有一盘好像全是钢琴曲的磁带，随着时间的流逝我几乎忘记了上面全部的音符，但是却是一辈子也不会在我脑海里抹去。贝多芬开始构思并动笔写c小调第五交响曲是在1804年，那时，他已写过“海利根遗书”，他的耳聋已完全失去治愈的希望。他热恋的情人朱丽叶塔·齐亚蒂伯爵小姐也因为门第原因离他而去，成了加伦堡伯爵夫人。一连串的精神打击使贝多芬处于死亡的边缘。但是，贝

如何有效的进行声乐训练

如何有效的进行声乐训练声乐训练是一个系统、复杂的工程。我们如何将这些繁杂的理论整合、删繁就简，一语中的，这才是我们声乐教师的责任。金铁霖老师说得好：一个好的声乐老师就是要尽可能的缩短学生在声乐学习中的不自然阶段。那么，我们到底如何有效的进行声乐训练呢？首先，我认为要让学生树立一种正确的歌唱意识，只有明确了正确的歌唱意识，学生才有可能沿着老师既定的方向走下去，达到预期的目的。那么，如何树立正确的歌唱意识呢？要告诉学生声线”的正确的运动方向，声音的真正的动力源泉；你可以形象的告诉学生声音与气息的关系。我们的声音就像水一样沿着我们的声线”流出去。我们假定的通道从小腹到眉心”而声音与气息的关系就像线与珠子之间的关系”;喉咙打开的状态就像把鸡蛋从后面放进咽喉”;声音与气息的对抗就像是风筝与线轴”等等。通过一系列理解、掌握、熟悉；大量的巩固训练与反复的歌唱实践，通过记忆、联想，以及触类旁通的积累，确立正确的歌唱意识。其次，学生的歌唱状态。这是一个恒久的话题。确立什么样的歌唱状态为好呢？第一，自然、放松。沈湘老师不止一次的在讲座中提到：要求下巴、脖子、肩、胸要完全放松。众所周知，放松的状态是松、透、亮”声音的根本，如果学生在演唱时，不能在放松的状态下去调整呼吸、调整自己的发声器官，那就谈不上自然的舒服的歌唱。没有自然放松的歌唱就不会有我们追求的松、透、亮”。这是因为松、透、亮”的要求首先起源就是放松、自然的歌唱。所以沈湘老师在声乐训练中第一时间要求学生解决的问题就是下巴、脖子、肩、胸’要放松；而邹文琴老师也提出了全身放松，上体的中心靠腰椎来支撑，所有这些都在强调同一个问题放松”;金铁霖老师在这个问题上也有自己精辟的见解嘴巴能自由张合而不影响声音的发声就是正确的”喉'头的位置以自己自然呼吸时的位置为最佳，歌唱时的呼吸就是生活中叹气的状态”。所有这些都无一不是在强调松”在歌唱中的重要性。第二要积极。所谓积极有两个层面的意思。歌唱时的面部表情要积极，要有一个乐观向上，适当表达作品的丰富的面部表情，这就是我们平时说的脸上要有戏”。就像你平时放松的、无拘无束的向别人津津有味的讲述你非常感兴趣的话题一样：眉飞色舞、激情飞扬，这就是一个积极的、良好的歌唱状态。第三：要有一个健康向上的心理。具备一定的歌唱意识、状态之后，要有一个健康向上的歌唱心理。我们要发自内心的歌唱我们的生活，就像彭丽媛老师一样追

西方音乐发展史及其代表人物

爵士乐一、爵士乐的起源爵士乐(Jazz)以其极具动感的切分节奏、个性十足的爵士音阶和不失章法的即兴演奏（或演唱）赢得了广大听众的喜爱，同时也得到了音乐领域各界人士的认可。它以布鲁斯和拉格泰姆为源头，经过整整一个世纪的发展，如今已是异彩纷呈、百花齐放。自从1917年第一张爵士唱片诞生以来,它便显示出了巨大的发展潜力。20世纪初的新奥尔良爵士乐、30 年代大乐队演奏的摇摆乐、40年代的比博普爵士、40 年代末的冷爵士、50年代的硬博普、60 年代的自由爵士、70 年代以后的摇滚爵士，而后拉丁爵士、融合爵士、爵士放克...... 一张张不同风格的爵士唱片汇成了一部爵士乐发展史。 1、爵士乐的来源--布鲁斯和拉格泰姆布鲁斯（Blues）布鲁斯是南北战争后，黑人民间产生的一种演唱形式...... 拉格泰姆（Ragtime）拉格泰姆是美国流行音乐中第一次出现真正有全国影响的音乐形式。它最初是一种钢琴音乐，盛行于19世纪90年代到第一次世界大战结束...... 2、爵士乐的发源地新奥尔良（New Orleans）爵士乐于19世纪末、20世纪初诞生于美国的南部城市新奥尔良...... 二、早期爵士乐（19世纪末～20世纪30年代中期） 1、新奥尔良爵士乐一般认为，新奥尔良爵士乐出现在19世纪90年代。但是历史上的第一张爵士唱片问世于1917年，是由"正宗迪克西兰爵士乐队"（Original Dixieland Jazz Band）在新奥尔良录制的...... 2、芝加哥爵士乐三、摇摆乐 20世纪30年代，一种由大乐队（Big Band）演奏的带有黑人风格，并极具舞蹈性的爵士乐--摇摆乐（Swing，例7）开始在纽约发展起来...... 四、比博普 ......比博普的旋律很不连贯，有时却又连续不断地往外迸射；节奏是支离破碎的；拍子是含

西方声乐发展历程

一圣咏音乐是美声唱法的萌芽美声唱法起源于欧洲,它是时代发展的产物.13世纪前的欧洲音乐均为单声部音乐,主要以独唱,齐唱,领唱，说唱和吟唱为歌唱形式。在这一时期产生了诸如《荷马史诗》、《伊利亚特》、《奥德赛》这样出色的产品，他们是有盲人诗作者荷马创作并以说唱的方式演唱。只是比较初期的声乐表现形式。进入“中世纪”教会教义几乎垄断了一切思想意识领域，歌唱同样也为各种宗教的附属品。当时的教会演唱圣诗和朗诵《圣经》。这就成为了最早的合唱形式。公元590年，罗马教皇格里高利一世选编，修订配合教义的《唱经本》。圣咏是欧洲声乐的萌芽，他要求庄严肃穆的演唱配合教学的氛围。在圣咏音乐流行时期，从11世纪出现了世俗音乐，此后又相继出现游吟歌手，恋诗歌手，名歌手的专业的歌唱者。他们虽无法完全摆脱浓厚的宗教色彩，但已可堪称对宗教韵的大胆突破。二阉人歌手促使歌唱技巧发展 14世纪中期的欧洲音乐逐步突破单声部，开始进入复调音乐时期，声乐演唱也为多声部合唱方式，出于圣经的古训规定“妇女在教学中应保持缄默”，因此，演唱中的女声部均游男童声代替。这些男童声是被阉割的男童歌手，在声乐发展史上被称作“阉人歌手”。他们的出现曾为欧洲声乐的发展做出巨大贡献。并奠定了“美声唱法”的基础。他们的声带及喉头不会随着年龄的增长而变化，阉人歌手具有女声的声带，同时又具备男子的体魄，他们华丽、轻巧，明亮的声音，宽广的音域能令听众激动不已。不容置疑，他们将欧洲的声乐水平推进到一个较高的境界。18世纪末，阉人歌手开始走向衰落。三歌剧和美声唱法的产生美声的发展与歌剧的诞生有密切的关系，歌剧诞生于文艺复兴运动的极大影响中。当时，佩里、卡契尼、蒙特威尔第等作曲家，在歌剧中为了效仿希腊悲剧的朗诵调，他们使旋律与歌词内容，情绪变化以及语音的起伏紧密结合，在歌剧中主要起着展开情节的作用。他们突破了传统和保守的束缚，创造了采用自然声音，由各角色演唱自己的段落的宣叙调演唱方式。为了是宣叙调的演唱更具有古希腊在广场上演悲剧朗诵的那种声音效果，就不能采用声音微弱的童声和假声，而需要采用有足够气息支持，有丰厚声音共鸣，丰满洪亮而咬字清晰、真切并具有穿透力的声音。于是就在前人演唱方式基础上，发展出了美声唱法。卡契尼提出了要以洪亮致远的声音演唱歌剧的要求，蒙特威尔第则进一步是歌剧音乐戏剧化，写出了歌唱性的宣叙调和具有强烈感染力的咏叹调，这些都使歌唱家们感到提高自己的演唱能力和技艺是良好表现音乐作品的基本保障。同时，蒙特威尔第在威尼斯建造了世界第一座歌剧院，使歌剧从最初的宫廷和柜子的厅堂走入了正规的歌剧院，也为社会各阶层的观众提供了良好的欣赏场所。这样，随着观众层次的扩大，欣赏要求不断提高必然的促使歌唱家们开始研究训练完善他们的歌唱技术，以便自己的演唱能力能达到卡契尼、蒙特威尔第所提出的洪亮致远且富于喜剧的美声要求。于是许多卓越的歌唱家以他们高超的演唱技巧，华丽的嗓音，穿过庞大的乐队音墙，清晰地吧歌声送达剧场的每个角落啊，征服观众。使歌唱艺术达到新的高峰。所以可以说美声随着歌剧二得到极大发展，是文艺复兴时期人文主义思想在音乐上的表现。他不仅是一种歌唱技术和一种演唱网络。而且还是一定美学原则和艺术思想的体现。透过17世纪欧洲诸多音乐学派中最具影响力的四大歌剧乐派佛罗伦萨乐派、威尼斯乐派，罗马乐派、那波里乐派对演唱风格的要求，我们不难看出他们对美声发展有重大意义。四美声唱法发展的新时期进入19世纪，阉人歌手这种不人道的现象逐渐被禁止。歌剧舞台上逐步改变了由阉人歌唱家担任女角的演唱方式。奠定了男唱男角，女唱女角的新演唱的方式。这是欧洲歌剧的重大转折。为了实现男高音演唱技巧的飞跃，以配合不断发展繁荣的歌剧舞台，经过两百多年的教学和长期实践探索，19世纪随着“掩蔽”出现是男声获得稳定的高音，它标志着男高音

唱歌的技巧练习

告诫朋友们: 1 声乐是需要系统全面学习的,请做好长期学习的打算,打算今天看了几行字明天就成高手的人趁早放弃. 2 单看文字教程会产生误区,最好能看视频教程,听老师的示范和讲解,避免练歪! （后面附有练习，耐心看哦） No.1 要想唱好通俗音乐，首先歌者一定要做到声情并茂！要想唱好通俗音乐，首先歌者一定要做到"声情并茂"！！！声：指的是发声的技能（也就用那些动作去唱歌）情：演唱时所要表达的一种情绪或一种气氛（一般被视为是不是投入，是不是有歌者的气质）就算一个发声技能高超的人，他的声音还是会有瑕疵的，因为在声乐表现中，人声始终是精益求精的，如果缺少了感情的支撑，那他充其量是一部发声机器，而且是有瑕疵的。反之，如果凭一时之勇，一时之情去发泄的话，那就往往脱离不开K歌，叫喊等行为了。误区：声、情两者不能良好的结合起来，盲目训练导致成为一个麻木的发声工具，而过分的热情似火又太容易染上市井演唱之气，今后就难改了！ No.2 分为声、情这两方面来探讨通俗音乐的演唱规律我们下面就分为声、情这两方面来探讨通俗音乐的演唱规律！当然，在字面表达以及动作训练的过程中，是以声为主，情为辅，但希望大家在运用表演的过程中反之，衡之。提高声乐技能主要分为四大门功课：气息，发声，传声，咬字。情：在一开始的时候，主要是要能听得出好声音的“质”，“气”，“词”，“乐”。（在演艺，欣赏歌曲的过程中要学会从感性变为理性再回到感性）很多人盲目的练习唱歌，但他并不知道在唱歌的过程中，声的四大部门都在工作，这才叫唱歌，练习是有效的。但同时，歌曲演唱的好坏是在欣赏一个整体，一个情绪，不是在检验这四门功课的高低！例1：练声练得好的人不代表唱歌唱得好。列2：喜欢刘德华而不喜欢张学友的人，他们绝不是在比谁的演唱技能高，而是在比谁唱得好听！ No.3 什么是气息? 既然谈到四门功课，我们就来一一阐述一下：首先，什么是气息？唱歌必须用气，通俗音乐中的气，是由一呼一吸这两个动作交替构成的。（决不要有第三个动作产生，例如停顿、重吸、重呼、偷气、漏气等）就一呼一吸而言，唱歌是呼的艺术，切勿本末倒置。（现在市面上，大多的练气方法，太强调吸气，这样会大大削弱歌者的表现能力，交流能力）练习要领，要用气，就要一呼一吸，交替工作，稳定气口，连贯动作。练习方法： 1，弱延音练习

浅论声乐表演的曲目选择

浅论声乐表演的曲目选择摘要：声乐表演中曲目选择的好坏会影响表演的成败。对经常参加比赛的声乐演唱者来说，由于曲目选择的失误而导致比赛中原有实力没得到充分展现的例子数不胜数，尽管如此，正确科学地选择恰当的曲目仍然没有得到更多声乐专业人士的重视。本文将从声乐演唱中比较突显曲目选择的重要性的表演形式，如音乐会、比赛等方面阐述正确、科学、恰当选择声乐曲目的意义。关键词：声乐演唱特点曲目选择重要性一场成功的声乐演出不仅仅是优美动听的歌声和旋律，它是由很多因素组成的，而且都是我们肉眼所看不见的。比如，作为一名声乐演唱者，首先要具备声乐演唱的专业技能，如自然嗓音、演唱技巧、表演的能力等，这些都属于内在的表现力，虽然可以通过努力来提高，但不是以人的意志为转移的。然而，在具备以上条件的基础上，如果你能根据自身的嗓音、技术、舞台表现力等条件选择一首或几首适合自己演唱的曲目，就能恰到好处地将自己的优势表现出来，往往会有事半功倍的效果。相反，在一些比赛中，有的选手为了得高分，盲目地选择高难度和不适合自己演唱的曲目，结果会让评委和自己处于一种想快点结束演唱的情境，这自然是由于曲目的选择失败所造成的。因此，曲目的选择甚至

会决定一场比赛、一场考试或者一场音乐会的成败。尽管曲目的选择有如此重要的作用，但没能引起业界足够的重视。曲目的选择是有一定的理论和实际依据的，它是建立在科学的基础上，通过对以往经验的不断总结，将经验的理论和现实的实践相结合，本文将在理论的基础上，结合实践来探讨如何才能科学地选择曲目。一、声乐曲目选择的重要性及意义首先，曲目的选择不管是在声乐领域还是在器乐领域都有着同样重要的作用。曲目的选择是正确实施教学的前提条件和重要环节，选择恰当曲目才能进行有效的教学，才能更好地锻炼和提高演唱技能。这就要求教师要在教学中把握好教学的尺度，因为曲目的选择直接会影响教学成果和学生的自信心。所以，相对而言，曲目选择是进行有效教学的基石，是将一位学生能否培养成功的关键。有些学者认为，科学恰当的曲目选择是进行基础音乐教育的重要环节，因为它不仅能将已经学到的技术进行强化和巩固，还能使声音的应用能力得到加强、拓展音乐理论知识、培养良好的乐感。总之，合适的曲目会给学生带来一个立体的音乐世界，在这个世界里，学生能够更容易和清晰地了解所要掌握的知识。其次，目前声乐界关于曲目选择相关的研究成果比较少，但也有一些以实践为例的成果。这些成果主要从曲目的选择直接影响演出的成败，从而得出要选择恰当的曲目的结

声乐发展史

声乐发展史圣咏音乐是美声唱法的萌芽美声唱法起源于欧洲，它的产生不仅与欧洲音乐的发展过程有着密切联系，而且作为人类文化意识形态的一部分，它同样也是社会、时代发展的产物。13世纪前的欧洲音乐均为单声部音乐，其中，古希腊的声乐也以单声部为主，并受到严格的诗歌韵律的支配，主要以独唱、齐唱、领唱、说唱和吟唱为歌唱形式。在这一时期产生了诸如《荷马史诗》、《伊利亚特》、《奥德赛》这样出色的作品，它们是由盲人诗作者荷马创作并以说唱的方式演唱的。可以说这就是比较初期的声乐表现形式。随着古罗马帝国不断对外扩张，欧洲进入了长期的教会统治的时期，在历史上被称之为“中世纪”，教会教义几乎垄断了一切思想意识领域，歌唱同样成为各种宗教的附属品。古罗马帝国扩张不仅带来了领土的扩大，也为音乐世界带来了许多来自亚洲、非洲、欧洲的优秀艺人及丰富的音乐文化，他们聚集到罗马并使之成为当时欧洲最大的音乐中心。当时的教会演唱圣诗和朗诵《圣经》，这就成为了最早的合唱形式。教堂中用拉丁文演唱与宗教相关的内容即为被称咏的音乐形式。公元590年，罗马教皇格里高利一世选编、修订了配合教仪的《唱经本》，即著名的《格里高利圣咏》，实际上相当于规定了教堂中演唱教义的歌调。圣咏是欧洲声乐艺术的萌芽，它要求庄严、肃穆的演唱配合教堂的氛围。虽然圣咏有

宣叙性和旋律性两种歌调，但由于它只是单旋律音乐，使人乏味。随着发展，演唱者将它作了一些华丽、流畅的“再创造”，形成了新的、更好的演唱方法。在圣咏音乐流行的时期，从11世纪起出现了一些促进音乐艺术的发展、丰富声乐艺术内容的音乐形式。由于当时手工业和商业得到了发展，城市开始出现了针对宗教音乐的世俗音乐，它要求人们用音乐反映生活和世俗的情感。此后，又相继出现了游吟歌手、恋诗歌手、民歌手等专业的歌唱者，他们虽无法完全摆脱宗教的浓厚色彩，但已可堪称为对宗教音乐的大胆突破。阉人歌手促使歌唱技巧的发展 13世纪中期的欧洲音乐逐步突破单声部，开始进入复调音乐时期，声乐演唱也为多声部合唱形式，分别由女高音(soprano)和女低音(Alto)担任，圣咏旋律则由男高音(Tenor)担任，后来又加入了男低音声部(Bass)。由于圣经的古训规定“妇女在教堂中应保持缄默”，因此，演唱中的女声部均由男童声代替。这些男童是被阉割的男童声歌手，在声乐发展史上被称作“阉人歌手”。他们的出现曾为欧洲声乐艺术的发展做出了巨大的贡献，并奠定了“美声唱法”的基础，也在一定程度上推动了歌剧的产生与发展，他们盛极的时代同时也带来了美声唱法的黄金时代。早在4世纪，意大利就建立了专门训练童声演唱圣咏的歌唱学校，他们遵循古训，严禁妇女在唱诗班演唱，由于童声会随着年龄的增长而发生音色的变化，而不能唱出符合圣咏需要的优美自然的歌声，

声乐艺术发展史专题

《声乐发展史专题研究》课程教学大纲课程名称（中文）：声乐发展史专题研究课程编号：040102147 教学对象：研究生预修课程：课程总学时：54 课程总学分：3 开课单位：鲁迅艺术学院一、教学目的与要求： 1、声乐艺术发展史从声乐发展史的角度，对西方声乐和中国声乐的历史经验进行了全面的论述，使我们从中了解到，无论是西方国家还是中国，对各种唱法都进行过认真的艺术实践。 2、千百年来中外声乐发展的历史，就是和各种唱法彼此竞赛、互相取长补短的艺术实践过程，任何一种唱法都要经受历史的检验，进而得到声乐家和声乐爱好者的认同。 3、通过对本课程的学习使学生了解西方声乐史及中国声乐史的发展历程，来认识并把握欧洲声乐教育的发展脉络和基本规律，探究美声传统教育理念之精髓及蕴含的深层次理论内涵和人文特质，明晰声乐教育在音乐文化传承过程中的地位及对人类文明发展所产生的影响。 4、中国近现代发展史通过十三章节的内容，以声乐学科历史发展过程中的产生、传播、演变、发展及其作用和影响，论证了中国声乐艺术在声乐史上的地位。通过本课程的学习使学生了解我国的传统民族声乐、戏曲、曲艺、三种唱法及中国民族声乐的发展历程。 5、使学生进一步认识民族声乐，继承我国传统文化中的民歌、戏曲、曲艺艺术精华，同时认真学习、研究和吸取西方声乐艺术中的经验，使我们的民族声乐得到更快发展，早日屹立于世界音乐艺术之林，担当我们的责任。二、课程简介：本课程将欧洲声乐史及中国声乐史为研究对象，根据声乐艺术的发展状况及声乐教育的目的、内容、载体、方式、功能、理念等因素的变迁所呈现的差异，将欧洲声乐教育史及中国声乐史依据各自不同的发展阶段，对各阶段的划分依据、基本特征、教育理念、培养方式、理论文献、代表人物及相互间传承关系进行深入探讨，通过归纳西方声乐史上涌现出的著名演唱家、教育家、教育学派及相关的理论和方法，为当代教育者提供更多有价值的史学资料和理论依据，期望对中国美声教育的发展会有所启示和帮助，但不可否认由于歌唱较注重具体实践和个人体悟，因而在其本质特征中有超理论化的倾向，最原始的经验主义教育模式与口传心授的教学方法沿用至今，并在教学中发挥着主导性作用，它致使声乐教育的主观性与崇技性相当鲜明，因此需将音乐史学、声乐学、教育学三学科内容紧密结合。三、学习方式：（标题为宋体小四号、加粗，正文为宋体五号） 1、讲授：54 学时 2、讨论：学时 3、自学：学时 4、实验：学时

关于歌唱的训练方法(一)气息

经常有人问我，我气息不稳怎么解决，你能不能教我混声，什么叫低喉位等等问题。我想可能是我讲课时候表达不清或者很多人喜欢看文字吧。歌唱的训练是什么呢？今天略为整合一下，以下训练方法及观点仅代表个人意见。首先人是怎么发出声音的的呢？人的主要发声器官是由呼吸器官、发音器官、共鸣器官和咬字器官组成的。人体的发音器官也可以分为三大部分：动力区声源区调音区。 1.动力区——肺、横膈膜、器官肺是呼吸气流的活动风扇，呼吸的气流是语音的动力。肺部呼出的气流，通过支气管器官到达喉头，作用于声带、咽腔、口腔、鼻腔等发音器官。 2.声源区——声带声带位于喉头的中间，是两片富有弹性的带状薄膜。两片声带之间的空隙叫生门，肌肉的收缩，杓装软骨活动起来可使声带放松或收紧，使声门打开或关闭，从肺中出来的气流通过声门使声音振动发出声音，控制声带松紧的变化可以发出高低不同的声音来。 3.调音区————口腔、鼻腔、咽腔口腔（包括唇、齿和舌头）后面是咽腔，咽头上通口腔、鼻腔，下接喉头。口腔和鼻腔靠软腭和小舌分开。软腭和小舌上升时鼻腔关闭，口腔畅通，这是发出的声在口腔中共鸣，叫口音。软腭和小舌下垂，口腔成阻，气流只能从鼻腔中发出，这是发出的音主要在鼻腔中共鸣，叫做鼻音。如果口腔没有阻碍，气流从口腔和鼻腔同时呼出，发出的音在口腔和鼻腔同时产生共鸣，叫鼻化音（也叫半鼻音或口鼻音）注：以上引用《播音发声学》与《卡鲁索的发声方法》图例：肺：

胸

喉声带

会厌咽腔口腔鼻咽腔等人体侧面图

知道发声原理后，我们要怎么进行下一步的发声训练呢？沈湘教授在沈湘声乐教学艺术一书中提到：“学声乐，乐器是长在自己身上的，不用花钱买。你可以用它说话，也可以把它制造成唱歌的乐器。这个乐器在哪呢？从喉器往上到头部内的鼻咽腔，往下到横膈膜、腰部周围，这是歌唱乐器工作的范围。”通过我多年学习及研究的个人理解，我把声音的走向比喻为一根钢丝，这根钢丝下端稳定在胸腔，上端根据作品的音乐走向，向喉、口、咽、鼻咽、蝶窦、额窦进行延伸。歌唱的基础是是气息，前面提到人发声的基本要素里，其实就是歌唱训练的步骤。呼吸是

论文：声乐表演艺术欣赏的美学问题

艺术理论论文声乐表演艺术欣赏的美学问题美学问题一直是困扰音乐表演艺术发展的重要限制性问题之一，由于美学问题的存在，造成了音乐表演艺术尤其是声乐表演艺术的发展面临着较为严峻的挑战。随着我国居民生活水平的不断改善，审美能力得到了相应的提升，对声乐表演艺术提出了更高的要求：既要满足人们对于美学的追求，又要有效解决表演过程中暴露出的美学问题。因此，针对声乐表演艺术欣赏的美学问题研究，具有重要的现实意义。一、美学问题对声乐表演艺术欣赏的影响分析（一）一定程度上限制了声乐表演艺术的发展由于声乐表演艺术是一种纯粹的听觉艺术，在具体的表演过程中主要突出了乐器的效用，而实际的美学与声乐表演艺术结合后，需要声乐表演必须做到以听众为中心，注意听众的心理感受以及欣赏过程中暴露出的问题，继而进行相应的改进工作，来保证实际的声乐表演艺术得到长足的进步。然而由于声乐表演过程中并没有注意到此项美

学欣赏问题，从而导致听众对声乐表演艺术产生了比较失望的心理，很大程度上阻碍了声乐表演艺术的向前发展。（二）有效提高了听众的鉴赏水平作为一门独特的音乐表演艺术形式，声乐表演艺术在欣赏过程中将美学充分纳入其中能够有效的构建出一个优美的意境，从而将听众引入到无限遐想，继而提高了听众自身的音乐鉴赏能力和水平，也将声乐表演的曲目流传到了更广泛的范围中，成为广为表演的世界名曲。比如：《阿兰古斯之恋》，是一首较为经典的提琴曲，在表演者演奏过程中，时而舒缓，时而高亢，时而深沉，不断的调整音乐聆听者的心理感受，将音乐中最优美的一面展现在了听众的聆听过程中，从而将内心紧张情绪以及心理得到了有效的释放，促进了聆听者对美的追求。此曲的演奏不仅带动了声乐表演艺术的发展步伐，也将聆听者的音乐鉴赏能力提高到了一个新的高度。二、声乐表演艺术欣赏的美学问题具体分析（一）以聆听者为声乐表演中心美学问题的实质就在于听众不断提高的音乐鉴赏能力与声乐表演艺术的传统思想发生了较为激励的碰撞，从而引发了聆听者对声乐表演艺术的严苛挑剔要求，而音乐表

声乐讲座】歌唱技法与发声技巧+

一、歌唱发声练习的目的和要求歌唱发声练习的目的，简要地说，就是将歌曲演唱中对声音所需求的各种技术环节，通过有规律、有步骤的发声练习，逐步提高歌唱发声的生理机能，调节各歌唱器官的协作运动，养成良好的歌唱状态，使歌唱发声的技术成为歌唱表现的有力手段，为达到声情并茂的演唱服务。我们练声的目的是要调整巩固科学的发声状态，把良好的歌唱状态保持到歌唱中去，改变平时生活中自然的发声习惯，使之成为符合歌唱发声的习惯和状态，所以必须明确我们练声的目的，而不是简单的“开开声”而已。歌唱发声练习要求每个歌唱者首先要了解和熟记歌唱发声器官的生理部位及其功能，掌握歌唱发声的基本原理，全面理解其精神实质，通过反复的练声及歌唱实践来消化和验证其歌唱规律。因此在发声训练过程中应注意以下几点要求： 1）每位歌唱者一定要充分理解和运用气息发声和气息控制的方法（即横隔膜的呼吸方法），因为在整个声乐功能系列中，歌唱呼吸是最重要的一环，是整个歌唱建筑的基础，因此必须明确呼吸的重要性，重视练好歌唱呼吸的基本功。 2）打开喉咙，稳定喉头，是歌唱基本功训练的核心，这是歌唱者声乐技巧能否顺利发展的关键之一，很多歌唱者声音上的毛病，多是由于歌唱时喉头不找开、不稳定造成的，而正确的喉头位置是协调呼吸器官的运动，获得稳定、流畅声音效果的关键。 3）要恰当地运用好歌唱的共鸣，要使声音传得远，充满剧场，且圆润，优美动听，这是要经过专门训练的，对于初学者来说，是比较难掌握的课题。由于共鸣训练常常与其它发声基础要求分不开，因此要求歌唱者通过母音的转换，稳定喉头打开口腔，调节气息等手段，把声音振响在鼻咽腔以上的高位置头腔共鸣点上，来增大音量，扩展音域，美化音色，统一声区，使高、中、低三个声区的声音协调一致，天衣无缝，走动自如灵活。 4）正确的发声要与正确的咬字、吐字相结合。通过字、声结合的练习来提高唇、齿、舌的灵活运动能力，使之更完美而生动地表现歌曲和情感和内容。 5）在歌唱发声时，还要注意对音准、节奏的训练，通过发声练习，逐步掌握连、顿、强、弱等全面的歌唱发声技巧，丰富歌曲的表现手段，增强歌曲演唱能力。 6）在每次练习时，都要保持正确的歌唱姿势，正确的歌唱姿势是进入良好歌唱状态的前提。 7）在练声、唱歌前，一定要摒除一切杂念，稳定情绪，要有非常好的心理状态，要有良好的歌唱欲望，要充满信心、放松自如地进入歌唱状态，否则是唱不好歌的。 8）从开始练声起，就要同音乐结合起来，即练声也要有良好的乐感。音程、音阶一方面是肌肉、音准、气息、共鸣等方面的技术练习，同时它们又都是乐曲的组成部分，要给它们以音乐的活力和生命。因此练声一开始，要求每个歌唱者把音程、音阶、练声乐句也唱得悦耳、动听。以上我们可以领悟到，在歌唱发声的过程中，呼吸、共鸣、吐字、表现缺一不行，它们是相互联系、相互促进、相辅相成的，这就是我们所要求的“整体歌唱”的涵义。

西方声乐发展史

19世纪西方声乐流派及其学说的总结与归纳摘要：19世纪随着启蒙运动的蓬勃展开，在法国大革命的影响下，反封建、追求科学成了当时的潮流，法国在这方面走在最前头，巴黎也就成了当时声乐教学、声乐理论研究和歌剧演唱的中心。所以尽管意大利在19世纪涌现了不少杰出的歌唱家及优秀的声乐教师，但19世纪美声学派的代表性人物却大多出现在巴黎。当时的声乐研究在生理学、物理学、声乐理论方面取得了很大的进展。一、从生理学方面对声乐研究（一）嗓音研究的先驱者 17至18世纪由于科学不发达，人们缺乏生理学或物理学的知识。当时，有极少数追求真理的医生，了更好地了解人体的构造，就不的不冒着触犯法律的危险，半夜盗尸来作解剖。就这样，逐渐地积累了一些生理学方面的知识，开始了对嗓音胜利的初步探究。早在1703年，法国医生杜达（Dodart）就发表了《发声原理的研究报告》（Memorires sur la Cause de la Voix）一书，提出了“漩涡”（Vortex）理论。他认为。当气息经过真假声带之间的喉室时，会产生气流的漩涡，因之，使喉部像吹哨子似的发出声音。他的这种说法实际上否定了声带振动的发声的作用，把声带仅看做是吹笛、吹口哨时嘴唇作小孔吹气那样的作用。这种假说，早在公元2世纪加伦（Galen）就曾提出过。 1741年，另一位外科医生弗兰（Ferrein）从死尸身上切除下来的喉器下面安上供气的设备，吹气做发音实验，证明了声带振动是人体发声的根本原因，从而否定了“漩涡”理论。他所著的《论人声的形成》（Formation de la Voix de l’Homme）一书是最早描写声带振动的著作。（二）加尔西亚发明喉镜 1854年，马努艾尔·加尔西亚发明了喉镜，这是声乐史上和医学史上一件划时代的大事。这位声乐教师所发明的这面小小的镜子，至今仍为世界耳鼻喉科医生所使用。喉镜的发明促进了人们对嗓音生理学的研究，同时也开创了以人体发生机理作指导的新的教学方法（机理教学法）。喉镜发明后，尽管用肉眼观察只能看到自己的声带的表面，即只能看到声带的长度和宽度，而不看不到声带的厚度在发声过程中的变化，但任然能证实“声门冲击”的理论。他认为歌唱发声中呼吸是基础，声门是关键。不过由于当时的科技条件的限制，他未能作更深一步的研究。加尔西亚是世界公认的美声学派声乐教学和声乐理论的权威。他的“声门冲击”学说，从生理的角度证明了古典意大利美声学派的发声、起音的正确性，并从理论上对美声唱法予以总结，从而使后人可以更加有意识、更加自觉、更加明确地练习正确的发声起音。（三）“掩盖的胸声“ 1840年，法国医生第德（Diday）和佩特莱坎（Petrequin）写了一份《关于一种新的歌声的研究报告》，大力推荐当年红极一时的著名法国男高音歌唱家杜普雷的“掩盖”唱法。他们是最早从生理学角度来，描述“掩盖”唱法的学者，他们明确地提出降下喉头，用“掩盖的胸声”来歌唱。（四）横膈膜呼吸法的提倡 1876年，德国医生曼德尔发表了生理学权威著作《嗓音卫生学》（Die Gesundheitslehre der Stimme），首先提出了横膈膜在歌唱呼吸中的作用及其适用方法，极大地影响了19世纪的声乐界。兰佩尔蒂也对之甚为信服，在他的声乐著作中也引用了曼德尔的话。另一位生理学权威，英国的马肯齐爵士也于1887年发表了《发声器官卫生学》一书，大力提倡用横膈膜呼吸法来歌唱。（五）对于人体发声功能的各种研究 1878年，英国的查尔斯·伦出版《声音的哲学》一书，从主观求证的角度出发，企图以生理解剖学来证明“声音位置靠前”的正确性，企图得出“音越高，声音位置越靠前”的结论。他甚至还主观地提出“假声是从假声带发出”的错误见解。1880年，外科医生班克发表《人声的发声机能》，从生理学上详尽研究了人体发声机能。1890年，他又与布朗合作写了《声音、歌曲和语言》一书，书中指出了窦体和假声带之上、会厌尖之下的喉前庭以及会厌在歌唱中所起的重要作用，对于发声机能作了进一步的研究。他还指出声带活动有“厚”、“薄”、“小”三种机能状态，因之，产生三个声区。1886年，霍华德出版《艺术性歌唱的生理学》。书中详细论述了人体发声器官的机能，并证实只能发出两种

唱歌技巧与发声方法基础练习

唱歌技巧与发声方法基础练习引言唱好歌的前提：给自己足够的信心！这是任何唱歌技巧和发声方法都弥补不了的！很多人认为嗓子的好坏是天生的，乐感更是天生的，觉得自己的嗓子条件不好，声音不好听等等，这种观点无疑是给歌唱爱好者头像了心理上的阴影，这种观点的危害性首先子啊于它否定了歌唱者的主观能动性，第二是扼杀了歌唱者可能存在的潜在能力，自从卡拉OK兴起以来，革命队伍日益壮大，原先被判为“五音不全”，“缺乏音乐细胞”的人也敢一试歌喉，歌唱爱好者都有一个很关注的问题，那就是自己的嗓子究竟是好是坏？朋友们：在这里我可以真诚的告诉大家，不要被表面的“好听”和“难听”的现象所迷惑，嗓子是可以改造的，可以通过方法来改变，只要把自己的嗓音潜能发挥出来，条件就不是绝对的了。 1、歌唱发声练习的目的和要求每位歌唱者一定要充分理解和运用气息发声和气息控制的方法（即横隔膜的呼吸方法），因为在整个声乐功能系列中，歌唱呼吸是最重要的一环，是整个歌唱建筑的基础，因此必须明确呼吸的重要性，重视练好歌唱呼吸的基本功。 2、打开喉咙打开喉咙，稳定喉头，是歌唱基本功训练的核心，这是歌唱者声乐技巧能否顺利发展的关键之一，很多歌唱者声音上的毛病，多是由于歌唱时喉头不找开、不稳定造成的，而正确的喉头位置是协调呼吸器官的运动，获得稳定、流畅声音效果的关键。 3、共鸣要恰当地运用好歌唱的共鸣，要使声音传得远，充满剧场，且圆润，优美动听，这是要经过专门训练的，对于初学者来说，是比较难掌握的课题。由于共鸣训练常常与其它发声基础要求分不开，因此要求歌唱者通过母音的转换，稳定喉头打开口腔，调节气息等手段，把声音振响在鼻咽腔以上的高位置头腔共鸣点上，来增大音量，扩展音域，美化音色，统一声区，使高、中、低三个声区的声音协调一致，天衣无缝，走动自如灵活。 4、正确发音正确的发声要与正确的咬字、吐字相结合。通过字、声结合的练习来提高唇、齿、舌的灵活运动能力，使之更完美而生动地表现歌曲和情感和内容。

传统声乐气息训练的方法

传统声乐气息训练的方法 1.边吸边唱这个说法真的很多人都听过，咋一听觉得这个气息方法牛掰的不行，那么会了“边吸边唱”以后是不是就可以不用换气了？可以一直唱下去了？说实话一开始我听到这个方法时也脑洞大开，然后就试了下发现怎么都做不到，后来又问了很多听说过这个技巧的人，他们也没有回答出确切的技术方法，有人会吗？至今没发现。如果这个方法真的是有可行性，那么现在的歌坛中天王天后级的人物里，没有发现一个人使用这种方法，岂不是在另一方面就证实了这种方法没有什么合理性？在我们初中的时候都学习过生物，我对人体的呼吸原理还是记得的，虽然不是很到位但是我还是尝试简单的描述下。 “吸气时，横膈膜往下运动，肋间肌带动肋骨往外运动使胸腔的体积扩大，同等质量的气体，体积增大则压力变小所以肺中的气压变小，则人体周围环境中的空气因为压力差的作用而进入肺中。呼气时则相反，横膈膜上升，胸腔体积变小，气压大，空气从肺往外走。” 这就是人体呼吸时肌肉动作的状态，从图中可以看到，人体吸气和呼气是使用的同一个系统，所以横膈膜根本不可能做到“既上又下”，

这是违反人体呼吸的自然规律的，所以从生理上说这种“边吸边唱”是完全行不通的。你怎么可能要求自己的一条胳膊在向里拐的同时又要向外拐呢？但是为何市面上又有人在传说这个技术呢？我翻了很多的资料终于在一篇文章中找到了一些关于“边吸边唱”的技术描述，现摘抄如下。声乐气息训练的方法歌唱呼吸的支持力来源于吸进气以后，吸气肌肉群还需继续工作，不能放松，继续保持吸气的状态，使呼与吸形成对抗，这个对抗就是我们常说的"呼吸的支持"……歌唱时保持在吸气的基础上发声，呼与吸形成的对抗伴随着一个乐句的演唱始终保持着，只有在一个乐句唱完时才放松，接着吸气。这段话是对“边吸边唱”这个技术最贴切的描述，从中可以看到所谓的“边吸”其实不是指的吸气，而是要保持吸气的肌肉动作，来保持

欧洲声乐艺术的发展历程和研究

摘要在21 世纪初的今天，古典音乐依然占据重要地位，美声唱法作为目前世界各国公认的科学发声方法以及全世界声乐艺术中最重要的声乐演唱方法之一，仍然受到音乐受众的喜爱与尊崇。然而随着科学技术和经济的飞速发展、人们的物质精神文化的不断提升，伴随着音乐表现风格的变化、旋律材料来源的多样化、音乐制作形式的不同，音乐风格也随之转变，现代流行音乐也受到了大家的欢迎与追捧，许多新视听开始出现。国际大环境时下流行的“跨界演唱”融合了古典音乐与现代流行音乐的演唱技巧和演唱风格，音乐剧这一20 世纪新兴的舞台综合艺术也吸收了古典美声演唱与现代通俗唱法的精华创作出了许多新式音乐视听作品，美声唱法与现代摇滚音乐的结合也成为一股新的流行之风在欧美地区展开博大的势力冲击，“跨界演唱”成为一种潮流和趋势，正展示它旺盛的生命力。我国声乐演唱方法也呈现了多元化发展的盛世场景，像美声唱法与通俗唱法结合的演唱、音乐剧形式的演唱方式在我国都有不同程度的发展，此外，我国还有本民族特色的声乐演唱形式的结合。如我国民族声乐唱法与美声唱法的结合、民族唱法与通俗唱法的结合、我国戏曲音乐演唱与流行音乐的结合、我国戏曲音乐演唱在民族声乐作品中的应用等等。关键词：欧洲，声乐，艺术，发展研究； Abstract In the early twenty-first Century today, classical music still occupy an important position, the bel canto as the world recognized sound scientific methods and the whole world of the art of vocal music in the most important vocal methods one, is still the subject of music audience's love and respect. However, with the development of science and technology and the rapid development of economy, people's material and spiritual culture of continuous improvement, accompanied by a music performance changes in style, melodic material diversification of sources, the different forms of

声乐表演艺术-模板

声乐表演艺术一、学习声乐要有扎实的声乐基础学习声乐是一件艰难、辛苦的事,声乐不像学数学那样,只要多做题,便有道可行了。声乐是一门科学,需要科学的方法去练习;它更是一门艺术,因为有许多很抽象的东西不能直观的来表述,只能在实践中理解。从声乐艺术观点来言,首先要发声正确。共鸣嘹亮,用气﹑力度掌握自如,音色变化丰富,咬字清楚,行腔自由,风格浓厚;还有发音清晰﹑准确,有穿透力,共鸣达远,高中低声区通畅一致,合乎生理上的自然要求,耐久、健康;其次,要有正确的歌唱气息。古人云”:气为声之本”。又有“夫气者,音之帅也,气粗则音浮,气弱则音薄,气浊则音滞,气散则音竭。”(陈汝衡《说谭》)。这充分说明气息的运用与唱歌息息相关。现在最科学的是胸腹式呼吸,也叫横隔膜联合呼吸法。再次是歌唱的发声。发声练习是发展声音的技巧,稳定歌唱状态,培养歌唱风格,锻炼发声器官的坚韧耐力,充分发挥歌唱器官潜在的生理功能的最基本的一种练习;最后是歌唱的共鸣。歌唱的共鸣是由人体的胸腔、口腔、头腔三大共鸣腔体所组成的。其中在练习胸腔时先作打哈欠状,发声时下颚自然下垂把在硬腭上的声波震动反射点转移到下齿背上,让声波在喉咙和气管附近引起更多的振动,继而引起整个胸腔的共鸣。我们看到无数在歌唱方法上掌握了科学基本功的演唱家,他们的歌唱是有许多宝贵经验的,但是像扎木苏这样的高龄,而仍然在舞台上保持声音的完美及感人的艺术魅力,是凤毛麟角了。还有世界着名声乐家纪列,在六十岁时举行了一个告别音乐会,虽然声音已有些减色,但仍然是世界上少有的财富,(据说意大利声乐家巴拉到了六十八岁,1946年)还在热亚那演了最后一场戏。草原歌唱家胡松华80多岁高龄还在舞台上很活跃,他的《从草原来到天安门》让人们看到他宝刀未老,而且在京剧方面也有很高的技艺。郭兰英、王昆、马玉涛等一批老歌唱家都是有力的证明。美国当红歌唱玛丽亚凯莉以其精堪的技艺折服了全世界的歌迷们,她不但能将通俗唱得出神入化,让很多同行望而阕步,而且还有着深厚的“美声”功底,其音域之宽世界少有,是世界歌唱者中的一颗璀璨明珠。所以“,用不到音乐学院来学习,随便拿来唱就行了”这一说法,是很不科学、很不负责任的。现在的声乐正健康、科学、迅速地发展着。要想有长久的声乐寿命,必须是科学的发声和正确的歌唱。二、声乐表演要有丰富的情感