扬琴演奏记谱法

书山有路勤为径，学海无涯苦作舟

扬琴演奏记谱法

扬琴，又称洋琴、打琴、铜丝琴、扇面琴、蝙蝠琴、蝴蝶琴，击弦乐器。扬琴是中国民族乐队中必不可少的乐器。下面，小编为大家收集整理了关于扬琴演奏记谱法，以方便大家参考。

1、简谱记谱法造成扬琴相对固定音位的模煳

简谱在区别音的高低时，运用的是在各音符上下方加小圆点，以表示音高变化。由于简谱只有七个不同的音位符号，即“1234567”，一

般转调时，除了在乐曲前面标示“1：C，1：D，……”以外，在记谱上

毫无差别。在此，C 调的低音“1”与G 调的低音“1”是同一个概念。音组

的不同、音区的差别以及各音区之间的特色，在演奏者眼里是不存在的，起码是引起一定程度上的混淆。这种现象，无疑造成了演奏者对音乐作品的理解和在音乐表现上的局限性。

2、简谱记谱法造成转调概念的混淆

由于音乐表现上的需要，许多扬琴曲都存在转调，尤其在乐曲的展开部，转调更加频繁。对于演奏者来说，尽管音符符号一样，但不同的调必将导致扬琴音位的改变。在此，演奏者必须迅速转换音高位置和调性概念。这种记谱音位的’相同”与扬琴音位的“不同”，造成了演奏者思维的混乱，往往使演奏者在一种极为矛盾的窘境下来调整自己的感觉，不仅给演奏者增添了不必要的负担，也难以很恰当地表现乐曲内容。

3、简谱记谱法与其它理论课程的教学不同步

在我国音乐、艺术院校以及师大音乐系的基础乐理与视唱练耳调查中，均采用五线谱记谱方法教学，简谱记谱只作为辅助手段。这不仅因为五线谱记谱是世界音乐文化交流的“通用语言”，在记谱方法的科学性上，也比简谱更准确与合理。例如断奏符号的记法在五线谱一般均为

扬琴十大名曲

扬琴十大名曲 1、弹词三六扬琴独奏曲。原为江南民间乐曲《梅花三弄》，与琴曲《梅花三弄》同名异曲。《三六》可能是该曲第三段《三叠落梅》中《三落》的上海方言谐音。乐谱最早载于1895年李芳园编的《南北派十三套大曲琵琶新谱》。曾以丝竹乐合奏形式在江南各地广泛流传。在评弹演唱前常用琵琶、三弦作为开场音乐演奏，故称《弹词三六》。经项祖华改编为扬琴曲。全曲共分十一小段，合头段落在曲中反复穿插出现五次，构成循环体的结构特点。乐曲旋律活泼流畅，表现出热烈欢快的情绪。 2、倒垂帘是一种旋律进行手法。即旋律进行由高而低，顺势而下，流畅委婉，犹如珠帘垂落，一般用在结束句。乐曲《倒垂帘》以倒垂帘旋律手法命名，并运用于整首曲子。高低音阶，错落有致地响起，确有“大珠小珠落玉盘”之感。这种手法也在民族民间器乐曲中运用。 3、海峡音诗扬琴协奏曲。茅匡平、项祖华作曲，乐曲生动描绘了绮丽、富饶的宝岛——台湾之风土人情，表现了岛上人们勤劳乐观开拓进取的性格，构成了一篇锦绣壮丽又气质恢弘的民族音诗。

4、欢乐的火把节刘希圣作曲。一年一度的火把节是彝族人民重要的传统节日之一。这天晚上，人们纷纷点起火把尽情歌舞，山寨成了火把的海洋、欢乐的海洋，青年男女们也借此互诉衷扬。乐曲描绘了这一动人的民族风情，具有彝族风味的主题极具动感。乐曲的旋律从轻快到热烈奔放，展示了人们手擎火把载歌载舞的情景，时而温柔轻捷、时而优美明朗的曲调，犹如青年们的绵绵情话。结尾时强烈的节奏酣畅地描绘出狂欢的场面，让听者不禁沉醉于节日的喜庆之中。 5、欢乐歌江南丝竹合奏曲。是明、清时期流传在江南的曲调，用相同的旋律素材，采用变奏在前，原型素材在后的演奏方式，在江南丝竹乐曲中一个创新。乐曲旋律明快流畅、起伏多姿。结构富有层次，由快而慢，渐次高涨，表达了人们在喜庆节日中的欢乐情绪。乐曲采用放慢加花的变奏技法，将母曲《欢乐歌》发展成慢板和中板段落、而以母曲为末段，构成了A—1A—2A的变奏体结构。放慢加花是将母曲的结构成倍地扩大，演奏速度放慢，并将旋律加花装饰，发展成与母曲具有一定对比的新型曲调，若不仔细分析，很难辨认其渊源关系。这是传统民族器乐创作中运用最为广泛的一种旋律发展手法。此曲原系江南丝竹八大名曲之一。 6、林冲夜奔题材选自中国古典名著《水浒》及其同名折子戏，作者以具有民

扬琴的基本功教学

70 ■ 庞卓论扬琴的基本功教学文章从扬琴演奏的科学理念、扬琴演奏的基本功专项训练等角度，研究探讨有关扬琴的基本功教学、科学训练的具体问题，论述了作者对扬琴基本功教学的几点思考。扬琴教学基本功规范化训练内容摘要：关键词：任何一种事物都不是静止、孤立的存在，与其他事物是相互关联的。扬琴作为一门民族器乐学科，学习它的演奏技巧必须要探索科学的教学规律，研究科学的教学方法，进行科学的基本功训练。因此，借鉴和吸收其他学科的训练方法，学习了解生理学、力学等相关知识，对于更好地研究扬琴演奏技巧的规范化训练尤为重要。一、扬琴演奏的基本教学理念扬琴演奏是一项全身心的运动。是运动肯定就会有惯性的存在，牛顿说过，“物体的运动并不需要力的维持。”这种运动使我们在演奏中省去了蛮力，也就是说通过惯性使音乐向前发展。很多时候，学生不能将其领会，笨拙地用力演奏每个音符，这样不但违背了科学的演奏规律，更加大了心理负担。扬琴演奏要用自然的力量，手腕放松左右翻转就会速度很快，手腕带动双臂向下放松地甩动，等等。通过这些训练，学生可以很快理解掌握惯性和反作用力的原理。任何教学都是循序渐进的，和许多自成体系的西洋乐器、民族器乐一样，扬琴教学在实践中也逐步形成了自己独具特色的教学体系。扬琴教学的首要任务是教会学生在正确的思想和科学的方法训练下，通过自己的不断努力和演奏实践，逐步掌握扬琴的演奏规律，熟练运用各种演奏技巧来表现音乐的内涵。扬琴教学要因材施教，因人而异。每个学生的年龄、接受能力、演奏水平等都各不相同，因此，在教学中侧重点也不尽相同。二、基本功训练基本功训练是扬琴专业学习的热身阶段，是扬琴演奏的基础。扬琴基本功训练包括持键法、单音、轮音、八度齐竹、快速分解、半音阶等多项训练。现代扬琴演奏技巧不断发展，独特创新的演奏技巧出现在演奏者面前，这里笔者仅对常用的演奏技巧训练阐述几点见解。 1.定型一种相对完善的持键法三指持键法即食指、拇指、中指。三指呈三角形，在弹奏中特别强调拇指不要超越食指，中指起到“托”的作用。无名指和小指呈半握拳状自然向内弯曲。在练习时，因人而异，第一步可以要求学生打开食指，拇指压在中指第二关节处，无名指和小指仍自然半握拳状进行单音的练习，充分体会中指的“托”与手腕的自然下垂感。第二步将食指轻轻加入，但仍要求学生找到刚才仅仅靠中指“托”的手感，从而真正做到三指持键，中指托、食指挑、拇指压。经过半个月到一个月的时间重复稳固练习，将这一演奏状态变为下意识的动作。 2.手臂的松弛训练肩臂的松弛程度、腕指关节的灵活度以及肌肉运动松紧交替的协调性是科学演奏技巧训练的关键。演奏者要充分利用人的自然生理特点做有效的练习。例如耸肩与落肩的练习，体会肩部放松，手臂自然的垂落感和下沉感；又如大臂反复做推和拉的动作，大臂自然上下运动，先放松慢练，然后加速前后推拉，上下运动。在学习中不可避免会出现大臂紧张的现象，手臂外翘或内夹。这两个“病因”是科学演奏的隐患。所以要经常做手臂的自然外张和放松的回落练习，动作一气呵成不可间断。肩关节、指关节、腕关节松弛，在松的前提下做到手、臂、腕的“通”是很关键的，因为松弛不见得是通的，松如果没有通就会变成懈。 3.单音训练首先，要建立弹单音的模式，单音技术是扬琴演奏入门的关键。弹奏单音重点要做到松——紧——松，即准备弹击时放松，弹击琴弦时相对用力，弹后自然放松地反弹回来。要注意用力与放松的和谐统一。练习单音时要注意左手和右手的均衡练习，先练习左手，再练习右手，后左右手交替练习。单音的练习是其他单项练习的基础，只要熟练掌握了单音的训练方法，其他的练习就相对容易了。在练习好左右手单音的基础上，可以用练习曲进行巩固式训练。首先放慢速度练习单音时，力度、速度要一贯到底，切记不要时快时慢。其次，快速单音的练习是轮音的基础，快速单音技巧的训练要求有颗粒性，左右手单音交替要平均，速度要一致，要求强化训练可数的快速单音，每个快速单音之间不要带音头，不要在某个音上做强弱。要求学生真正做到快速单音弹奏时力度不变、速度不变。最后，快速单音的训练为不定数轮音打下了良好的基础。不定数的轮音一定要有意识地调动起来，特别要体会快速时惯性的作用力，找到手腕、手指、手臂通顺的感觉。快速密集的轮音演奏要求学生不改变弹奏模式、不改变演奏状态、不改变音响效果。 4.左右手单轮练习左右手配合好是掌握这一技巧的前提，在最初练习时应先从左手轮音开始练习。因为在日常生活中，人们右手的运动要远大于左手，想要达到两手力度、速度均衡，密度匀称之目的，就要注意左手的练习，在生活中可以有意识地多培养左手运动的习惯。在教学中可先采用一个声部是旋律声部，一个声部是伴奏声部来练习。首先左手弹奏旋律声部，每个音符与音符之间应平均，无音头、重音，无换音痕迹，放松地将每个音弹清楚。有些学生在演奏时手臂紧张，换音时有间断的现象。应先慢练，再结合专项的练习曲，适当地加速练习，保证在松弛的前提下有意识加快轮音密度，最终达到单手轮音以点成线的理想效果。右手轮音练习同左手相同。值得注意的是，旋律声部无论在哪只手上一定要清晰、突出。另外，一只手作为伴奏声部通常情况下有固定的伴奏音型与固定结构，可以告诉学生伴奏声部其实从某种角度讲就是拍子，是固定的节奏，这样左右手声部的配合才更加协调统一。 5.八度、和音齐竹类练习这一阶段的学习，要求演奏者在已经熟练掌握单竹类技法以及左右手轮音等技巧的基础上进行的八度齐竹、和音齐竹的专项训练。这类技巧的训练要求与以往不同，首先要求左右手同时击弦要“齐”，即同步起落，双手要同时抬起、同时落

扬琴演奏技巧简论

扬琴演奏技巧简论摘要：扬琴因其明亮清脆的音色，在明末清初传入我国以后被民间演奏艺人和专业琴师所亲睐，并被广大劳动人民接受，因此在我国慢慢流传起来，但因为其发展的特殊性和国内艺术界的特点，扬琴并没有取得有实质意义的突破性发展，只是当新中国成立以后，扬琴在发展过程中被著名的流派艺术家通过结合民间戏剧、曲艺和说唱技术等综合发展之后才在流传和演奏的时间过程中获得了新生，被广泛认可，并且根据我国地域特色的不同和区域民间艺术的特点形成了扬琴流派，并且各自流派在发展中结合当地民间音乐的特色，不断加工和传承，想着多样化发展，满足不同人群关于文化的需求，并且扬琴的演奏形式被不断创新，使得杨琴向系统性、民族性和多样性的方向不断发展。关键词：扬琴演奏；艺术流派；技法引言扬琴是在明末清初之际传入我国的，其地域历史可追溯于波斯帝国，也就是属于阿拉伯乐器序列，但扬琴自传入我国直到20世纪中叶，其发展一直很缓慢，虽然民间演奏艺术家对扬琴的使用和改造在一直进行中，但始终没有成为我国的主流乐器。这种状况指导新中国成立，中国的扬琴演奏艺术家和理论学家以及扬琴技师在广泛借鉴我国其他民族主流乐器的基础上，对扬琴艺术

进行了大胆的改造和创新，同时在扬琴演奏作品和演奏技法进行了深入的研究，自此以后我国的扬琴艺术取得了长足的进步，现在的扬琴已经在世界民族艺术的领域取得比较辉煌的成就。上面提到扬琴在十六世纪传入我国以后发展一直很缓慢，其原因在于当时的扬琴亲体只有两排吗条，同时扬琴的共鸣腔体较小，没有后来衍化配备的变音槽等附件，因此其音量小并且音域狭窄，转调困难，导致其音色不理想，因此在当时的职业音乐家那里没有太大的实用价值，同时上层社会尤其是王室对于杨琴的异域身份也很排斥，在上层社会缺乏市场，因此扬琴只能在民家的曲艺伴奏或者是弹唱中被使用，作为乐器，其实身份不高，虽然如此，在民间关于杨琴艺术的探索和发展中，扬琴并没有止步，在民间艺术家的接力传承中，扬琴还是取得了比较大的发展，尤其是变音槽的演变比较能够说明问题。新中国成立后，尤其是文革以前，我国的文化艺术事业取得比较大的发展，此时民间的音乐团体如雨后春笋般纷纷出现，对民族乐器的传承和延续因此进入到了一个快速的发展期，此时大量流落在民间的扬琴被搜集整理出来，并在现代艺术的基础上进行了二次创作和革新，并且在此时，扬琴乐器的发展也经历了长足的进步，此时由于扬琴的器体得到了改造，共鸣腔，尤其是402琴体的研制，使得于此相配的扬琴演奏技法得到了很大的提升，并在此基础上形成一系列极具民族风格的扬琴乐曲【1】。另外这个阶段取得最主要的成就就是因为国内对扬琴艺术的重视使得国家对扬琴的发展起到了一定的规范和统一作用，尤其是关于

大班音乐公开课教案《有趣的五线谱》

大班音乐公开课教案《有趣的五线谱》幼儿园大班音乐教案：有趣的五线谱音乐活动：有趣的五线谱活动目的： 1、通过游戏让幼儿认识五线谱，知道五线谱是由的线、间、小节线以及高音谱号和低音谱号组成的，并能说出自己在五线谱的位置。 2、培养幼儿的音乐素养，激发幼儿对音乐的兴趣。 3、让幼儿体验互相帮助，共同合作的乐趣，培养幼儿充分的自信心和成功感。活动准备： 1、VCD（豆豆的音乐世界）。 2、音符头饰（胸饰）等。 3、五线谱图示。 4、制作五线谱的毛线，将若干小节线、高音（低音）谱号放在教室周围。活动过程：一、观看VCD提问：你喜欢豆豆吗？（豆豆是可爱的小音符）豆豆住在哪儿？（美丽的音乐世界，哪儿有许多有趣的朋友：高音谱号、低音谱号，还有小节线。）二、认识五线谱。

豆豆的家真有趣，是怎么样的？（它有五条线，还有五个间，我们叫它五线谱。）学说：从下往上数第一线、第二线、第三线、第四线、第五线；第一间、第二间、第三间、第四间。（就象一间一间的小房子）三、合作游戏：与幼儿一起建构小音符的房子。 1、教师和小朋友们一起用毛线一起组合五条线。 2、游戏：住房子。幼儿听教师的指令分别站到五线谱的相应位置，巩固对线与间的认识。小音符的房子真有趣，到下次，我们还可以邀请不同的朋友来做客，小朋友们回去想一想，可以邀请谁？活动反思：五线谱是目前世界上普遍采用的记录乐曲的方法，让幼儿从小正确认识五线谱，也是为他们日后开展各种音乐活动做准备。如果老师只是单纯地讲解就会违背幼儿的身心发展需要，变成知识的灌输。所以，我结合幼儿的生活经验，通过观看VCD、给音符宝宝造房子、一起做游戏等活动，激发幼儿的活动兴趣，师幼互动，促使幼儿对五线谱的认识。

中国传统的记谱法(乐谱)

中国传统的记谱法基本有十三种,分别是:工尺谱、琴谱、燕乐半字谱、弦索谱、管色谱、俗字谱、律吕字谱、方格谱、雅乐谱、曲线谱、央移谱、查巴谱、锣鼓经在当今，中国汉字记谱主要是用宫、商、角、清角（和）、徵、羽、变宫（变）分别来表示do、re、mi、fa、sol、la、si，而在工尺谱中，则表示为上、尺、工、合、六、五、一。而在汉字下方画斜线和在汉字旁家部首（例如加“亻”等）来表现音高。琴谱是用文字将古琴曲的定弦法、弹奏手法和分句法等记录下来。燕乐半字谱所用的符号大多形似半个汉字，多用于记录燕乐！故得名！弦索谱是一种指位谱，原理与今吉他指位谱相似。至今已失传！管色谱是一种音位谱，最初可能是管乐器指法符号的演变。俗字谱即工尺谱的前身。律吕字谱使用十二律吕名记录曲调中各声音高的一种记谱法。我国曾用此记录雅乐。目前仍广泛用与日本和韩国。方格谱是太簇律由低到高列出十二律，在音图最右边一行注律吕字样，每格代表一个半音，自左而右每格代表一个相对等长时值单位。雅乐谱是明代记载祭祀孔子所用的音乐的曲谱形式。曲线谱是用曲折的线条来记写曲调进行的乐谱。央移谱是藏传佛教使用的曲谱，是在七条平行线上划出各种曲线组成的一种曲谱。查巴谱是一种在方格中划曲线的曲谱。锣鼓经是一种打击乐的曲谱。又叫“锣经”、“锣鼓谱”和“法器谱”等。工尺谱最晚于晚唐五代已产生。其音高符号，属于首调唱名法（当然也有用固定唱名法的），如“上（…1?）、尺（…2?）、工（…3?）、凡（…4?）、六（…5?）、五（…6?）、乙（…7?）等等。它的调号以上字调（降B)、尺字调（C）、小工调（D）、凡字

调（降E）、六字调（F）、五字调（正宫调G）、乙字调（A）等为标记，其中以小工调、正宫调、尺字调、乙字调最常用。工尺谱的节奏符号，称为板眼。一般板代表强拍，眼代表弱拍，共有散板、流水板、一板一眼、一板三眼、加赠板的一板三眼等形式。散板就是自由节奏；流水板是每拍都用板来记写，一般是1/4的节奏，一板一眼就是一个板与一个眼合成2/4的节拍；一板三眼就是一个板和三个眼合成的4/4节拍；加赠板的一板三眼，只有在昆曲的南曲中才有，大致相当于4/2节拍。这种记谱法到清乾、嘉年间发展到极至，出现用工尺谱记写的管弦乐合奏总谱——《弦索备考》，即著名的《弦索十三套》。我国现在大多用五线谱写谱，而前些年我国最流行的是简谱，那么在古代我国是用什么记谱的呢？在我国古代，记谱的方式是工尺谱。在古代，无论是词、曲、戏曲等音乐，都是用工尺谱记谱的。工尺谱是什么呢？它是一种以音高符号为“工、尺”等字而得名的一种记谱形式。工尺谱最晚于晚唐五代已产生。其音高符号，属于首调唱名法（当然也有用固定唱名法的），如“上（‘1’）、尺（‘2’）、工（‘3’）、凡（‘4’）、六（‘5’）、五（‘6’）、乙（‘7’）等等。它的调号以上字调（降B)、尺字调（C）、小工调（D）、凡字调（降E）、六字调（F）、五字调（正宫调G）、乙字调（A）等为标记，其中以小工调、正宫调、尺字调、乙字调最常用。工尺谱的节奏符号，称为板眼。一般板代表强拍，眼代表弱拍，共有散板、流水板、一板一眼、一板三眼、加赠板的一板三眼等形式。散板就是自由节奏；流水板是每拍都用板来记写，一般是1/4的节奏，一板一眼就是一个板与一个眼合成2/4的节拍；一板三眼就是一个板和三个眼合成的4/4节拍；加赠板的一板三眼，只有在昆曲的南曲中才有，大致相当于4/2节拍。这种记谱法到清乾、嘉年间发展到极至，出现用工尺谱记写的管弦乐合奏总谱——《弦索备考》，即著名的《弦索十三套》。首调制工尺谱与简谱雷同,只是直书与横书之差异,工尺谱以板眼标示节拍,与简谱的底限节拍符号比较,简谱比较精密. 固定调制工尺谱是南管音乐文化的主要根据,就是演奏的风味精随.它存在南琵琶的指法与音阶节奏等,也是箫法的根据,若译成简谱或线谱,符号会更多,更难一目了然,若简化了指法,就会演奏不出南管风味,匡住了原来箫弦的灵活的空间. 我认南管工尺谱是一种很有效率的记谱模式,虽然箫法需要经过学习才能了解,没有在谱中明确标示给箫的意义,这只要再一套箫法手册来补足,虽然至今仍无,在我计划中. 一开始我学习南管时先译谱学习,後来发现是缘木求鱼,才下定决心学工尺谱,至今仍很多人不相信工尺谱的优点,觉得很可惜!举一个简单的例子,南管旋律中的音符有主辅关系,主音是琵琶骨干音,辅音是润腔旋律,润腔旋律是灵活应用由箫发挥,但又有琵琶指法的相对关系作为贯晢(连,停)依据或润腔规则.若只译琵琶谱,会发现很简单,箫法也跟著消失,若连润腔旋律都译,就会只有一种标准,参考某人的吹奏者当下作为後人的版本,琵琶指法变了,箫法死了,其结果是南管变成一般华乐. 我对上述两大系的工尺谱都有所接触,我认为前项被取代已属必然,因无所特色,只有文化流传意义吧!後者是很难被取代的,除非要放弃其原有的美学特色. 我认为南管的工尺谱只要南管还在,它应该不会消失.至少台湾的教育体系纳入了,就好

初步认识五线谱教案-

初步认识五线谱教案- -CAL-FENGHAI-(2020YEAR-YICAI)_JINGBIAN

《初步认识五线谱》教学设计（从《大纲》到《课标》以来，审美艺术教育搞得轰轰烈烈，有声有色，成绩堪赞。可是回顾这些课堂教学，细细思量，我们似乎把传统音乐教学的一切抛弃了，无论是优点还是缺点，特别是识谱教学。识谱，是打开音乐大门的钥匙，识谱能力对学生感受、理解、表现及创造音乐有着重要作用，识谱对学生今后学习音乐会打下良好的基础。识谱并不是教材上的内容，为了让学生能够对识谱产生兴趣，我仔细钻研，经过课堂实践，取得较好效果）。一、教学目标知识与技能：初步掌握五线谱基础知识，初步了解音符在音乐中的位置。过程与方法：通过自主观察、小组讨论，做游戏、师生互动等活动，培养学生合作意识、协调意识、群体意识。情感态度与价值观:通过本节课的学习，学生对五线谱产生兴趣，培养学生善于观察的良好习惯，通过教学及各种生动的音乐表现活动培养学生对音乐的兴趣，开发音乐的感知力，体验音乐的美感。二、教学重点及教学难点教学重点：音符在五线谱中的位置和五线谱相关知识。教学难点：了解音乐中的音名和唱名三、教学准备

多媒体课件五线谱黑板音名卡片竹笛头饰等四、教学过程 1、导入部分师：小朋友们，你们听过《白雪公主》的故事吗你们喜欢故事中的谁啊学生：白雪公主、七个小矮人…… 师：七个小矮人非常的善良可爱，你们想不想看看他们长得什么样啊？学生：想…… （通过多媒体形象直观的展示七个小矮人的形象） 2、引入课题师：我们很多小朋友有两个名字：一个大名，一个小名，那么七个小矮人也有两个名字，他们是一个音名一个唱名，快看，他们正迫不及待的正想跟大家见见面呢！学生：想…… 师：他们的音名写在他们的身上呢！有谁能给大家介绍一下

中国传统乐器扬琴演奏研究

中国传统乐器扬琴演奏研究摘要：扬琴因其明亮清脆的音色，在明末清初传入我国以后被民间演奏艺人和专业琴师所亲睐，并被广大劳动人民接受，因此在我国慢慢流传起来，但因为其发展的特殊性和国内艺术界的特点，扬琴并没有取得有实质意义的突破性发展，只是当新中国成立以后，扬琴在发展过程中被著名的流派艺术家通过结合民间戏剧、曲艺和说唱技术等综合发展之后才在流传和演奏的时间过程中获得了新生，被广泛认可，并且根据我国地域特色的不同和区域民间艺术的特点形成了扬琴流派，并且各自流派在发展中结合当地民间音乐的特色，不断加工和传承，想着多样化发展，满足不同人群关于文化的需求，并且扬琴的演奏形式被不断创新，使得杨琴向系统性、民族性和多样性的方向不断发展。关键词：扬琴演奏；艺术流派；技法引言扬琴是在明末清初之际传入我国的，其地域历史可追溯于波斯帝国，也就是属于阿拉伯乐器序列，但扬琴自传入我国直到20世纪中叶，其发展一直很缓慢，虽然民间演奏艺术家对扬琴的使用和改造在一直进行中，但始终没有成为我国的主流乐器。这种状况指导新中国成立，中国的扬琴演奏艺术家和理论学家以

及扬琴技师在广泛借鉴我国其他民族主流乐器的基础上，对扬琴艺术进行了大胆的改造和创新，同时在扬琴演奏作品和演奏技法进行了深入的研究，自此以后我国的扬琴艺术取得了长足的进步，现在的扬琴已经在世界民族艺术的领域取得比较辉煌的成就。上面提到扬琴在十六世纪传入我国以后发展一直很缓慢，其原因在于当时的扬琴亲体只有两排吗条，同时扬琴的共鸣腔体较小，没有后来衍化配备的变音槽等附件，因此其音量小并且音域狭窄，转调困难，导致其音色不理想，因此在当时的职业音乐家那里没有太大的实用价值，同时上层社会尤其是王室对于杨琴的异域身份也很排斥，在上层社会缺乏市场，因此扬琴只能在民家的曲艺伴奏或者是弹唱中被使用，作为乐器，其实身份不高，虽然如此，在民间关于杨琴艺术的探索和发展中，扬琴并没有止步，在民间艺术家的接力传承中，扬琴还是取得了比较大的发展，尤其是变音槽的演变比较能够说明问题。新中国成立后，尤其是文革以前，我国的文化艺术事业取得比较大的发展，此时民间的音乐团体如雨后春笋般纷纷出现，对民族乐器的传承和延续因此进入到了一个快速的发展期，此时大量流落在民间的扬琴被搜集整理出来，并在现代艺术的基础上进行了二次创作和革新，并且在此时，扬琴乐器的发展也经历了长足的进步，此时由于扬琴的器体得到了改造，共鸣腔，尤其是402琴体的研制，使得于此相配的扬琴演奏技法得到了很大的提升，并在此基础上形成一系列极具民族风格的扬琴乐曲【1】。另外这个阶段取得最主要的成就就是因为国内对扬琴艺术的重

五线谱教学案例(G大调五线谱学习)

五线谱教学案例（G大调五线谱学习）一、案例背景在本学期的音乐课堂教学中，除了演唱、欣赏，我们还有课后的活动与练习。八年级上册的五线谱学习中重点学习G大调，从第一单元的认识G调，再到后面单元的一条条视唱，重在提升学生的识读乐谱的能力，可是，当我给他们讲五线谱知识时，课堂上发生了两种情况。一部分同学对五线谱的书写、识读、演唱都积极参与其中，而另一部分则不然…… 二、情景描述八年级的同学在初中阶段心理变化尤为明显，课堂中也如此，音乐课原本是快乐课，享受课，可是当老师给他提出动手、动脑、动嘴的要求时，他们中有些不耐烦了。那天，我正好应该上单元活动练习课，讲讲关于G大调五线谱的识读。课前，为了这个音乐理论教学，我进行了精心的设计，严格按照音乐课标提出的正确处理音乐知识、技能的学习，在7—9年级阶段要求学生具备识读乐谱的能力，而且能顺畅地识读乐谱，我还准备了课件。心想学生一定会喜欢上五线谱这个内容的，因为识谱教学也是我们教学目标当中的知识、技能目标之一。教学设计如下。教学目标：一是能认识G大调主音的位置，并能唱出音阶。二是能将简单的G大调线谱翻译成简谱并演唱。

教学重点和难点：认识G大调，提高同学们的识读乐谱能力。教学用具：电子琴，多媒体课件，五线谱教学电教板。教学过程：用课件导入，一张鸟儿在电线杆上憩息的图片，来引入五线谱的学习。（设计意图：激发学生学习五线谱的兴趣，结合实际告诉同学们：生活中就有五线谱，鸟儿们为我们奏出和谐的乐章。）师：“同学们，从图中大家已经知道我们今天的学习任务，关于五线谱的学习。首先请大家做个练习，还记得这个调吗？”（设计意图：复习C大调引出G大调）出示C大调五线谱音阶图。请大家随琴唱出音阶，并说出音名。生：唱音阶，说音名，教师检阅。do——C，re——D，mi——E，fa——F，sol——G，la——A，ti——B.如果大家仔细观察的话，实际上在我们的音乐学习中只用了26个英文字母中的前七个，那么关于调的也与这七个字母有关。请大家对照下一张五线谱图，发现了什么？出示G大调五线谱（设计意图：让同学们通过观察认识G大调，并能有效地和C 大调区别开来。）生：观看图片，发表见解，小组活动。（培养学生们合作探究的学习精神。）小组发言：一是老师，我发现了G大调比C大调多了一个#号。

扬琴演奏艺术的技巧和灵魂

扬琴演奏艺术的技巧和灵魂师学院舒凡作为一名从事扬琴表演的艺术者，笔者结合多年的学习、演奏、实践，就扬琴演奏的灵魂与科学性的演奏技巧进行探讨和分析。每位优秀的扬琴演奏艺术家,他们的演奏风格是独特的,你会发现同一首作品,不同的演奏家对作品二度创作是不同的,由于人生经历的不同,所以每个人都有自身独一无二的思想,但他们都具备扎实娴熟的基本功，灵活运用弹奏技巧。由此可见，扬琴演奏技巧是对演奏艺术首要评判标准。但如果只有扎实的基本功和熟练的技巧而没有表演的灵魂，他的演奏则不会具有诱人的影响力和感染力。技巧和灵魂二者缺一不可。下面我就扬琴表演艺术中的灵魂和技巧做详细阐述。关键词扬琴技巧基本功灵魂一扬琴艺术的技巧基本功一.一“巧”练琴练琴所花费的时间长短，不能评判练琴的效果，练琴时一定善于用脑，带着思想练琴，从心理学的角度来说，扬琴练习中，注意力越集中，练琴的效率就会越好，演奏者在练琴时如果不能够集中自己的精神注意力、老是跑神、心不在焉、不专心，就会导致大脑皮层对练习容没有留下深刻印象，

是在做无用功，也就是在浪费自己宝贵的时间，专心致志是练琴时应有的姿态。“练琴”是每个学习扬琴者必须长期面对的不可避免的漫长持续训练，众多习琴者面对“练琴”一词的记忆是长时间保持着一个姿势一种表情枯燥无味无数遍的重复，坐在琴前纠结于像影子一样甩也甩不掉的重复错误，恐慌于音乐表达的不知所措，其实扬琴演奏和练习都属于艺术创作的过程，演奏者需要根据自己个实际情况设计符合自身发展的练琴方案。练琴重在效率，其次是时间，每次练琴的时间不宜过长，长时间的练习会使大脑容易产生疲惫，从而演奏者无法集中注意力，导致思维能力稍迟缓，记忆力下降，练琴的效率可想而知。现在很多学琴孩子，平时除了在学校上课，就是去上各种兴趣班补课班，时间安排的都很紧，经常保证不了练琴时间，那就只有在有限的时间尽可能的提高练琴的效率。首先可以在上课时进行适当的录音和录像来掌握老师的教学容、布置的作业，练琴开始前要计划好今天我需要解决的问题。笔者的练琴顺序为1基本功练习，音阶练习，三度音程音阶练习，五度音程音阶练习；2 技巧练习，轮音练习，双音练习，弹轮练习；3 新学的重点难点及乐曲练习；4 复习旧的曲目，通过基本功和技巧的练习把手指手腕都活动开然后练习新曲子，当练习一定时间后，精力开始有所下降，稍微休息后，复习学过的旧曲子，在复习的过程不仅是从技术上的提高也是提高乐曲音乐艺术质量的过程。一.二扬琴演奏坐姿和持竹

扬琴演奏艺术的技巧和灵魂

扬琴演奏艺术的技巧和灵魂郑州师范学院郑舒凡作为一名从事扬琴表演的艺术者，笔者结合多年的学习、演奏、实践，就扬琴演奏的灵魂与科学性的演奏技巧进行探讨和分析。每位优秀的扬琴演奏艺术家,他们的演奏风格是独特的,你会发现同一首作品,不同的演奏家对作品二度创作是不同的,由于人生经历的不同,所以每个人都有自身独一无二的思想,但他们都具备扎实娴熟的基本功，灵活运用弹奏技巧。由此可见，扬琴演奏技巧是对演奏艺术首要评判标准。但如果只有扎实的基本功和熟练的技巧而没有表演的灵魂，他的演奏则不会具有诱人的影响力和感染力。技巧和灵魂二者缺一不可。下面我就扬琴表演艺术中的灵魂和技巧做详细阐述。关键词扬琴技巧基本功灵魂一扬琴艺术的技巧基本功一.一“巧”练琴练琴所花费的时间长短，不能评判练琴的效果，练琴时一定善于用脑，带着思想练琴，从心理学的角度来说，扬琴练习中，注意力越集中，练琴的效率就会越好，演奏者在练琴时如果不能够集中自己的精神注意力、老是跑神、心不在焉、不专心，就会导致大脑皮层对练习内容没有留下深刻印象，

是在做无用功，也就是在浪费自己宝贵的时间，专心致志是练琴时应有的姿态。“练琴”是每个学习扬琴者必须长期面对的不可避免的漫长持续训练，众多习琴者面对“练琴”一词的记忆是长时间保持着一个姿势一种表情枯燥无味无数遍的重复，坐在琴前纠结于像影子一样甩也甩不掉的重复错误，恐慌于音乐表达的不知所措，其实扬琴演奏和练习都属于艺术创作的过程，演奏者需要根据自己个实际情况设计符合自身发展的练琴方案。练琴重在效率，其次是时间，每次练琴的时间不宜过长，长时间的练习会使大脑容易产生疲惫，从而演奏者无法集中注意力，导致思维能力稍迟缓，记忆力下降，练琴的效率可想而知。现在很多学琴孩子，平时除了在学校上课，就是去上各种兴趣班补课班，时间安排的都很紧，经常保证不了练琴时间，那就只有在有限的时间尽可能的提高练琴的效率。首先可以在上课时进行适当的录音和录像来掌握老师的教学内容、布臵的作业，练琴开始前要计划好今天我需要解决的问题。笔者的练琴顺序为1基本功练习，音阶练习，三度音程音阶练习，五度音程音阶练习；2 技巧练习，轮音练习，双音练习，弹轮练习；3 新学的重点难点及乐曲练习；4 复习旧的曲目，通过基本功和技巧的练习把手指手腕都活动开然后练习新曲子，当练习一定时间后，精力开始有所下降，稍微休息后，复习学过的旧曲子，在复习的过程不仅是从技术上的提高也是提高乐曲音乐艺术质量的过程。

浅谈扬琴的轮音训练_397

浅谈扬琴的轮音训练_397 浅谈扬琴的轮音训练 [真诚为您服务] 内容摘要:文章主要论述了学生在学习轮音过程中容易出现的一些错误，并针对这些错误提出相应的训练方法,以期使学生的轮音技巧得到进一步提高。关键词:轮音指腕配合力度统一高度统一击弦点统一扬琴是我国主要的民族乐器之一，流传甚广，深受各地区人民和文艺爱好者的欢迎和喜爱。它的高音部音色清脆、悠扬、明朗;中音部音色优美、抒情;低音部音色浑厚、饱满。因此，它不但具备了独奏的条件，同时也适于作为其他乐器的伴奏，在民乐中占有重要的地位。自上世纪50年代以来，随着乐器的改革，扬琴在演奏技巧方面，借鉴和吸收了外来乐器和姐妹乐器的技法，从而发展成许多特殊的演奏手法:如轮音、滑音、颤竹、吟音等多种多样的演奏方法。轮音也称“轮竹”,是从交替竹加快速度后发展为密集的轮奏，也是扬琴演奏技巧中最常用的一种演奏法，几乎在每首中型以上的乐曲中都可以看到它的身影。凡是聆听扬琴古曲《春江花月夜》的人，经常会为那舒缓、细腻的轮音表现力所折服，正是这种特定的音响塑造了溶溶月色的优美情境而令人陶醉;而听过《将军令》后，又会被其中那雄健而激越的轮音所震撼，使人仿佛感到古代汉营前主帅升帐、兵将列队的威武气派。这正是扬琴演奏艺术中轮音的特殊效果，以及由此而生发出来的独特美感。可见，它对扬琴演奏的成败起着至关重要的作用。在十几年的教学生涯中，笔者发现很多学生都感到轮音比较难于掌握，在学习中经常会进入这样那样的误区，主要存在以下几个方面的问题:其一，腕、臂紧张，身体僵硬。有的学生学习心切，急于求成，见到老师轮音弹得快，以为只要快就好听，一着急，也顾不上老师有关手腕要放松，手指配合带动的叮咛，就以肘部

[word格式] 谈扬琴演奏技巧的运用

谈扬琴演奏技巧的运用豳THEWORLDOFMUSIC 谈扬琴演奏技巧的运用扬琴是一种外来乐器,传入我国已有百余年历史.我国是一个多民族国家,有着极为丰富的音乐文化资源,各地区, 各民族因生活习俗不同而形成了韵昧各异的音乐风格.扬琴有独特的演奏风格,它的本质属性是塑造动态的时间艺术, 既是听觉审美艺术,又是表演性的音乐艺术,是人类心灵和精神爆发出的最富情感的艺术.扬琴演奏技术与扬琴艺术本质上是相通的.技术越是纯熟,动作越是自如,手法越是完美,也就越能达到较高的艺术境界.因此不能纯技术的看待技术,应当把基本功作为技术与艺术统一的”技术”去训练. 在教学过程中,培养学生的音乐感觉力和理解力,培养表现意欲和演奏技能,都是为了使学生通过感性认识提高到理性认识,使扬琴演奏的音乐再创造,具有强烈的音乐表现力和艺术感染力,完整地表达作品的艺术风格和审美要求,从而使听众得到美的享受. 初学扬琴者,首先要注重演奏姿势,击弦动作,基本竹法.采取教师示范与学生模仿为主的教学法,通过基本练习和练习曲为主及部分乐曲教材的基础训练,掌握扬琴发音的

技术动作规范,即掌握”持竹法,击弦点,触槌点,支撑点, 发力点”五个要点的综合技能. 一 ,单竹类快速弹奏扬琴的基本功训练,是从击弹单竹技法开始的,首先要掌握腕指结合的击弦技术动作,而腕指结合击弹技法的训练, 往往以培养由慢到快的单竹类技法为重点.注意动作部位与动作力量的调节疏通,注意训练左手右手的均衡配合;注意发音训练的颗粒性与穿透性.这一阶段可为基本练习打基础, 再采用一些练习曲来反复练习,注意弹奏各种调式的音阶, 琵音和弦的基本练习,也要注意选用一些音乐性,技术性较强而又集中的快速弹奏技巧的乐曲作为教材.既要使快速音型的演奏精确,灵活,轻快,干净;又要注意快速线条的流延安歌舞团李存梅畅起伏和音乐美感. 二,八度和音齐竹双音层次弹奏齐竹,也叫双竹;在单竹类技法如左右手均衡配合的基础上,继续进行八度,五度,四度,三度等和音.八度和音, 左竹要稍用力,并应保持灵活松弛.右竹在低音演奏,要适当控制力度.弹奏双音,双手要轻弹,两臂要放松.要能清楚地听到左竹弹出的每一个音.高音区时双竹跳动较大,要注意灵敏;隹确.

扬琴演奏技巧方法比较研究

扬琴演奏技巧方法比较研究作者：佚名来源：拙风文化网第一节扬琴演奏手形扬琴演奏正确手形，是半握拳状的手型，是从握拳状手形到半握拳状手形的过渡，演奏手形呈虚拳空心，并要求手指自然弯曲，手指关节自然突出。对手指的具体位置要求是食指中指大拇指呈三足鼎立，无名指和小指给予辅助力量。练习要求：1、握拳练习；2、半握拳练习第二节扬琴琴竹 1、扬琴琴竹说扬琴是中国的民族乐器，也是世界性的乐器，它广泛流传世界各大洲的许多国家，因而形成多种不同风格文化的扬琴。它有三大体系，中国扬琴体系、欧洲扬琴体系、西亚南亚扬琴体系。但是，在国外，扬琴所使用的敲击工具和中国扬琴使用的工具不一样，是一种类似勺子形状的木质琴槌，它在质料制作上、尺寸长短上、厚薄软硬上、琴弦粗细上、装饰图案上，各国均异，音色接近于钢琴的音色。在我国，扬琴经过劳动人民数百年的再创造，更新、改革、替代，已从形制上、音色上、演奏上、技巧上、流派上，大不同于外国扬琴，自成体系，形成独特的中国民族风格。尤其是在演奏工具上，使用一付竹子制作，有弹性、韧性、灵巧的工具，称谓琴竹，来作为中国扬琴的激发体、演奏工具，其击奏发音清澈透亮、浑厚圆润、华丽典雅，极富有中国民族特色。对琴竹的称谓，在我国各地，叫法不尽相同，在我国出版的扬琴著作、发表的扬琴论文中，称谓也不统一。所以，有叫琴键、琴笕、琴扦、琴签、琴槌，也有叫键子、飞子、击片、扬子等。但从扬琴教学规范的角度来说，叫琴竹比较恰当确切，这也是大家倾向，比较赞同的统称。琴竹的使用，早在清代，一七五一年，印光任、张汝霜撰，《澳门记略》一书中，下卷就有记载。“铜丝琴，削竹扣之，铮铮琮琮”。书中所说的“铜丝琴”，是指未改革的传统小扬琴，使用铜丝为琴弦而得名；“削竹扣之”是指击弦工具已改革采用竹制的琴竹；“铮铮琮琮”是指中国扬琴使用琴竹演奏而发出的美妙的旋律和音色。

简谱入门教程

简谱入门学习第一讲音的概念 1、音的概念第一节音的形成首先让我们来认识一下这看不见又摸不到的“音”倒底是什么呢？ “音”是一种物理现象。它是由于物体受到振动，而产生“波”，再由空气传到您的耳朵里，通过大脑反馈，您听到的就是“音”。第二节音的分类物体的大小、薄厚与振动的强弱不同，所产生音的高低也就不同，这样就形成了高音、低音、强音、弱音。第三节音的性质音的性质可以分为：高与低、强与弱、长与短，还有音色等几种。由于音的性质有这么多的不同，所以才会产生出不同的乐音来。使我们可以听到各式各样的旋律。也通过不一样的音色，让我们辨别出哪一种声音是由钢琴弹出来的，哪一种声音是小号吹出来的。二胡和小提琴同样都是弦乐器，可是它们的声音又各自有所不同。也可以区分人声，哪些是女高音，那些又是男低音等等这些不同的发声体，你会发现：音的性质在音乐领域里的意义是有着至关重要的作用的。第二讲乐谱的知识 1、什么是乐谱第一节什么是乐谱在人类历史的长河中，人们为了能使音乐保留下来，并且便于学习与交流，创造出各种各样的记谱方法。象我们唱歌，或者演奏某一种乐器，仅仅靠记忆，或者是口传心授都是不够的，必须要有乐谱。按照作曲家提供的乐谱，才能演奏和演唱出美妙动听的音乐。也由于有了乐谱，才使得很多的优秀作品流传下来。乐谱实在是保留曲目、交流文化的重要工具。所谓简谱，是指一种简易的记谱法。简谱是记谱法一种。由于它简单明了、通俗易懂，在记谱、读谱上有很大的方便。简谱是用阿拉伯数字1、2、3、4、5、6、7来记录音高的一种记谱法，读过书的中国人几乎都认识它。简谱有它的优点，但也有它的缺点。 1、什么是简谱简谱是用阿拉伯数字1、2、3、4、5、6、7来记录音高的一种记谱法，这种记谱法的是法国的修道士苏埃蒂1665年提出来的。后来，将它加以改进和积极推广的竟然是法国著名的哲学家、文学家卢梭。由于这种记谱法不方便于记录多声部的、复杂的音乐，在欧洲几乎从未普及过。1882年前后，美国人梅森到日本讲学时把它传入日本，19世纪曾有一度在日

怎样提高扬琴演奏的手腕灵活度(1)

教学视窗４２２００６－１２教师手记扬琴演奏中要求的富有弹性的音质感觉，速度、力度的对比以及音乐感情的表达，都需要扬琴演奏中要求的富有弹性的音质感觉，速度、力度的对比以及音乐感情的表达都需要依靠手腕的运动来实现。手腕是连接手臂与手掌的桥梁，是把手臂以及全身力量传导到琴竹的关键部位。因此手腕灵活是扬琴演奏中最基本、最关键的因素。扬琴演奏中的手腕“灵活”应包括以下几个因素：能够长时间无阻碍地转动，动作敏捷迅速，击弦有弹性、有爆发力。要做到这些，首先要掌握正确的弹击动作，其次需要进行长期大量的训练。介绍一种采用爵士鼓鼓棒训练学生手腕的灵活度的方法我的导师，半音大扬琴的发明者——西北师范大学音乐学院郑培东教授在长期教学实践中，总结了一套采用爵士鼓鼓棒训练学生手腕的灵活度的方法，收到很好的效果，我也是此法的受益者之一，现将这一方法介绍给更多的习琴者。选择槌身挺直、手感光滑、弹性良好的爵士鼓鼓棒。其优点是：弹性好，下击后能够立刻回弹；重量适中（一副木制爵士鼓鼓棒重量约８５克），即使长时间使用也不会引起手腕肌肉损伤，同时又能起到良好的训练作用。持棒方式为直腕式，左右手持棒一样。用大拇指、食指和中指握在靠近鼓棒尾部三分之一的地方自然并拢，无名指与小拇指向掌心弯曲轻贴在鼓棒上，整个手形呈半握拳状。选择不带扶手的椅子。扶手会妨碍手臂的运动，坐于椅子的前半部，不要把椅子坐满，否则在演奏时身体无法适时移动，也不利于力量的运筹与释放。两腿平行分开略与肩齐，以保持身体平衡为准。双肩自然下垂，小臂屈肘向前平伸，两肘与身体之间应留有一定的空隙，但也不要把胳臂架起而造成整个手臂的紧张。配备一面哑鼓，把它放置在身体正前方，它与身体的距离应以鼓棒下击时击点处于哑鼓中心为准，哑鼓的高度应调节至低于肘关节下方１０至１５厘米处为宜。训练时的要点整个弹击过程由“起”－“弹”－“回”三个步骤构成。“起”：两手握槌，掌心相对，手腕竖起，鼓棒与地面呈９０度角；“弹”：以腕关节为轴心，手腕迅速转动用力下击，在击到哑鼓的瞬间，依靠哑鼓鼓面的弹性以及鼓棒自身的反弹力，顺势向上弹起；“回”：鼓棒弹起后返回到“起”的位置。在整个弹击过程中鼓棒的运动轨迹应是垂直于地面的上下运动，手腕自然转动，利用挥动的惯性而动作。手腕僵硬、紧张往往是由于手臂下垂的重力积滞在手腕而造成的。另外，前臂或手指的局部紧张也会殃及手腕。因此在采用爵士鼓鼓棒进行训练时，首先肩关节要放松，其次上臂、前臂、手腕、手指也要处在一个放松的状态，任何一个部位出现动作障碍，都会影响手腕的灵活性，造成力的无谓消耗。怎样提高扬琴演奏的手腕灵活度　文／肖银芬音乐知多少答案一、填空１、品；２、弦乐四重奏由两把小提琴、一把中提琴、一把大提琴组成。钢琴四重奏由钢琴和三件弓弦乐器组成。　３、；４、“如歌的”（如歌唱一般，抒情、流畅、圆润并富于表情）

幼儿园大班音乐教案：认识五线谱

幼儿园大班音乐教案：认识五线谱导语：为了激发幼儿的活动兴趣师幼互动促使幼儿对五线谱的认识、下面是小编为您收集整理的幼儿园大班音乐教案：认识五线谱欢迎阅读活动由来：五线谱是目前世界上普遍采用的记录乐曲的方法让幼儿从小正确认识五线谱也是为他们日后开展各种音乐活动做准备如果老师只是单纯地讲解就会违背幼儿的身心发展需要变成知识的灌输活动目的： 1、通过游戏让幼儿认识五线谱知道构成五线谱的元素线、间、小节线以及高音谱号的名称 2、让幼儿自由在五线谱上建构的乐谱并能说出自己在五线谱的位置 3、培养幼儿的音乐素养激发幼儿对音乐的兴趣 4、让幼儿体验互相帮助共同合作的乐趣培养幼儿充分的自信心和成功感活动准备： 1、音符头饰 2、五线谱图示 3、制作五线谱的毛线将若干小节线、高音谱号放在教室周围活动过程： 1、合作游戏：与幼儿一起建构小音符的房子

音符妈妈：我想给音符宝宝建一座房子你们说起什么样的呀?需要什么材料呀? 幼儿讨论后出示五线谱图示征得幼儿同意后对照图示开始与大音符宝宝一起拉线建构要求幼儿合作完成音符妈妈：让我们对照设计图看看还缺少什么材料请小音符宝宝去找来 2、认识“五线谱” 音符妈妈：房子起好了我们来给它安个名字吧叫“五线谱”五线谱上有一间一间的房间这是五线谱的第一线这是第一间……还有房子的大门“高音谱号”我们知道了这些知识以后住到里面就不会乱了 3、游戏：住房子幼儿听教师的指令分别站到五线谱的相应位置巩固对线与间的认识音符妈妈：音符宝宝一定很想住新房子吧为了不拥挤一个大宝宝带一个小宝宝住一个房间音符妈妈：大宝宝站第三线小宝宝站第一间音符妈妈：请宝宝自由选择并说出你站的位置音符妈妈：小音符的房子真有趣到下次我们还可以邀请不同的朋友来做客小音符回去想一想可以邀请谁? 活动反思：

浅析扬琴曲《木兰辞变奏曲》的演奏技巧

浅析扬琴曲《木兰辞变奏曲》的演奏技巧一、乐曲简介（一）创作背景该曲是1962年高龙老师根据民问流传的歌曲《木兰辞》改编而成，1982年由沈阳音乐学院刘寒力老师将乐曲修订并编配乐队参加全国民族乐器观摩大会演出，并将曲名定为《木兰辞》。这首乐曲从旋律、节奏等方面，均体现出了东北扬琴的情感表达特点，东北人们豪放粗狂、性格直爽和意志坚强的精神。整个乐曲音乐强弱对比明显，速度对比度强，力度反差大，是抒发内在情感的一首优秀作品。（二）结构特征要理解一首乐曲就如同品味一段历史，从历史时期到事件，由轮廓到细节，白结构至内容，这样才能深刻又透彻的理解其巾的内涵。是一首带有引子、尾声的变奏曲曲式结构作品。这首作品采用中国民族音乐带标题的多段体与奏鸣曲式相结合，扬琴技术技巧应用比较全面。独奏曲《木兰辞变奏曲》整体分为引子、慢板、过渡华彩、快板、尾声五个部务。同时，结合了我国民问音乐段落的划分习惯，既表现出西方作曲技法的运用，又带有我国民族音乐的结构特点，体现了作曲家良好的音乐素养以及对民族音乐要“结合民族、时代和风格性”的创作观念。二、引子演奏是对乐曲的二度创作，从音乐的角度出发，演奏者就能理解不同处理方法所表现的意义。因此，了解乐曲每段所要表现的情感以及音乐本身带有的特点是进行良好演奏的必要条件。下面我们就结合和声方面的知识对作品各部分的演奏技巧进行分析，以便更好的体会作曲家的创作意图，完善对作品的理解赏析。（一）音色及旋律分析引子部分的第一乐句，采用散板的形式来描绘出战前擂鼓道锣、

吹打齐鸣、武将站门的辉煌场面。用一种“感叹号”式的句子开头，使乐曲一开始就充满了戏剧气氛。演奏时要注意装饰音的演奏，每个装饰音都要有相当的力度，但重音依然要放在本音上，弹奏起来有点像快的切分音那样。尤其是四度攀升的地方，利用双音颤竹技巧，演奏者要做到双臂、双肩放松，连贯地演奏，要注意手腕的力度控制，并且要注意速度和强弱的控制，速度由慢渐快、力度由弱渐强，力求表现出清新、悠扬的感觉，手臂放松、手腕灵活，来营造一种通透的音响效果。引子部分的第四乐句，一串风雷滚滚的下行音列使乐句回归剑起始的音，以音的快速进行的形式表现出来。演奏时要在音乐表现上下工夫，突出戏剧性的紧张气氛，追求一种震撼效果，把古代打仗前战场上战鼓擂的场面描绘出来。因此演奏时无论在何种力度、速度的情况下都要保证音的扎实流畅。（二）节奏及气息处理节奏方面，引子部分采用散节拍，演奏时不宜刻意按节拍进行，同样要跟随音乐和气息的变化。第一乐句四度攀升的地方要注意速度和力度的控制；第二乐句的演奏在由慢起渐快的基础上，轮音与下行音列的衔接处要自然的“一气呵成”，不要出现明显的气口或断句。演奏时自然接入第二乐句，第二、四乐句如同之前的回声，是其低二度模仿，强弱和节奏只要效仿之前即可。之后依旧同回音般的旋律陈述，表现出回声的效果，最终将人们的注意力引入出征前的画面。（三）强弱及速度处理引子乐句以“ff”开始，使用慢起渐快的效果，双竹齐奏在演奏时力度不能过强，强弱变化方面要做到优美自然，且不宜用同样的力度进行演奏，要随着音乐的流动和气息的变化将强弱自然流动。轮音的演奏采用突强开始，再巾弱渐强再渐弱的“枣弧形”音响，整体应处在“mp”到“mf”的力度之问，下面的乐句也是由慢渐快的处理方式，类似于水流汇集的过程，伴随着由慢渐快，表现出弱时的颗粒型，强时的流动性。乐句最后音量逐渐减弱收尾。