中外美术史

1秦始皇陵兵马俑的艺术成就

1. 秦始皇陵兵马俑的艺术成就.（p39）秦始皇陵兵马俑的艺术特点,

总体而言就是：雕刻手法写实，注重细节刻画。1974年陕西省

临潼秦始皇陵兵马俑的发现，揭开了秦代艺术的神秘面纱，随即

也引起了全世界的关注，堪称“中国美术史上的革命”，它被誉

为“世界第八大奇迹”，“二十世纪考古史的最为壮观的发现”。兵

马俑位于秦始皇陵封土东侧1.5公里处，共发现三个，坑总面积

达20000多平方米，加上一个未建成的，依次编为一至四号坑，

共发掘出战车百余乘、陶马600余匹、陶俑近8000件，还有其他

的青铜兵器。秦兵马俑阵势庞大，组织严整，巨大的规模和气

势，是秦王朝国力和武功强盛的象征，是对秦始皇统一伟业的歌

颂，高超的写实水平和对人物精神气质的成功塑造，充分体现了

那一时代雕塑艺术的飞跃发展和进步。《孙子兵法》开宗明

义：“兵者，国之大事，死生之地，存亡之道，不可不察也。”从

中可见，古代的军队在国家中占有的重要地位，也可窥见秦始皇

一统天下的奥秘。就从艺术角度看，它体现出了较高的艺术水

准，堪称艺术精品。秦始皇兵马俑的艺术特点首先是它的高度写

实性。秦始皇兵马俑坑所展现的军队阵容是完全按照当时秦军的

实况设计的，所以其中的秦俑、陶马、车也是按实物大小制成。

秦以前的雕塑以装饰性为主，而秦俑采用了写实的刻画方式，带

有明显的肖像性和写生性的特征。陶俑一般身高1.8米左右，最

高者可达2米，均为彪形大汉。陶马一般身长2米，通高1.7米，

与真马大小相等，形体比例准确，形象栩栩如生，如此大规模的

陶马群在中国雕塑史上也是一个突破。其次是它的传神。秦兵马

俑的写实并不只是简单地按照现实摹刻下来，而是经过了艺术的

处理。不同的人物外形，不同的官阶，不同的性格特征，不同的

精神面貌，如此这些都体现在了秦俑的身上，可见它的造型刻画

不仅实现“形似”而且还达到“神似”。秦俑以头部的刻画最为精

致。通过对面部的精心刻画将秦军的各种人物表现得生动万分。

秦俑的传神特征还通过艺术的夸张和提炼表现，它的刻画不是追

求细枝末节，而是抓住了关键的部位进行艺术处理。对陶马的塑

造也是如此，用洗炼概括的塑造手法便将一匹匹战马刻画得形象

和生动。除了马头的塑造较为细腻多变化以外，四肢与胸部都用

大写意的夸张手法，棱角分明，肌腱隆凸，臀部浑圆，腰部微

凹，显得强健有力。没有过多复杂的线条，流畅并富有韵律感，

让人感觉到如真马一般，但却似无法在现实中找到的神马。灵活

多样的艺术技巧也是秦始皇兵马俑的艺术特点之一。秦俑的刻画

并不是单一的，而是运用了多种多样的艺术技巧。对比就是其中

之一，如刻画细微的铠甲和简洁的下身衣纹，精致的武官、发式

和简单的躯体。这些对比处理出于整体效果的统一，使形象既简

洁又丰富，在朴拙中见精致，局部精细但不失整体的气势。另外

秦俑也是圆雕、浮雕、线雕的统一体，运用塑、堆、捏、贴、

刻、画等民间常用的传统技法，成功地塑造出生动的勇士形象。

每一个陶俑和陶马都是完整的统一体，可谓多种的刻画手段集于

一身。另外，兵马俑的本来面目其实是彩绘的。秦兵马俑身上所

绘的颜色并不是简单的千篇一律，而是经过严格的色彩配置，体

现出整体的色彩效果。一般来说，兵俑大多是红色上衣配绿色或

蓝色下衣，手和脸多用粉红，衣袖衣领多用绿色或赭石色，铠甲

的甲钉多用黑色，连接甲片的线多用红色，这些都是有一定规律

和样式。这种绘塑结合的艺术技巧，成为雕塑技法的补充手段，

是秦俑丰富的艺术表现力中不可或缺的重要一笔。秦俑艺术在中

国古代雕塑史上的地位是重要的，它是前代艺术传统的继承和发

展，又深刻影响着后世雕塑艺术的产生和发展。首先，它将我国

写实主义的艺术传统发扬光大，为后代的雕塑艺术起到了奠基的

作用。其次，秦俑的洗炼概括为后世汉唐所继承和发扬，成为中

国造型艺术中重要的艺术特点。再者，绘塑结合的技法为中国古

代雕塑注入了新鲜的活力，拓宽了中国雕塑艺术的发展道路。秦

俑艺术是中国古代雕塑艺术史上的一个典范，它的艺术风格和艺

术技巧为后世所继承和发展，使其艺术传统源远流长。今天，来

自全世界的人民怀着无比惊奇和称赞之情来观赏这一世界奇迹。

秦始皇兵马俑是我们民族的骄傲，也是世界文化的宝贵遗产。2唐代仕女画的代表性画家及艺术特点

表现贵族妇女的仕女画在初唐已有发展，进入盛唐后，成为人物画的主要画题题之一。这些丰腴肥美的妇人既是现实人物的真实写照，也是当时社会审美要求的反映。盛唐时期的张萱和稍后的周昉是此类题材的代表性画家。

张萱，长安（今陕西西安）人，唐玄宗时任史馆画直，工画人物，以善画仕女婴儿而名冠当时。点缀景物亦穷其妙，特别在揭示人物的内心心理状态方面尤为突出。所作仕女惯用朱色晕染耳根，容貌艳丽，体态丰

腴肥。作品多以贵族游乐生活为题材，也有不少表现唐玄宗和杨贵妃的画作。他不仅能够描绘上层社会妇女的姿容情态，而且还能刻画出“金井梧桐秋叶黄”这种宫廷妇女被冷落的凄凉情调。

据画史记载，张萱的画迹流传不少，仅《宣和画谱》就载有四十七卷，其中三十多卷都是描绘仕女的。其中存世作品有《明皇合乐图》、《捣练图》和《虢国夫人游春图》。

《虢国夫人游春图》描绘的是唐玄宗时的虢国夫人和宫女们游春的场景。次图无背景，而是通过富有节奏的构图、休闲自得的人物神态、轻快细碎的乘骑步伐以及鲜丽柔和的人物服饰表现春游这一场景。《捣练图》，表现的是贵族妇女捣练、熨平、缝衣的场面，这种劳动并非普通的、日常的劳作，而是一种礼仪活动，代表着“女德”。此图构图十分完美，三组人物构成既独立又联系的画面。人物形象逼真，刻画维肖，流畅，设色艳而不俗，反映出盛唐崇尚健康丰腴的审美情趣，代表了那个时代人物造型的典型时代风格。

周昉，（P120）《簪花仕女图》描写贵族妇女春夏之交赏花游园的情景。全图分为四段，分别描写妇女们采花、看花、漫步和戏犬的情形。人物线条简劲圆浑而有力，设色浓艳而不俗。《执扇仕女图》（P121）唐代仕女画的艺术特点:唐代仕女画的作者大都对宫廷贵族妇女生活十分熟悉，因而对族妇人及侍女的气质神态把握精确，通过对人动作细节的描写刻画，体现也唐代人物画最重的以形写神的艺术特点。用墨设色都体现出唐代人物画的精髓，用笔纤细。而又不却弹性，设色清丽艳明对质感的描绘把握非常贴切到位。细纱衣轻薄透明，肌肤丰韵、白皙。头饰闪亮。多层烘然、罩染、分染相结合和以色代线的手法都开启唐代工笔人物的新风。最重要的一点是唐人比较突出侍女体态的丰腴，因为那时以胖为美。

唐代仕女：华丽奢艳、体态丰腴唐代作为封建社会最为辉煌的时代，也是仕女画的繁荣兴盛阶段。画家们以积极入世的行乐观密切地关注丰富多彩的现实社会，尤其热衷于表现贵族妇女镕逸的生活方式，单调而悠镕的生活情调。张萱、周昉是这一时期著名的仕女画家。周昉的《簪花仁女图》描绘仕女们的镕适生活。她们在庭院中游玩，动作悠镕、拈花、扑蝶、戏犬、赏鹤、徐行、懒坐、无所事事，侍女们持扇相从。其赋色技巧，层次明晰，面部的晕色，衣着的装饰，都极尽工巧之能事。轻纱的透亮松软，皮肤的滋润光泽，都画得神似，表现出作者具有高度的艺术技巧和概括能力，是研习中国古代人物画技法之绝佳范本。这种美迎合了中晚唐时期大官僚贵族们的审美意趣，并成为唐代仕女画的主

要艺术特征

。

3宋代院体花鸟画的代表性画家及艺术特点

宋代院体花鸟画的代表性及艺术特点:花鸟画是宋代宫廷画院绘画的重要类别，在艺术上大大超越了唐代。宋代宫廷花鸟画家极重视对动植物形象情状的观察研究，他们笔下的花果草木，务求生动逼真，合情合理，一丝不苟。其表现精工细丽，设色浓重典雅，造型周密端庄，反映出宋代宫廷贵族的审美特征。代表人物与作品是赵佶即宋徽宗，北宋画家，书法家。在政期间，扩充画院，兴办画学，鉴藏古画，编纂《宣和画谱》，使的宋代宫廷画院人才济济，达到我国宫廷绘画最兴盛的时期。赵佶长于工笔花鸟画。代表作《芙蓉锦鸡图》。宋代是花鸟画空前发展的时期。一方面有画院画家应宫廷堂壁装饰之需而创作的承袭五

代“黄家富贵“的花鸟画风；另一方面文人士大夫的水墨花鸟画也形成了独特的体系，与院体花鸟画并存而形成鲜明对比。院体花鸟画的繁荣，宋朝历代皇帝特别是宋徽宗的大力提倡起了重要的作用，涌现出了一批技巧高超的花鸟画家，崔白影响尤大。黄筌介绍（课本）（课本）崔白：字子西，濠梁( 今安徽风阳) 人，生卒年失考。宋神宗熙宁初为画院艺学，擅画花竹、禽、鸟，尤工秋荷凫雁，注重写生，精于勾勒填彩，线条劲利如铁丝，设色淡雅，在继承徐熙、黄筌两体的基础上别创出一种清雅疏秀的风格。崔白还精于道释人物鬼神。他对院体花鸟画的兴盛产生很大的影响。《双喜图》是他的传世名作。（课本）赵佶(1082 一 1135 年 ) ：宋徽宗赵佶政治上昏庸无能，但酷爱艺术并极有造诣。他在位时扩充翰林图画院，提高画家的社会地位，建立比较严格的考核制度，并经常亲自进行指导。他还广泛搜集历代文物，命下臣编辑《宣和睿览集》、《宣和书谱》、《宣和画谱》、《宣和博古图》汇刻书法《大观帖》等。他亦善书法，书风坚劲秀挺，被称为“瘦金书“。擅绘画，尤工花鸟。代表作有《听琴图》、《芙蓉锦鸡图》、《瑞鹤图》等，大约均系代笔而署宋徽宗御制。所以留传至今确为宋徽宗本人所作的画并不多。<芙蓉锦鸡图》是北宋徽宗赵佶的代表作之一。该画所描绘的是：一只毛羽绚丽的锦雉落在芙蓉花的枝上，压得芙蓉摇曳生姿，锦雉凝神注目蝴蝶的神情动态，芙蓉花娇弱妩媚的姿容，都描绘得生动

感人；左下角菊花向斜上方生长的姿态优美。这幅画描写了花枝和禽鸟的动态，芙蓉把锦鸡压得很低，栩栩如生，三种形象连在一起，构成了整体效果，使得整幅画既具体精到，又典雅堂皇，设色艳丽，充满活泼与吉祥的气氛。它体现了宋代花鸟画的成就及其特色，也代表了“院体”花鸟画的一种艺术风格

4 论述明代“吴门四家”的艺术成就。

吴门四家"中沈、文、唐三家共同特点是都属于文人笔墨,仇英虽是工匠出身,但画风受到文人画家的影响。四家"的绘画成就,都是多方面的,他们技艺全面,题材广泛。所画山水,既能表现雄伟险峻的北方山川,也能描写清雅秀润的南方风景。他们运用熟练的笔墨,描写周围的园林景物,把表现文人生活题材的山水画提高到新的水平,开拓了元明清以来山水画的新境界。

四家"的不同之点,是他们的个人画风不同,各有师承体系。沈周、文征明比较接近,但也有所区别,沈周的山水远师量源,、巨然,出入于元回家的黄公望与吴镇,兼取法于马、夏,笔墨挺健,气韵浑厚,形成了粗笔写意的新面貌,开创一代水墨浅络山水的独特风格。特别是他的花卉,继承发展了末末及元代写意花鸟画的传统,笔墨尚朴,风格淡逸,对明代后期水墨写意画,具有承前启后的作用。文征明在融汇细润文雅,独具一格。

唐寅和仇英都曾师事当时以院派"著称的周臣,吸取两末李成、范宽、李唐、刘松年、马远、夏圭诸家之长,运用了元人水墨写意的笔墨,融合变化,形成了劲秀潇洒的风格。仇英摹古的功力深厚,师法南宋院体",人物山水,多以工笔重色为主,风格浓丽典雅,兼能水墨写意,也具有刚健秀逸之致。他所画人物仕女,形象优美,线条流畅,形成了明代后期人物仕女画的时代风貌,对明清画坛影响很大。

陈道复是吴门著名的花鸟画家,师事文征明,他的写意花鸟,从元人画法中发展而来,直接受沈周、文征明、唐寅的影响。诗书画结合,进一步丰富了文人写意花鸟画的思想意境,开创了清新隽雅的一派风格。和后来的徐汩合称为白阳青藤"。他们的绘画,对后代具有重要的推动作用。明代后期(嘉靖、万历以后到崇祯),无论山水、人物、花卉各种画科,都有新的变化。派系纷繁,各有不同的风格.尤其是花卉画有突出成就,主要代表画家是徐渭。他继陈臼阳之后,笔墨更加纵放,突破成规,大胆创造,纵横挥洒,水墨淋漓,表现了鲜明的个性。他的这种画风,对整个清代中期和近百年来的画坛产生了巨大的影响。同时的周之冕、孙克弛，也以花鸟画著称,画法兼工带写,较为娇丽,别成一派。

5 清代扬州八怪的艺术成就

"扬州八怪"是清代活跃在扬州画坛上的一批具有创新精神的画家。扬州八怪生前即声名远播。李鱓、李方膺、高凤翰、李勉，先后分别为康熙、雍正、乾隆三代皇帝召见，或试画，或授职。乾隆八年，弘历见到郑燮所作《樱笋图》，即钤了"乾隆御览之宝"朱文椭圆玺。乾隆十三年，弘历东巡时，封郑燮为"书画史"。罗聘尝三游都下，"一时王公卿尹，西园下士，东阁延宾，王符在门，倒屣恐晚；孟公惊座，觌面可知。"

扬州八怪大胆创新之风，不断为后世画家所传承。近现代名画家如王小梅、吴让之、赵之谦、吴昌硕、任伯年、任渭长、王梦白、王雪涛、唐云、王一亭、陈师曾、齐白石、徐悲鸿、黄宾虹、潘天寿等，都各自在某些方面受"扬州八怪"的作品影响而自立门户。他们中多数人对 "扬州八怪"的作品作了高度评价。徐悲鸿曾在郑燮的一幅《兰竹》画上题云："板桥先生为中国近三百年最卓绝的人物之一。其思想奇，文奇，书画尤奇。观其诗文及书画，不但想见高致，而其寓仁悲于奇妙，尤为古今天才之难得者。"

他们的艺术大都取材花鸟，以写意为主要表现方式。在创作中重视个性，力求创新，不同程度地突破传统美学规范，带有某些反传统的意义，作品具有较强的主观色彩，令人耳目一新。但在当时，他们并不能够被完全理解，甚至被视为左道旁门，而受到“非议”。其实，正是他们开创了画坛上新的局面，为花鸟画的发展拓宽了道路。

6 卡拉瓦乔艺术风格

16世纪末至17世纪初，与样式主义艺术和学院派艺术相对立的是现实主义。这个时期的最主要的代表人物是卡拉瓦乔，是他将现实主义艺术推向了一个新的阶段，以至影响了整个欧洲。卡拉瓦乔的艺术充满鲜明的民主主义思想。这与意大利当时动荡的社会环境有关。虽然卡拉瓦乔是个长期被遗忘的人物，他仅仅在本世纪初才日益引起美术史家的重视，然而他的艺术不但使人看到了17世纪意大利美术的多元性和斗争性，而且显示了他独特的艺术魅力，对后世的艺术家包括伦勃朗和委

拉斯贵支等人，都起了不可低估的作用。

米开朗基罗·达·卡拉瓦乔（caravaggio，1573-1610）生于卡拉瓦乔，卒于埃尔科莱港，原名米开朗基罗·梅里西，后以出生地命名。他父亲是建筑师，他11岁移居米兰并开始习画，于1590-1592年从米兰来到罗马，后来又曾到那不那斯、西西里和马尔他岛等地。他在罗马画了一些风俗画和静物画，对他艺术起着重要影响的是意大利文艺复兴时期大师们的作品。他是一位革命性的画家，起初坚守写实主义。一系列的风格画建立了他的特色，那批画中充满了穿着怪异、带着浓厚颓废色彩的年轻人。后期，他的风格大变，高度道德意识和宗教画代替了先前的题材。他用宗教题材作形式，内容却并非被西方艺术家所顶礼膜拜和尽情歌颂的圣母子及圣徒，而是有着深刻皱纹、穿着衣衫破烂、肮脏着脚的乡下人。在心理的写实上，他也尝试着直接不修饰地进入圣经中所描述的景物里。

卡拉瓦乔的作品强调人体，画里的人几乎有真人大小，而且通常摆在画面的最前端，戏剧化前缩法姿态好象可以超越画面。卡拉瓦乔艺术最大的特点是忠实地描摩自然而不管人们认为美不美，所以人们称他为“自然主义”画家，即使在表现宗教题材的绘画中，他也尽最大努力去使古老的经文中的人物看起来更加真实、更加可感可触，连他所用的明暗方法也有助于达到这个目的。他的光线并不使身体看起来优美而柔和，却是那样执拗而忠实地把整个奇异的场面突现出来。

《女占卜师》（图95）是卡拉瓦乔早期的一幅油画。此画表现了一个风俗性的场面，那位给人看手相的吉普赛女人是来自街头的下层人物，丝毫没有荚化和理想化成分，那个正被看手相的青年男子的形象也是直接按画家一个朋友的形象画下来的。卡拉瓦乔这种大胆探索生活的作法，自然会引起一些保守派的不满，有人攻击他的艺术是描写“粗野的自然人”，缺乏美和理想化。然而这却是他艺术的真正价值所在，他正在为现实主义的艺术开辟着一个新的时代，在他的一生中，从生活到艺术，他都是一个叛逆者和革新者。

《召唤使徒马太》（图96）是卡拉瓦乔为罗马路易吉·德佛朗西斯教堂作的祭坛画。在画面上，有两个等身大的人物，马太完全是一个农民的形象，好象正在吃力地写字。由于这个人物画得十分粗俗自然，引起了订货人的强烈不满。画面最突出的是马太的两只正对着观众的粗大的脚。当时为官方效力的学院派理论家贝洛里说：“马太的形象既不具备圣徒形象的崇高。也没有风采，这个人坐在那里，大腿压着小腿，特别是两只粗笨的脚正在吸引着观众。”然而卡拉瓦乔对宗教画的理解是：

应该把流浪汉、农民、渔夫引进神圣的教堂。这种精神在当时无疑是有进步意义的。卡拉瓦乔的画风虽然遭到了来自“官方”学院派的嘲弄和反对，他依然故我，并没有在嘲弄和攻击中后退。卡拉瓦乔具有坚实的写实功夫，他画作中的人体像浮雕一样凸起，显得结实有力，而且，他还运用了强烈的明暗对比。用光来突出画面上的主要部分，这就是所谓的“暗绘风格”，这种手法为伦勃朗和委拉斯贵支所继承并加以发展。

7 简述古希腊古典时期代表的雕塑家及其作品，并就其中某一作品谈谈自己的理解P19

接触古希腊文明，并非是从荷马史诗开始的，而是一次偶然在杂志上看到关于希腊建筑中三种著名柱式的介绍，才引发了对希腊艺术文化的兴趣。

大家都知道，希腊是欧洲文明的主要发源地，因为围绕着爱琴海，所以希腊文明又称为爱琴文明。他不像再早一点的埃及文明那样，带有浓重的对法老和神灵的崇拜色彩，应该说更多的是将当时人们的生活融入了其中，这一点从他们将神赋予人的形象就可看出。希腊文明的主要体现，就表现在其神话、雕塑与建筑上，而后两者又深受前者的影响。

希腊雕塑与建筑是可以一同划分其时代的，因为它们所具有的艺术内涵和其表现形式总是与当时的社会背景有紧密的联系。大致分为古风时期（因这时期的雕刻艺术呈古朴稚拙的风格而得名），古典时期（希波战争结束至马其顿亚历山大大帝开始东侵那段时间），以及希腊化时期(指罗马灭亡埃及托勒密王朝这一时期)。

一、神庙林立的古风时期

看《伊利亚特》和《奥德赛》时，我就一直苦于记不住里面那么多什么“克”什么“斯”的神，的确，古希腊是个泛神论的国家，所以人们认为每个城邦、每个自然现象都受一位神灵支配着，因此希腊人祭奉各种神灵，建造了许多神庙。在古风时期的这些神庙都是由爱奥尼亚式和多立克式的柱子包围而成的，这两者的最大区别就在于它们的柱头：前者是圆盘形的，而后者是旋涡式的。古风时期的雕塑有一个特点，那就是人物都有了表情，不过清一色都是如同一个模子里刻出来的微笑，后人称其为“古风式微笑”。

二、伯里克利斯的繁荣新时代

古典时期开始于希波战争结束后。这场战争以希腊的胜利而告终，由于损失较少且缴获了大量战利品，希腊的经济迅速繁荣起来。当时的执政者伯里克利斯是位精明能干的政治家，由于他贤明的关怀和提倡，希腊艺术进入最繁荣的时期。

古典时期建筑的成就相当可观，其中最突出的代表是雅典卫城建筑群。其中最著名的要属献给雅典娜女神的帕提农神庙，它被誉为“希腊国宝”。值得一提的是，所有当时雅典的建筑都是由古典盛期最伟大的雕刻家菲狄亚斯设计的，而他也是伯里克利斯的好友。

还记得雅典奥运会开幕式上一个个由演员扮成的人体雕塑吗？那时我看着这个场面，首先联想到的是雕塑家米隆的著名作品——《掷铁饼者》。有没有想过他为什么是裸体的呢？其实古希腊的奥林匹克运动会上运动员们都是裸体竞技的啊！三、以雕刻为主的希腊化时期

希腊化时期，马其顿国王亚历山大率军征服希腊各城邦，建立亚历山大帝国。随着帝国的不断征服与扩张，产生了希腊文化向东方的传播以及与东方文化的交流，这一时期又称之

为“泛希腊时期”。在这样一个文化大熔炉里，艺术也得到了很大的发展，雕塑成就最为突出。《米洛的维纳斯》、《胜利女神》、《拉奥孔》都是这一时期代表作。虽然前两者都已残缺不整，但作品所表现出的女性自然柔美的体态和生动的肢体形态让人深深感受到其永恒的艺术魅力，引发人们无限的幻想与思考。而《拉奥孔》中人物被几条巨蛇死死缠住而痛苦挣扎扭动的姿态充满了具有浓厚的悲剧色彩的感染力，震撼人心。

希腊文明对欧洲文明以及整个世界的影响深远悠长，经久不衰，它如同人类文明史中一颗璀璨耀眼的明珠，将永远散发着独一无二的光芒。

8 梵高的作品及结合作品谈谈艺术成就

梵高《星夜》《向日葵》不只一副是一个系列《两棵丝柏树》《吃马铃薯的人》《自画像》《有乌鸦的麦田》附说明《割草的少年》《煤矿的妇女们》《静物：打开的圣经》《街上的成排房屋》《手拿康乃馨的女人》《马车通过的吊桥》《夕阳下的播种者》《抱着头的老人》《夜间咖啡馆—室内景》《夜间咖啡馆—外景》《梵高的卧室》《阿尔之妇女吉努夫人》《耳朵绑着绷带叼烟斗的自画像》《红色葡萄圆》《阿尔及利亚的士兵《高更的椅子》《日本情趣：梅花（模仿广重）》《日本情趣：花魁（模仿英泉）》《梵高的卧室》《海滨的渔船》《自画像》《开花的巴旦杏树枝》《生养紫色鸢尾花的花瓶》《铃鼓咖啡馆的妇

女》《梵高的椅子》《悲哀》

艺术成就：。《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画家像闪烁着熊熊的火焰,满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感应,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之,凡高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体

凡·高最有名的作品无疑是这幅《向日葵》。他曾多次描绘以向日葵为主题的静物，他爱用向日葵来布置他在阿尔的房间。他曾说过：“我想画上半打的《向日葵》来装饰我的画室，让纯净的或调和的铬黄，在各种不同的背景上，在各种程度的蓝色底子上，从最淡的维罗内塞的蓝色到最高级的蓝色，闪闪发光；我要给这些画配上最精致的涂成橙黄色的画框，就像哥特式教堂里的彩绘玻璃一样。”凡·高确实做到了让阿尔八月阳光的色彩在画面上大放光芒，这些色彩

炽热的阳光，发自内心虔诚的敬神情感。

凡高作画时,怀着极狂热的冲动,追逐着猛烈的即兴而作,这幅流芳百世的《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画家像闪烁着熊熊的火焰,是那样艳丽,华美,同时又是和谐,优雅甚至细腻,那富有运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感应,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之,凡高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体。

凡高是一位生活在法国的荷兰画家，具有强烈的个性和坎坷的人生经历，因此，他的艺术语言既有奔放而热烈的狂躁情绪，也有孤独和抑郁的悲剧意识。他特别强调在绘画中表现人的感情与精神，他对色彩和线条有内在的敏悟。自然物象在他的眼中，只是表达主观情绪的载体

和

象征，伴随着自如而流畅的笔触，他的色彩充满着紧张而激动的情绪和饱满而富生气的活力。他用色彩来揭示人的精神，来表现人的生命，如被世人熟知的《向日葵》就具有这种艺术特征。作品以饱满而纯净的黄色调，展示了画家内心中似乎永远沸腾着的热情与活力，那一团团如火焰般的向日葵，不仅散发着秋天的成熟，而且更狂放地表现出画家对生活的热烈渴望与顽强追求，那一块块炽热的黄色，不仅融集着自然的光彩，而且宣泄着画家对生命的尽情体验与永久激动。凡高虽然只活了37岁，但他的生活和艺术却始终保持着旺盛状态，即使穷困潦倒，也未扔掉那维系生命与精神的画笔。他画的向日葵不是自然的真实写照，而是他生命与精神的自我流露，是他以火一般的热情为生活高唱的赞歌。凡高的艺术中那种狂放不羁的风格，那种充满激情的色彩，那种畅神达意的线条，脱却了自然物象的束缚，而进入了颇为自觉的艺术状态，尽管凡高的艺术在其生前未能得到社会的承认，但却受到了20世纪现代艺术家们的青

睐，尤其对野兽主义绘画产生了极大影响。

9结合作品谈谈你对印象派艺术的理解印象派艺术的成功无疑现代艺术的奠基石。它的反传统理念以及画家个人独立个性的张扬，直接为现代艺术的产生埋下

重要伏笔。仍以马奈的《奥林匹亚》为例，它在1865年首次展出之时，其离经叛道的表现形式引起了社会各方面的渲染大波，评论界和新闻界对其猛烈攻击，咒骂这幅作品“无耻到了极点”。然而，支持者以左拉为首的进步作家和青年画家们则为马奈喝彩，左拉称“马奈将在卢浮宫占一席之地。”正像马奈自己说的，他只想做他自己想做的事。印象派画家们已经不再为了迎合某些潮流或少数欣赏者而去作画了，他们希望作回画家自己，在现实社会生活中找寻自己喜欢且独特的欣赏对象，甚至欣赏方式。尤其不再以传统观念所认为的“美”为美，而建立起画家自己独特的审美视角。我们可以从德加大量的关于裸体妇女的素描作品中得到应证。这些妇女臃肿而俗气，然而她们的确是画面的主角。现代派艺术的一个很重要的特点，就是画家本身个性的张扬，作品本身无视各种常识与普遍观念的存在，而是一味追求画家个人的喜好与理解，最典型的就是蒙克的《圣母》，丑陋不堪的圣母形象是非教徒也难以接受的，他根本上就无视传统观念及欣赏者的感受，而试图仅仅体现自己的独立的理解与纯粹私人的审美取向。当然，纯粹的现代派艺术是走到了个性张扬的极致了，印象派绘画显然尚未显得如此之极端，然而从保守派批评家们对《奥林匹亚》的极度不满中，我们有理由相信，现代派的画风在印象派初创之期就已萌生了端倪。因此我们可以认为，印象主义对当时古典学院派绘画风格的革命，直接奠定了现代派艺术的早期雏形，为现代派艺术在为学院派浓重的僵化的艺术气氛所包围的西方美术界中占有一席地杀开一条血路来。

总而言之，印象派艺术的成功是从被蔑视与嘲讽中走出来的，是西方绘画手法与绘画理念的一次重大革命，同时也是西方美术史自身发展过程中的必然产物，并且印象主义的成功也为全新的现代派艺术拓宽了一个崭新的无限的空间。

10结合喜欢的作品谈谈，对米开朗基罗艺术的理解

《大卫》，云石雕像，像高2.5米，连基座高5.5米，米开朗基罗创作

于公元1501－1504年，现收藏于佛罗伦萨美术学院。米开朗基罗生活在意大利社会动荡的年代，颠沛流离的生活使他对所生活的时代产生了怀疑。痛苦失望之余，他在艺术创作中倾注着自己的思想，同时也在寻找着自己的理想，并创造了一系列如巨人般体格雄伟、坚强勇猛的英雄形象。《大卫》就是这种思想最杰出的代表。大卫是圣经中的少年英雄，曾经杀死侵略犹太人的非利士巨人哥利亚，保卫了祖国的城市和人民。米开朗基罗没有沿用前人表现大卫战胜敌人后将敌人头颅踩在脚下的场景，而是选择了大卫迎接战斗时的状态。在这件作品中，大卫是一个肌肉发达，体格匀称的青年壮士形象。他充满自信地站立着，英姿飒爽，左手拿石块，右手下垂，头向左侧转动着，面容英俊，炯炯有神的双眼凝视着远方，仿佛正在向地平线的远处搜索着敌人，随时准备投入一场新的战斗。大卫体格雄伟健美，神态勇敢坚强，身体、脸部和肌肉紧张而饱满，体现着外在的和内在的全部理想化的男性美。这位少年英雄怒目直视着前方，表情中充满了全神贯注的紧张情绪和坚强的意志，身体中积蓄的伟大力量似乎随时可以爆发出来。与前人表现战斗结束后情景的习惯不同，米开朗基罗在这里塑造的是人物产生激情之前的瞬间，使作品在艺术上显得更加具有感染力。他的姿态似乎有些象是在休息，但躯体姿态表现出某种紧张的情绪，使人有强烈的“静中有动”的感觉。雕像是用整块的石料雕刻而成，为使雕像在基座上显得更加雄伟壮观，艺术家有意放大了人物的头部和两个胳膊，使的大卫在观众的视角中显得愈加挺拔有力，充满了巨人感。这尊雕像被认为是西方美术史上最值得夸耀的男性人体雕像之一。不仅如此，《大卫》是文艺复兴人文主义思想的具体体现，它对人体的赞美，表面上看是对古希腊艺术的“复兴”，实质上表示着人们已从黑暗的中世纪桎梏中解脱出来，充分认识到了人在改造世界中的巨大力量。米开朗基罗在雕刻过程中注入了巨大的热情，塑造出来的不仅仅是一尊雕像，而是思想解放运动在艺术上得到表达的象征。作为一个时代雕塑艺术作品的最高境界，《大卫》将永远在艺术史中放射着不尽的光辉。

　米开朗基罗先是以雕刻家的身份稳定了自己艺术家的地位。1499年创作的《哀悼基督》是他的成名之作，解剖学科的艺术实践和细致入微的匠心独运吻合了、甚至超出了人们可以理喻的"鬼斧神工"，被誉为15世纪最动人的人性拥抱神性的作品--出示了悲剧却掩饰了哀伤。这一时期的另一件作品是创作于1501年的《大卫》--神化的人形已经确立。米开朗基罗其后的一些雕刻作品是几组陵墓雕像，断断续续工作了很长时间，其中较为著名的是《垂死的奴隶》、《被缚的奴

隶》、《摩西》和《昼》、《夜》以及《晨》、《暮》。米开朗基罗晚年未完成的四件雕刻作品实际上是在为自己设计墓地雕像，是一样的题材《哀悼基督》，形象既不明晰手工也不细腻，或许是在走过了八十多年的人生路程之后，在向世人诉说，不是人生的抱负无以施展，而是天国的奥秘藏而不露。米开朗基罗雕刻作品的风格形成和创作走向与其绘画作品的风格形成和创作走向是一样的线索：英雄气概磨难而成壮心不已的烈士暮年。早期的作品是其内心世界的表白，随后的一些作品表现为风格样式的定型，后期的作品仍然是艺术家的心情归宿。当时代的人们更多称道的是早中期作品中神人兼备明察的力度，后来的人们更注意其后期作品创作时悬而未决封闭的深度，美学的焦距不再是简单的对准艺术的创造物而是艺术家个人和作品之间、与现实之间纠缠不清的关系，现代艺术更是如此。

米开朗基罗代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰，他创作的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量。他的大量作品显示了写实基础上非同寻常的理想加工，成为整个时代的典型象征。他的艺术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响，常常以现实主义的手法和浪漫主义的幻想，表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神面貌。米开朗基罗的艺术不同于达·芬奇的充满科学的精神和哲理的思考，而是在艺术作品中倾注了自己满腔悲剧性的激情。这种悲剧性是以宏伟壮丽的形式表现出来的，他所塑造的英雄既是理想的象征又是现实的反应。这些都使他的艺术创作成为西方美术史上一座难以逾越的高峰。