关于绘画与艺术的句子

人不可有傲气，但不可无傲骨。

艺术，就是自然与人。

欲立艺者，先立人。

美是到处都有的，对于我们的眼睛，不是缺少美，而是缺少发现。

学我者生，似我者死。

艺术家用脑，而不是用手去画。

笨拙的艺术家永远载别人的眼镜。

艺术是大自然映现在人间的东西，重要的是要好好磨镜子。

诗中有画，画中有诗。

似者媚俗，不似者欺世，妙在似与不似之间。

如果愿意欣赏艺术，你必须是一个有艺术修养的人。

色彩像炸弹一样具有威力，可是也像炸药一样，要有很好的方法控制它。

雕刻无须独创，它需要的是生命。

应知天道酬勤，不叫一日闲过。

人生就像顺小河漂流的软木塞。

我绝不画我没见过的东西。

工作就是人生的价值，人生的欢乐，也是幸福之所在。

任何倏忽的灵感事实上不能代替长期的功夫。

作画贵在似与不似之间，不似则欺世，似则媚俗。生活是生活，艺术是艺术，不能也不必要完全一样。

浅谈原始艺术对现代绘画艺术的影响

浅谈原始艺术对现代绘画艺术的影响摘要：原始艺术是艺术史的开端，它的造型语言古老，朴拙，抽象，充满神秘的魅力，让人们好奇和向往，尤其对现当代绘画艺术产生了重要影响。不论从形式语言还是精神内涵上，原始艺术都给我们现当代艺术创作与发展提供了灵感和启发，包括野兽派、立体主义，中国画艺术等，他们都在用自己的方式重新演绎原始艺术精神。关键词：原始艺术；现代艺术；岩画；水墨画随着考古学和科学技术的发展，越来越多的原始艺术呈现在人们眼前，引起人们广泛的兴趣。原始艺术是人类最初的思维活动，经过漫长的发展，它的艺术特色鲜明，形成了独有的原始语言，不论从形式还是精神上，对各个时期的艺术影响都非常巨大。本文将从原始艺术的特点，对现当代艺术的影响，艺术创作应怎样融入原始艺术精神为切入点进行探讨。一.原始艺术的特点 “原始”这个词最早出现于19世纪的一个术语，是19世纪初至二十世纪末流行的一种艺术趋势。原始艺术形成于人类早期发展阶段，它最大的特点是史前艺术与现代社会文明程度平行发展，对西方传统艺术的创新起到了革命性的颠

覆作用。原始艺术普遍具有粗犷，质朴，单纯的特点，充满了野性和生命力，有着极其简洁的线条和浑然天成的色彩，不讲究构图和立体，无论哪一个事物，他们都从它最具有特性的角度去表现，感性的积淀是原始艺术最本质的东西。由于感性大于理性，精神盖过物质，它便古拙，纯粹。古代和现代的各种艺术都是在原始艺术的基础上发展而来的，不同地区呈现不同的特点，人和自然的和谐统一是其最大的共性。二.原始艺术对现当代艺术的影响原始艺术可以称得上是西方现代艺术的“范本”。西方的艺术自古希腊到19世纪上半叶，基本上是亚里士多德提出的“模仿论”占统治地位，一直到20世纪初，人们开始把直接表现自然形态转化为通过艺术家的大脑展现艺术形态。一方面，从各个民族，各种艺术类型相互借鉴；另一方面，回归历史，学习研究艺术的起源――人类童年的艺术。原始岩画带给艺术家们新的造型形式语言，打破了传统的三维空间，抛弃了理性的焦点透视，把富有立体感的画面变成了一种平面装饰。法国19世纪末出现的“野兽派”就是深受原始艺术影响的结果。西方现代艺术的奠基人塞尚、高更、梵高、马蒂斯等均受原始艺术的影响，从中吸取营养，激发创作灵感。马蒂斯是19世纪法国野兽主义绘画的杰出代表，他对

摄影对绘画的影响

摄影对绘画的影响在博客上发表自己的见解，总会听到不同的声音。一开始还真不习惯，便收起话题。然而，奇怪的是当你不谈了，却有很多人依然惦记着那个话题，从我箱底下挖出东西来质问：“到现在为止你依然未把该说的问题说清楚？” 他指的问题是：绘画与摄影的关系。既然依然有人惦记，那么我就干脆再谈一谈吧，至于对与错，暂且不去管它了。绘画艺术是人类最古老的视觉文化之一，当它发展到十六世纪时，其造型技艺已臻完善。画家可以用画笔描绘出客观世界的各种物质属性，形体、质感、包彩和空间透视等等。摄影则是一门年轻的艺术，它伴随着工业文明而到来，是人类社会历史发展到一定阶段的产物。摄影技术的直接性和科学性实现了比画家的描绘更真实的视觉形象的新的可能性，但也正是这种直接性和科学性掩盖了其艺术价值，从而使摄影在最初只能以模仿绘画来争取自己的艺术身份。因此从一开始，摄影与绘画便结下了千丝万缕的联系。正是这种联系，使得今日，在进行摄影评判或欣赏时仍有人不忘用绘画的标准来衡量摄影。摄影发展到今天，始终未完全从绘画的阴影中走出来。因此理清摄影与绘画的关系对于理解摄影艺术的本质就显得相当重要。下面对摄影与绘画的异同作一个分析：相同点： 1．都是视觉艺术。摄影和绘画都是读者用眼睛直接看到具体形象的艺术形式。 2．都是瞬间艺术。这是将摄影与绘画同其他艺术形式相比较而方言的。如话剧、音乐等，它们展示的都是时间的过程，而摄影和绘画是表现某一固定时刻的。 3．都是平面艺术。摄影和绘画都用二维的平面展示艺术形象。它们不同于雕塑和舞蹈。 4．造型元素一致。摄影和绘画的造型元素是—致的，都是用色、线、形、等形式要素将要表现的事物凝固起来展示给观众。不同点： 1．摄影偏向于现场感、客观性；绘画偏向于假定性、理想化。摄影的现场感、客观性是由摄影器材如照相机，感光片等的物理特性决定的。摄影整个过程中，要多次借助科学技术，要运用机器作助手，离开照相机本身的机械作用，离开暗室工艺，摄影作品的产生便不可能。而绘画则不然，一枝画笔一张纸(或一块布)，加上颜料，作者便可随心涂抹，欣然命笔。 2．瞬间的表现。摄影与绘画都要凝固瞬间，然而摄影对瞬间凝固的方式是受天、地、人的严格限制的，所谓“机不可失，时不再来”“过了这村没这店”便是指此而言。“摄影家只能在顷刻之间完成，不能拖延，不能停顿，不能修改，不能再作考虑。在他打开镜头的一刹那，所有细节全被记录，甚至比他用脑筋记忆还要快。”威斯顿《以摄影的方式看摄影》绘画则不同，它虽然也只能表现某一个历史瞬间、某一个生活断面，但它显得从容自由，画家完全可以将反复构思的瞬间凝结，存之于心，随后在画室胸有成竹地反映出来。绘画中的瞬间是经过画家感受生活、决定主题、构思画面、打出草稿、反复修改、最后固定下来的。而摄影的画面瞬间则是摄影家现场看到、想到、抓到的。绘画的着眼点，受人眼自然的、生理条件的制约。画家只能画人眼所见到的。如对奔跑的骏马四蹄的画法，就曾为哪个蹄子着地争论不止。而摄影是科学的记录，它往往能摄到人眼看不到的，因为在观察事物上，相机的镜头要比人眼来得精确。人眼的视觉只能停留在第—认知层次上，而镜头视觉甚至可以延伸到原子核的内部。 3．光与影的应用。光的记录作用，是摄影的特长。可以说，摄影是用光来表达思想和记录感情的。而绘画对光的表现就略逊

工艺美术学与艺术设计关系

工艺美术学与艺术设计关系工艺美术学与艺术设计的关系摘要：“设计是包含规划的行动，为了控制它的结果，它是很难的智力工作并要求谨慎的关键的决策。它不重视把外形摆在最优先地位，而是把与之有关的各方面后果结合起来考虑，包括考虑经济、社会、文化效果。”――利特(德国乌尔姆造型学院)。设计在人类文明发展历史上是文化的一部分，自它的诞生之日起既与艺术、也与商业经济有着割不断的联系。从广义上理解设计，其最基本的意义是计划，即为实现具体的目标而建立的方案;从狭义的角度来理解，它包含社会、科学和经济等多重意义的构成形式，体现了从构思、行为到实现其价值的创造性过程。艺术设计，之所以有“艺术”二字，也就是她是具有一定艺术成分和艺术意义的设计，具备一定的审美意义，她主要从美的需求出发，研究设计对象以何种形式呈现，她的产品对象主要是批量生产的工业化产品。由于产品设计所牵涉的多学科、多工艺技术的特征，这些都需要相应的技术方法和设计程序来解决，那么设计方法就是这些领域的观念化指导思想。它的作用是从思维的高度引导设计师实现“人与物、人与环境”关系的辩证理论基础。关键词：工艺美术艺术设计就是说，工艺美术学在设计实践中的具体体现主要是系统

论主导的思维方法问题，而我们面对的各种各样功能需求进行设计，在现代设计早已成为了一门科学的背景下，我们不能总习惯于靠经验设计这一手工艺时代的观念来行事，要靠理论，靠思维方法;应该以形式美感、视觉冲击力、设计要素的分配三个方面为基准来进行设计，而这种设计的基准涉及工艺美术学，即为素描、色彩和三大构成。 (一)工艺美术学是建立在农耕文化的基础上，它带有明显农业时代的特征。虽然其中也有一部分民艺品，但大部分是为少数官僚士大夫阶层服务的产物，儒士的审美趣味决定着传统工艺美术的方向和发展。而艺术设计是在工业化大生产中完成的，建立在工业文明的基础上，它带有明显工业时代的特征，为大众服务，民主的意识较强。 (二)工艺美术学中的传统工艺美术相对于当代艺术设计在美学上，实质就是手工技术的装饰美与机械技术的功能美的比较。手工技术的美常带有个人的情趣，贯穿着个人的精神，保持着经验、感性的特征，以装饰为美。而机械技术的功能美是建立在流水线基础上的，以实用功能为最终目的，反映的是大批量、标准化的和谐、统一和理性的技术美特征。功能美与技术美是当今艺术设计美学中的主要内容。如果说工艺美术学中的工艺美术是技术与艺术的结合体，那么艺术设计就是以科学和艺术作为结合体。 (三)工艺美术学所设计的对象主要是手工艺品，而艺术设

绘画艺术的特点

我说课的内容是人美版高中课程标准实验教科书——美术鉴赏第5课《绘画艺术的特点》。我主要从教材分析、教学手段和教学过程三个方面加以阐述。一、教材分析教学目的：通过教学，使学生了解绘画的种类、绘画艺术的特点、中西方绘画的区别，从而提高欣赏绘画的能力。教学重点： 1、绘画作品的艺术特点 2、中西方绘画作品的区别教学难点： 1、把枯燥的理论讲话，充分调动学生参与积极性，体现学生的主体低位 2、让学生对所讲内容确实的感受体验，注意培养学生运用所学知识区欣赏、分析作品的能力。二、教学方法让学生成为学习的主体，那么在教学过程中结合提问教学法，采用分层次，分目标地选择学生来，问题的方式来进行课堂教学，鼓励所有同学积极参与，教师给予启发和引导，形成互动探究的教学模式。培养学生的主动参与意识。学法：让学生主动参与，分组讨论，运用所学鉴赏方法来赏析，判断，作出正确的评价。在学生主动参与的过程中增加学习的兴趣。三、教具准备教材，备课本，范画等四、教学过程（一）引入新课黑板上有两个词：美术、绘画。美术是不是就等于绘画呢？说说你的理由？（美术是一个大概念，绘画只是其中的一个门类。）但是在通常情况下，我们一提到美术，人们往往首先想到的就是绘画，也就是人们常说的画画，也有人认为美术课就是画画课。人们为什么会将美术和绘画联系得如此紧密呢？这反映了绘画作为一种主要的艺术形式在整个美术领域里所占的比重是很大的，绘画是一种大家非常熟悉的美术形式，你能说出你最喜欢的绘画形式吗？请举例回答，并说明为什么最喜欢这些形式？（鼓励学生通过思考、回忆，尽可能多说几种形式。）

大家都知道，美术包括四大门类，绘画、雕塑、建筑、工艺美术。前面我们已经学习了建筑和工艺美术，这节课我们先来了解一下绘画艺术有什么特点，怎样去欣赏、分析一幅画。（二）讲授新课板书课题：绘画艺术的特点 1、什么是绘画？绘画：是运用点、线、色彩、明暗、透视、构图等艺术手段，在平面上创造图像，反映现实和表达审美感受、思想情感的艺术。提问：我将会根据学生对概念的理解，让学生讨论绘画作品与其它艺术形式的区别？学生回答：…… 我根据学生的回答进行补充讲解：在平面上创造图像，作品形态是平面的，是绘画作品区别与其它艺术门类的根本区别。如：工艺美术，虽然也有平面的作品，但它的根本目的是为了实用而不同于绘画的创作目的；摄影艺术作品虽然也是平面形态的，但它是运用机械的技术性和暗室加工完成的记实性图像，而与画家自主表达审美感受、思想感情的绘画有着本质的区别。 2、绘画的分类: 绘画的种类很多,按不同的角度和标准，可分出很多种类。绘画的种类：(1)工具材料、技法中国画、油画、版画（根据板材分：木版画、铜版画、纸版画、石版画、丝网版画；根据制版方法和印色技法分：腐蚀版画、油印木刻、水印木刻、黑白版画、套色版画）、水彩、水粉（中国画：技法，工笔、写意。内容，山水、花鸟、人物） (2)描绘对象人物画（宗教画、历史画、军事画、肖像画、风俗画、人体画等）、风景画、静物画、动物画 (3)形制与功能不同壁画、年画、连环画、漫画、宣传画、组画、单幅画注：可以启发学生回答。展示图片让同学们回答是什么画种：《梅竹双雀图》《永乐宫道教壁画》（说明一幅画可能同时属于几个种类） 3、绘画艺术的特点:

从写生素材与照片素材的不同看摄影素材对绘画创作的影响

---------------------------------------------------------------最新资料推荐------------------------------------------------------ 从写生素材与照片素材的不同看摄影素材对绘画创作的影响从写生素材与照片素材的不同看摄影素材对绘画创作的影响创作的影响摘要：本文结合历史上与摄影联系最密切的画家,并且以具体作品为例来论述写生素材和照片素材的不同，得出摄影带给绘画创作的利与弊;通过分析艺术家对摄影素材和写生素材的运用,论述摄影素材在绘画创作中的具体功能和作用;以中国艺术家的具体个案与他们使用摄影素材的不同方式相结合的方法,试论摄影素材的运用在绘画创作中具体影响。总结出在运用摄影素材进行创作时应该采用的方法和应该避免的问题,以及在创作中摄影素材给我们带来的启示和帮助。关键词：摄影素材、写生素材、绘画、影响现如今,运用摄影素材进行绘画创作已经是一个普遍现象。不论是已经功成名就的艺术家还是在校的学生,都在不同程度上使用照片来作画。中国画家几乎人手一架照相机,照相机与照片已经成为艺术家进行绘画创作的一个重要的视觉经验来源。然而, 摄影素材给画家带来便利的同时也使艺术家不得不去思考摄影素材与当代绘画创作的关系,摄影素材对当代绘画发展产生着怎 1 / 10

样的影响,以及模仿摄影素材图片会给绘画创作造成怎样的弊端。这些都是值得我们深思的问题。从历史的角度看,摄影从诞生开始就与绘画产生密切的联系。艺术家在利用摄影素材进行创作的同时,担心摄影会取代绘画,然而摄影只是代替了传统绘画准确描摹自然和记录时事的功能,并没有取代绘画。它促使艺术家寻找摄影无法仿效的领域并使艺术家以摄影的角度观看世界, 从而推动了现代艺术的发展。我们可以从现代艺术中看出摄影与绘画的融合。这种融合对绘画的发展也产生了影响,改革开放后受西方现代艺术的影响,艺术家开始采用不同的方法将摄影素材运用于画面,创作出大量的具有本土特色的作品。通过对中外艺术家运用摄影素材的创作方法和表现形式的分析,探讨当代绘画创作应该如何正确借鉴和运用摄影图片从而更好的表达艺术家内心的情感，在具体运用摄影素材进行创作时应该采取什么样的方法和态度, 艺术家在绘画创作中是如何运用照片这一媒介，更好的表达艺术的魅力。探讨摄影素材对艺术创作的影响，这是本文的目的之所在。一．摄影艺术与绘画从起源角度讲，摄影脱胎于更便捷、更准确的绘画目的。在记录客观真实的功能上，同属平面视觉艺术的摄影对绘画带来了现实主义的素材提供，艺术创作是人们再现生活的一种重要方式，

徐渭花鸟画的艺术成就

浅谈徐渭写意画的艺术成就【摘要】大写意画以草书入画，体现了中国人独特的造型观和境界观。大写意画既是高度自我的艺术，又是高度忘我的艺术。有我与忘我看似相矛盾，其实是相统一的。只有有意识地追求大写意画这一独特的境界，才能真正将这门解衣磅礴的艺术发扬光大。大写意画；有我；无我从本质上讲，中国画都是写意的，所谓意，即主体心中感受到的外物的精神和形象。历代画家中，最能充分发挥写意精神的代表人物是徐渭。由于他历经坎坷人生，加上天资过人，令他具备独特的艺术气质。在中晚明日渐成熟的大写意语言和审美体系中，徐渭把笔墨表情状物能力提高到前所未有的水平。他以书入画，特别以狂草的笔法入画，走笔如飞，纵情挥洒，用大块的水墨与线相结合，泼墨酣畅，千变万化，使画面浑然一体，达到迹简意远，超然象外的境界。徐渭激情奔放，虽狂怪有理，却放而能收，控制自如，把写意精神发挥得淋漓尽致。【关键词】徐渭大写意巅峰【正文】徐渭（1512—1593），字文长，号青藤，是我国十六世纪杰出的文学艺术家，他在文学、诗歌、戏曲和绘画史上都占有继往开来、推陈出新的重要地位。尤其在绘画方面，对后世四百多年的大写意画的发展产生了巨大

的影响。如郑板桥说：“徐文长、高且园两先生不甚画兰竹，而燮时时学之弗辍，盖师其意不在迹象间也。文长、且园才横而笔豪，而燮亦有倔强不驯之艺，所以不谋而合。”又有诗曰：“尚有一灯传郑燮，甘心走狗列门墙。”还刻了一颗“青藤门下走狗”的印章，可见其对徐文长的崇拜。现代写意画大家齐白石亦曾说：“青藤、雪个（朱耷）、大涤子（石涛）之画，能纵横涂抹，余心服之。恨不生三百年前，为诸君磨墨理纸。诸君不纳，余于门外饿而不去，亦快事也。”还有诗曰：“青藤、雪个远凡胎，缶老（吴昌硕）衷肠年别有才；我欲九原为走狗，三家门下转轮来。”可见，齐白石对徐文长亦深情怀敬意。自然徐文长所以那样地受到后人的崇敬和纪念，恐怕是由于他不仅有杰出的成就，而且有高尚的品格——傲骨铮铮，敢于反抗封建礼教，敢于同邪恶作斗争和反抗外寇侵略的强烈的爱国主义精神。徐文长从小跟陈鹤学画，奠定了他绘画风格的基础。陈鹤字鸣野，号九皋，别号海樵山人，出身于绍兴世袭百户的军官家庭，因少年病弱，辞去世袭军职，在绍兴怪山修建飞来山房和息柯亭，广交宾客，他擅长写意花鸟画，善制散曲，为绍兴文坛的盟主。徐文长自幼爱好绘画、戏曲，可以说是深受了他的影响的。陈鹤的墨迹已难看到，据与他同时代一些人的记载，说他作画走笔如飞，泼墨淋漓。如姜二酉撰的《陈鹤传》中说：“慕山人者，每候山人饮宴兴酣，载笔素以进。山人则振髯握管，须臾为一掷，累幅或数十丈，各惬其所，乞而后止。”可以想见，陈海樵的绘画风格是一种泼墨大写意，而徐文长绘画的基本风格亦正是这样。徐文长的青少年时代就与著名画家沈青门（仕）、谢时臣有很深的交谊，沈工诗善画，兼工散曲，与徐文长志趣相投，后来同在胡宗宪幕府。徐文长有《题青门山人画滇茶花》诗云：武林画史沈青门，把兔申藤善写生。何事胭脂鲜若此？一天露水带昆明！从徐文长的诗意看，沈仕是一位善于写生的高手。谢时臣是吴中著名的山水画大家，擅长巨幅山水，因好用浓墨，笔墨粗放，受到吴中画派的排挤。徐文长住在杭州玛瑙寺时（嘉靖二十九年至三十二年）曾受到谢时臣的指教。他在《书谢叟时臣渊明卷为葛公旦》中说：“吴中画多惜墨。谢老用墨颇侈，其乡讶之，观场而矮者相附和，十之八九。不知画病不病，不在墨重与轻，在生动与不生动耳。”在当时吴派画风靡画坛的形势下，徐文长的看法确是一种卓见。徐文长在嘉靖二十五年（二十五岁），曾去当时的文化中心苏州，看到了沈周、唐寅、文征明、仇英、陈白阳诸大画家和祝允明、王雅宜等书家一些作品，眼界大开。他说：“世传沈征君画多写意，而草草者倍佳。”“陈道复花卉豪一世，草书飞动似之。”“南京解元唐伯虎，小涂大抹俱高

浅谈关于数字绘画艺术发展的思考

龙源期刊网 https://www.360docs.net/doc/ec6240841.html, 浅谈关于数字绘画艺术发展的思考作者：郭雅璇来源：《戏剧之家》2018年第20期【摘要】绘画作为一门几乎可以与人类文明史比肩的悠久门类，在数字绘画艺术时代悄然出现并迅速发展壮大，成为席卷全球的绘画新学科在发展的过程中面临着许多机遇和挑战。以其涉及领域广，创作平民化，传播途径丰富等特点，现如今各个专业领域中数字绘画拥有话语权。那么，数字绘画艺术是如何在如此短的时间内成为炙手可热的话题的？【关键词】数字化；数字绘画艺术；传统绘画艺术中图分类号：J2 文献标志码：A 文章编号：11007-0125（2018）20-0147-01 一、数字绘画艺术的特征从创作方式来看，不同于传统绘画的工序繁琐和材料成本昂贵，数字绘画的创作手段更加简单和平民化。一台电脑，一个数位板便可以成为一个创作者的“造梦空间”。这使绘画这门学科走下神坛，为数字绘画艺术行业的繁荣提供肥沃的土壤。加上近几年数字产品的不断创新（如ipad pro具备可使用平板电脑直接绘画的功能等），不管是对艺术有兴趣还是日常娱乐消遣的人们都有机会接触和了解这个领域，更使创作方式平民化走向新的高度。数字绘画艺术的可延展性是其最重要的特征之一。领域相对于传统绘画艺术的平面线性扩展而言，呈三维发散式扩展。除了我们常见的领域如平面设计、工业设计、室内设计、广告、电影、杂志等，数字绘画艺术仍然在继续发掘新的可能性。近几年有艺术家们开始利用VR技术创作艺术作品，每每都会在社交网络中引来巨大的关注度，足以证明这些新兴科技会给数字绘画带来源源不断的新议题。平民化和快速占据艺术市场等特征带来的缺陷也日趋严重。特别在我国，大多数人在没有接受过艺术教育和版权意识薄弱的情况下被动地与数字绘画的各个门类接触，抄袭、盗图、侵权等问题屡见不鲜；数字绘画质量参差不齐；数字绘画作品的普遍廉价化；专业数字绘画教育的空白，数字绘画艺术的弊端也在它超高速发展壮大的过程中比以往任何一门新类别更快地显露出来。二、数字绘画艺术在当前形势的作用数字绘画艺术以其强大的渗透力和生命力成为商品经济时代下的主流创作方式，在艺术创作方面也不甘落后。虽然数字绘画艺术在发展过程中最大限度地挤压了传统绘画艺术的生存空间，再加上它自身的种种缺陷，但基于总体更符合当今社会的发展趋势需要，传统绘画艺术在数字时代的巨大冲击下“半推半就”地接受了这个新成员。实际上传统绘画与数字绘画并不是站在对立面，而是互相影响的关系。数字绘画艺术的出现为传统绘画艺术提供了更为便捷和性价

摄影与美术的关系

前几日朋友们一起谈起摄影与美术的关系，尤其是激烈地争论到一个话题：学习摄影是否必须要学习美术？因自己早年学习过20多年的美术，也在四川美术学院混过几年，主攻油画，同时也端了二十多年的照相机，算是对绘画与摄影都有一点了解。为回答朋友问题写了一篇《从摄影、美术、PS的关系说起》的帖子，不当之处敬请纠正。美术是人类最古老的艺术，发现人类史前的岩画远比文字古老得多，美术早已形成了自己坚实而厚重的系统理论、也留下了无数优秀的经典绘画作品以及各种艺术流派；而摄影的历史只有100多年，且在很长一段时间内，人们是以一门纯机械技术来看待摄影的，或认为摄影最多只是美术的一个附庸品，直到近代才被广泛承认是一项独立的艺术门类。不可否认，摄影的各种艺术流派和形式都与美术的艺术流派和形式有密切的联系，几乎总是先有美术流派后有摄影流派，这是因为美术历史和文化渊源太长太厚了，摄影与美术又同属视觉造型艺术，摄影艺术自然要从美术理论和美术形式中汲取丰富的营养。但正如我们看到的那样，摄影也有自己不同于美术的独特艺术魅力。希望大家从中了解美术各种艺术流派和摄影各种艺术流派的来源与发展的渊源关系。特别需要指出的是，不要认为真实客观性是摄影艺术的唯一特性，摄影除了新闻工作和纪实性作品要求必须尽量做到客观真实外，绝大多数摄影艺术作品并不是对客观真实世界的反映，而是人们借助于照相机这个工具来表达自己对客观世界的主观感受和情感思想，如影楼婚纱、艺术人像拍摄、商业摄影等等，都渗透着摄影师或被摄影主体预先已策划的创作思想和情感，尤其是后期的有意识处理和现在的PS创意作品，都是属于摄影艺术的范畴。但我们国内大多数摄影师和摄影爱好者在欣赏摄影作品时，都自觉或不自觉地仅以纯客观真实这个唯一标准来看待和评判摄影艺术，这显然是太过于窄小了，这反映出我们大多数摄影人对世界摄影的各种艺术流派并不了解，尤其是对美术和摄影的关系不了解，所以我们需要多了解一些美术史与摄影史，做到对摄影主流艺术派别有大致的了解和鉴别，才不至于到处开黄腔、不懂装懂被行家所轻视，同时，也能够极大提高和拓宽我们创作摄影艺术的思路和手法。就摄影艺术而言，确实与美术是有相同相通的地方，但摄影与美术也有明显的区别，就是因为摄影与美术有显著区别，所以才自成体系、自成一家，摄影有着自己独立的艺术理论基础和技术技法体系。相同的方面主要有： 1、两者都是属于视觉画面造型艺术； 2、都是运用构图、空间、黑白或色彩关系来记录、描述或表达自己在一定空间和时间对客观世界物体的感受，并以此传递给大众； 3、两者都同属造型美学范围，都能在不断实践中提高自己或大众的审美情趣和审美能力。不同的方面或主要区别有： 1、材料或工具不同。美术家是运用画笔、颜料、纸张、布料、木料、泥料、金属等等多种物质材料塑造客观物体；摄影师则是运用照相机、感光胶片、电子感光材料、冲印设备或计算机、后期处理软件等记录或复制客观物体；

艺术设计与商业设计的关系

艺术设计与商业设计的关系前言：商业设计是面对大众消费者口味的。从艺术设计者而言：商业设计注重的是“商品”，绘画艺术注重的是“设计者本身”；即是客观和主观的比重问题。一个好的商业设计肯定是受大众欢迎的，但一个好的绘画作品却不一定受大众的欢迎。因为一副好的绘画作品其作者本生所具有的艺术修为是少数人才拥有的，同时欣赏者在观其作品时必定注入了自己的理解和情感。社会是在不段的进步发展，因此，随着社会的进步，文化活动、文化功能也随之扩大化、细致化。而创造性活动也随之，有着越来越有目的和计划性。因此，设计这个概念也随之产生。设计的行为受文化约束,，不存在脱离文化约束的设计我们在谈论文化和设计的时候，总是将其联系在一起。做为设计行为，其首先就是要了解社会文化背景，包括适用人群、人文风俗、色彩偏好、功能需求等等，有了这些信息，设计才能够进行下去。并且，设计师是人这个主体，而人总是存在于一个历史时期，在某个社会背景下的，他们的理念、行为方式都来自于那个特定时代的文化，即便是社会的英才、时代的先驱，也必然是在这个时代背景下的，因而设计的结果是反映当前时代的文化。艺术设计是以艺术作为设计主导，综合了广告学、传播学、心理学、市场学、社会学等诸多学科，作为一种设计学科，其目的是促进消费观念的改变和提高。商业性设计是随着经济的发展而产生的一门独立且非边缘的设计学科。商业性的设计以平面广告为主，有报纸、杂志、路牌等。而现在的广播、电视、pop，广告、车身广告、电影软片广告也属于一种时空性的商业性设计。商业性设计的社会大众认知感是首位因素，即产品的核心。与消费者的倾向点对应的，常常是“商业性设计的核心”。即找到了商业性设计的表现方法，商业性设计也就由此而产生了。一、什么是艺术设计与商业设计艺术设计是一门独立的艺术学科，它的研究内容和服务对象有别于传统的艺术门类。同时艺术设计也是一门综合性极强的学科，所谓艺术设计，就是将艺术的形式、美感结合社会、文化、经济、市场、科技等诸多方面因素，再现于和我们生活精密相关的设计当中，使之不但具有审美功能，还具有使用功能。换句话说，艺术设计首先是为人服务的，艺术设计应是

绘画艺术的特点是什么

绘画艺术的特点是什么绘画与美术其它门类的根本区别，是作品的平面性。从欣赏角度，绘画艺术具有以下主要的特点： 1．二维空间上创造出三维空间绘画是在二维空间上，依靠明暗和形象结构表现物象的凹凸，造成立体幻象，令观者感到物、象是立体的。并通过物象大小、遮挡关系、透视变化和色彩变化、虚实等手法，造成深远的空间效果。 2．再现性绘画描绘的精确性与表现性绘画展现主观世界的多方面性长于描绘是传统绘画的艺术特点。再现性绘画描绘的精确性，可以达到乱真的地步。如本课图版选印的《有鲑鱼块和柠檬的静物》中，可以感受到所画物象形体质感的逼真性。虽然随着不重形似的中国写意画和西方现代绘画的兴起，精确的描绘已不被人们所重视，但商品广告和工业设计、建筑设计的效果图仍然体现着绘画这一特点。与再现性绘画相反，表现性绘画则是着眼于表现主观世界。不仅表现主观心态、思想哲理，还可以描绘幻想、梦境，如《错误的镜子》。有些表现性绘画排除描绘的技术性，但它必须有感人的艺术魅力。其艺术魅力，在于形式的独创性，手法的新颖性，造型给人视觉冲击的强烈和形式美感。 3．不同画种的艺术美各种绘画因工具材料和技法等因素，形成各画种独特的艺术趣味和画家驾驭艺术语言的功力美感。中国写意画，是利用宣纸吸水的敏感性和洇晕墨色的艺术效果，讲究线条要有力透纸背的力度美，用墨具有变化和厚重感，笔墨构成气韵生动。油画，讲究色彩要有浑厚、凝重和丰富、和谐的美感。版画讲究“刀味”、“木味”等和印制的美感。水彩画讲究水、色彩和笔法形成的明快、清丽、水分丰润的艺术美。 4．构图是绘画的基础构图是对绘画艺术语言进行组织，使之构成一幅完美的画。构图是绘画艺术的基础，也是能否表达作者构思和给人以形式美感之所在。从欣赏的角度来讲，应注意把握绘画构图的以下几方面：

浅谈中国绘画艺术的独特性

浅谈中国绘画艺术的独特性发表时间：2012-07-17T10:51:57.700Z 来源：《新校园》学习版2012年第4期供稿作者：孟庆杰 [导读] 中国画是我们民族卓越才能和辛勤劳动的结晶，是我们民族的宝贵财富. 孟庆杰（长垣县实验中学，河南新乡 453400 ）中国绘画艺术历史悠久，源远流长，经过数千年的发展变化，创造了丰富多彩的、具有鲜明民族风格的多种手法，形成了独具中国意味的绘画语言体系，相对西洋画来说，有着自己显著的特征。一、中国画体现了中华民族传统的哲学观念和审美观在对客观事物的观察认识中，中国画往往不像西洋画一样讲究以形写形、比例匀称。传统的中国画不讲究焦点透视，也不强调自然界对物体的光色变化，不拘泥于外物的肖似，而是讲究“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉，从而抒发作者的主观情趣。它渗透着人们的社会意识，从而使绘画具有“千载寂寥，披图可鉴”的认识作用，又起到“恶以诫世，善以示后”的教育作用。即使山水、花鸟等纯自然景观，在观察认识当中，也不自觉地与作者的审美情趣和社会意识相联系，借景抒情，托物言志，体现了中国人“天人合一”的观念。二、在艺术手法和艺术分科上，中国画有其独特特征按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔 ”。而写意则是相对“工笔”而言，是用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。三、中国画在构图、透视方法、用笔、用墨、敷色等方面有自己的特点中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调 ”的，但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视阈的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知的北宋名画张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”。观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透视的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。用笔和用墨，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力轻则浮，力重则钝，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造形体，烘染气氛。一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓淡相生相融，做到浓中有淡、淡中有浓，浓要有最浓与次浓，淡要有稍淡与更淡，这都是中国画的灵活用笔之法。由于中国画与书法在工具及运笔方面有许多共同之处，二者结下了不解之缘，古人早有“书画同源 ”之说。但是二者也存在着差异，书法运笔变化多端，尤其是草书，要胜过绘画，而绘画的用墨丰富多彩，又超过书法。笔墨二字被当做中国画技法的总称，它不仅仅是塑造形象的手段，本身还具有独立的审美价值。中国画在敷色方面也有自己的讲究，所用颜料多为天然矿物质或动物外壳的粉末，耐风吹日晒，经久不变。敷色方法多为平涂，追求物体固有色的效果，很少光影的变化。以上中国画的特点，主要是对传统的中国画而言。这些特点，随着时代的进步，艺术内容和形式不断向前发展变化。特别是五四运动之后，西洋画大量涌入，中国画以自己宽阔的胸怀，吸收了不少西方艺术的技巧，丰富了中国画的表现力。但是，不管变化如何，中国画传统的民族的基本特征不能丢掉，中国画的优良传统应该保持并发扬光大，因为中国画在世界美术领域中自成独特的体系，它在世界美术万花齐放、千壑争流的艺术花园中独放异彩。中国画是我们民族卓越才能和辛勤劳动的结晶，是我们民族的宝贵财富.

摄影与绘画的相互影响

摄影与绘画的相互影响 19世纪的欧洲画坛处在一个辉煌的时期，先后经历了古典主义、浪漫主义、现实主义和象征主义几个时期。自达芬奇之后，画家严格遵循焦点透视、明暗投形等光学效果，使画面呈现出一种主体真实的效果。在30、40年代的写实绘画惟妙惟肖，达到了逼真的效果。例图：米勒的《拾穗者》 1839年当法国学术院向全世界公布摄影的诞生后，摄影以其迅速逼真捕捉形象的能力，使画家感受到了前所未有的压力。绘画发生了变革，接受了摄影的瞬间印象，绘画开始由具象转向抽象，例图：莫奈《日出·印象》消除了绘画的呆板，展现了艺术家的主观感受，后印象主义启迪了两大现代主义艺术潮流，即立体主义、野兽主义。例图：塞尚梵高高更印象派画家影响了20世纪艺术，后出现的抒情抽象主义，实际上是吸收了东方绘画因素。例图：毕加索梵高一、中国诗画与中国风光摄影的关系中国画的“意境”也就是中国画的精髓，是中国艺术史上独有的传统美学概念。如绘画中的一些术语“象外之象”、“景外之景”、“韵外之致”、“言外之意”，如古诗中谈到的三境：一曰物境、二曰情境、

三曰意境，物境讲形似，情境讲情感，意境就是用我们现代人常用的情景交融来形容。意境之意，早用于诗，晚用于画，在诗画中有意境者多为写景抒情之作。例图：写意与写实不同，它更突出了人的主观能动。简单的说，写意创作就是“发现”与“表现”的过程，写意创作最初萌发于意外的发现，一旦锁定了拍摄目标，就可以考虑如何去表现，也就是偶然与必然的结合。中国风光摄影就应该像中国诗画一样，追求写意营造意境，带来完美。二、风光摄影的意境在中国摄影的构成中，自然风光摄影一直占据着很重要的位置，这与中国传统美学以及源远流长的中国画的山水和花鸟绘画传统有着根深蒂固的关系，是中国传统绘画衍生了中国的风光摄影。所以在我们创作拍摄影像作品时，就应依据中国传统的美学理论和观念，从研究中国绘画入手，去破解中国风光摄影的灵魂“意境”。例图：三、中国风光摄影应掌握的几点要素：难、真、美、实 1、难：风光摄影易如门，难精通。例图：

举例说明设计与艺术的关系

设计与艺术有什么关系? 姓名:晋伟学号:2011210357 专业:环境艺术设计刚进大学时,第一次听到老师问我们:什么是设计?什么是艺术?有什么关系?带着迷惑,一年马上就要过去了,如今,虽然我还是不能很好的回答,但是每个人总有每个人的总结与理解。以下便是我一年来对艺术与设计的一些了解与认识。一、什么是设计？设计(Design）主要指设想、规划、计划、构思等，设计的含义是非常宽泛的，而且设计的定义也是众说纷纭，莫衷一是。在《朗文英汉双解词典》中，对Design有这样的解释：作为动词有设计、绘制、计划、谋划、预定的意思；作为名词有计划、设计图、图样、图案、图样设计、美术工艺品的设计、装饰图案的含义。《实用英汉词典》对英语Design一词的解释是作为动词有设计、立意和计划的含义；作为名词有计划、草图、图案、风格和心中的计划等意思。将使用与美观结合起来，赋予物品物质和精神功能的双重作用，是人类设计活动的一个基本特点。设计是人类为了实现某种特定的目的而进行的一项创造性活动，是人类得以生存和发展最基本的活动，它包含于一切人造物的形成过程之中。总之，设计就是设想、运筹、计划与预算，它是人类为实现某种特定目的而进行的创造性活动。可以说，设计时一种特殊的艺术，设计的创造过程是遵循使用化求美法则的艺术创造过程。

二、艺术是什么？关于艺术，希腊语作teche,拉丁语作ars,都有技能和技巧的意思。在古代，艺术不仅和美与道德有关，同时还和实用有关。中国古代以礼、乐、射、御、书、数为“六艺”，日本也将香道、茶道、歌舞、乐曲称为游艺。在西方，艺术的美学观是渐渐出现的。绘画、雕刻和建筑早期并不包括在自由学科(Liberal Arts)之中，西方古代至中世纪并没有一个缪斯专门分管他们。由于近代西方愈来愈强调艺术与美的关系，终于形成了所谓美的艺术(Fine Arts)的概念，以别于应用艺术。人类早期的设计与艺术活动是融为一体的，只是随着社会分工的愈来愈细，各行业的专业性越来越强，才使得艺术从实际的技术中分离出来，而艺术的观念也发生了变化。三、艺术与设计的关系记得上学期构成老师说：“艺术更感性而设计更理性。设计注重形式与功能，而艺术更多的注重审美。”这是一个艺术教育者对于设计与艺术的一个理解,当然后来也在网上看见了一些理解,便把它做如下总结。 ( 一、)古代艺术与设计之间的关系从历史的发展过程来看，人类早期的设计与艺术活动是融为一体的、是同源的，都是造物文化的分合离散所致，因此它们之间的关系是亲密而不可置疑的，设计最初的意义是指素描、绘画，“设计”这一概念本身就是从美术与建筑实践中引申出来的，犹如西方美术史之父瓦萨里在全面讨论设计这一概念时所说：设计是三项艺术如建筑、

绘画艺术的特点(整理完)

高中第一册第五课绘画艺术的特点各位评委老师，上午好，我是XX号考生，我的名字叫，我今天说课的题目是《绘画艺术的特点》首先我将对我说课的教材进行分析，本课是出自人民美术出版社，高中美术《艺术欣赏》第一册第十课。通过本节课我将完成以下的教学。我制定的教学目标是： 1、教学目标通过教学，使学生了解绘画的种类、绘画艺术的特点、中西方绘画的区别，从而提高欣赏绘画的能力。 2、教学重难点：因此本节课的教学重点是：理解绘画艺术的特点，中西方绘画的区别。难点是使学生对绘画艺术的特点和中西方绘画的区别，有切实的感受、体验。 3、教学策略我将采用讲授法和演示法及讨论法，运用教学多媒体课件来辅助本节课的教学。本课内容安排为1课时来学习。六、教学过程：（1）首先导入新课（5分钟）提问导入我将提出这样一个问题，绘画是一种大家非常熟悉的美术形式，请学生说出自己最喜欢的绘画形式，并说明为什么喜欢这些形式。通过课前的讨论调动学生的积极性来进行本节课的内容。（1）下面我将讲授新课部分（30分钟） 1、我将直接讲解本课的主要内容什么是绘画？通过PPT展示绘画的概念。绘画是运用点、线、色彩、明暗、透视、构图等艺术手段，在平面上创造图象，反映现实和表达审美感受、思想情感的艺术。提问：我将会根据学生对概念的理解，让学生讨论绘画作品与其它艺术形式的区别？学生回答：…… 我根据学生的回答进行补充讲解：在平面上创造图象，作品形态是平面的，是绘画作品区别与其它艺术门类的根本区别。如：工艺美术，虽然也有平面的作品，但它的根本目的是为了实用而不同于绘画的创作目的；摄影艺术作品虽然也是平面形态的，但它是运用机械的技术性和暗室加工完成的记实性图象，而与画家自主表达审美感受、思想感情的

浅谈徐渭的绘画状态

浅谈徐渭的绘画状态内容摘要:徐渭是明代文坛和曲坛的一员巨匠，在诗、文、书、画、戏曲、文论各个领域成就斐然。徐渭狂放不羁的笔墨与超逸豪纵的艺术气质，使其绘画不是简单地在技法上写意，而是他个人内心冲突的自由抒发。看徐渭的绘画状态，以期升华灵感，激发创作情绪。关键词:徐渭绘画大写意徐渭，浙江山阴人，字文长，号天池，又号青藤，画史上以白阳（陈淳）、青藤并称，生于1521年，卒于1593年。民间关于徐渭、徐文长的传说很多，他诙谐怪诞的生平事迹也长久在民间流传。徐渭事实上是一名才华极高，但际遇坎坷的文人，他不但精画，在书法、诗词、戏曲上的成就都很大，但是他似乎很孤傲自负，也难容于世俗，在精神上常流露出沮丧的心情，曾数度自杀，后又因杀妻入狱，在牢中关了7年之久。徐渭的悲剧性格使其在明代艺术创作上独树一帜，和明代许多其他的画家努力尊奉传统、古人完全不同，他的笔墨常常是放肆狂野、不拘形式的，但水墨淋漓处亦有其细腻的观察和活泼的表现力体现。《石榴图》是写一枝石榴倒垂而下，枝叶的笔墨都像书法，以写意法来表现一颗石榴成熟、裂开，露出一粒粒如珍珠般的颗粒，粗看未必形象，但造型自然天真，也算开创了中国绘画的一种倾向个人表现力于抽象的表达方式。另外，此画中右上方以狂草提示，线条流畅婉转，和绘画配合，达成一种统

一。徐渭在绘画上的成就尤其突出，他把写意画推到了一个前所未有的高度，使花鸟画走向了抒情达意的大写意时代。徐渭绘画艺术的核心是讲究一个“情”字。所以在他的实践创作中的“以真写情”都源于他的心学理论中的“中也者，人之情”。真是情的生命力所在。只有“人心流出”才是真，作品才有价值。思想文化的发展为张扬个性、傲世绝俗的徐渭绘画艺术精神的出现提供了可能，使徐渭的叛逆个性日益滋长，同时也培育了徐渭独特的艺术观。在不同的诗文、题跋，甚至戏剧中，他对文艺进行了独特的阐述，强调“自然”“本色”之情，要求独立抒发“真我真情”，因而他反对复古。徐渭把画当成无声的诗、情感抒发的载体，他在画中倾注内心的郁闷、不满和各种各样的情绪、情感。如在《花卉杂画卷》中他画有一段枝干下垂的梅花，梅花的枝干有一部分恰好浸入溪水中，形态新颖别致。徐渭在梅花的左边题诗一首：“梅花浸水处，无影但涵痕。虽能避雪压，恐未免鱼吞。”前两句诗意空灵，充满了奇特的想象力，后两句作者笔锋一转，尖锐地指出高洁的人身处危机四伏的社会现实中，难以预料和躲避各种迫害，明显联系到了他自己坎坷的人生遭遇及世事对他的不公。徐渭的写意花卉，“走笔如飞，泼墨淋漓”，在用笔上强调一个“气”字，用墨上强调一个“韵”字。实际上笔与笔之间有“笔断意不断”的气势在贯通着；他的用墨看似狂涂乱抹，满纸淋漓，实际上是墨团之中有墨韵，墨法之中显精神。由此可见，徐渭的画是在用情感

摄影对绘画创作的影响

摄影对绘画创作的影响发表时间：2018-10-15T10:30:17.797Z 来源：《知识-力量》2018年10月下作者：刘从蓉[导读] 摄影自诞生之日起就与绘画有着千丝万缕的联系。摄影卓越的再现能力对绘画的艺术观念和创作造成了极大的冲击，为绘画带来了观察世界的新感受、新视野和新方式。（上海工程技术大学,上海 201620）摘要：摄影自诞生之日起就与绘画有着千丝万缕的联系。摄影卓越的再现能力对绘画的艺术观念和创作造成了极大的冲击，为绘画带来了观察世界的新感受、新视野和新方式。摄影和绘画创作在各自的发展过程中相互影响，共同构成了图像时代的视觉文化。关键词：再现；观念；现代绘画摄影自诞生之日起就与绘画有着千丝万缕的关系。西方传统绘画一向把模仿自然作为唯一的目的，逼真地再现现实始终是画家不懈追求的目标。自欧洲文艺复兴时期开始，以达﹒芬奇为代表的西方画家通常使用一种叫做“绘画暗箱”的绘图装置准确地再现景物的比例和透视，以此来获取影像作为辅助绘画的工具。绘画作为一门主要的艺术形式发展到十六世纪时，其造型技艺已臻完善。相对于有悠久历史的绘画而言摄影则是一门年轻的艺术，它伴随着工业文明而到来，是人类社会历史发展到一定阶段的产物。摄影在诞生之初，只是记录“描图镜箱”的成像一种手段，是一种精确复制客观对象的技术手段和逼真再现客观对象的技术形式。1839年当法国科学院向全世界公布摄影术诞生后，摄影以其迅速﹑逼真地捕捉形象的能力使画家感受到了前所未有的压力。最初一部分从事绘画创作的画家对摄影采取了抵制和抨击的态度，以安格尔为代表的法国新古典主义画家曾提出了这样的书面提议：艺术作品产生于智慧以及对艺术的学习，相机永远无法与之相比。他们甚至认为摄影的出现侵犯了绘画的尊严。迫于摄影技术的问世给画家们带来的压力，他们不得不去探索摄影无法替代的领域，同时也在思考绘画存在的意义，摄影对绘画观念的改变起着不可低估的影响和推动作用。许多画家认识到精确的模仿应让位于摄影，绘画应该从再现外部世界转向表现内心世界。桑塔格在《论摄影》中这样评价摄影对绘画的冲击：“摄影所从事的就是篡夺画家的任务，提供精确地模仿现实的形象的任务。为此‘画家应深表谢意’，就像许多摄影家在此之前和从那以后所表达的那样，将这种篡夺看成是事实上的解放。” 摄影的诞生也加速促进了19世纪中叶前比较保守的艺术表现形式向现代艺术迈进的步伐。一方面部分写实画家开始得益于用照片素材从事绘画创作，而另一部分特别是印象派画家吸收了摄影反映客观生活的直接和随机性，重视光线和空气对色彩还原的影响，忠实于表现瞬间的现场真实感受。有非常扎实的古典画画风格的画家德加，敏锐地感受到绘画艺术所经历的变革过程，开始以极大的兴致描写歌剧院和芭蕾舞的排练场，用粉笔和油彩迅速捕捉运动的画面，在创作中把不完整的前景人物组合成绘画构图，这种犹如从钥匙孔里看到的，这种特殊的画面创新构图法就是来源于摄影图像的观看灵感和取景方式。摄影作为部分画家的素材获取手段同时，在构图方式上也影响着一些画家。劳德累克的构图也经常使用类似摄影中的开放式构图，将形体巨大和色彩鲜艳的人物放在画面边缘，不太完整好像被裁切了一样。他还在画面中融入了一些日本浮世绘的风格，以松散的笔触追求简练和鲜明。这种明显受到摄影影响的开放式构图，令画面充满着张力。印象派的绘画与古典主义完全不同的艺术表现方式，标志着现代艺术即将登上艺术的舞台。摄影无比精确的再现自然能力是绘画所不可比拟的，因为传统绘画的题材，如风景、静物、人物等，特别是人物题材最为适合摄影术的运用。马蒂斯说“画家不用再从事于琐细的单体的描写，摄影是为了这个而存在的……它干的更好更快。”“我们对绘画有更高的要求，它服务于表现艺术家内心的幻想。” 虽然摄影的发展和普及没有不会改变绘画的存在和发展，但是西方绘画观念从再现向表现，从具像向抽象地转向的确与摄影的发明有着密切的联系。摄影术的成熟和完善大大激发了画家以动态的眼光观看事物，未来派画家主张在运动中表现对象，他们借鉴摄影连续多次曝光而产生的重叠影像，把人和动物绘成多肢体连续不断的画面，来制造绘画的“运动”感，杜尚在访谈中坦言他的《下楼梯的裸女》就是由曼﹒雷的连续摄影启发了的灵感。照相写实主义画家克洛斯也似乎在迫不及待地再现摄影镜头所产生的局限，在其许多比真人头像大几十倍上百倍的人像画作中，常常是眼睛画得很实，毛孔清晰而鼻尖和耳朵却是虚的，以表现镜头脱焦的效果。摄影术的成熟和完善大大激发了画家以动态的眼光观看事物，未来主义发端于意大利,受立体主义的启发，派生于1910年代，为一种近代的文艺思潮。未来派信奉现代机械文明产生的是运动、速度和力量，而以往的静态艺术是过时的。未来派认为，“一匹奔跑的马，不是有四个蹄子，而是有20个，并且它们都是沿着三角形运动的”，采用以事物的运动和速度状态来表现空间和时间。摄影上的未来主义风格表现为动态摄影。意大利未来主义倡导者安东?布拉加利阿在创作上的实验．大量运用于用摄影表现动静结合，强调摄影图片静态画面上的动态感。他们借鉴摄影连续多次曝光而产生的重叠影像，把人和动物绘成多肢体连续不断的画面，来制造绘画的“运动”感，杜尚在访谈中坦言他的《下楼梯的裸女》就是由曼﹒雷的连续动态摄影启发了的灵感。毕加索本人对摄影也是充满热情，不仅拍摄构图讲究的照片和许多肖像作品，而且记录其绘画过程，他还多方收集照片，剪辑集锦。虽然毕加索不是模仿者，但摄影对他立体派风格的形成确实起了很大的作用。摄影技术的产生改变了一切，大量绘画作品都衍生于照片。摄影作为画家绘画工具的自然组成部分，一开始只是用来起辅助作用，而后更是发展为艺术作品的一部分。德库宁在油画布上粘贴剪好的照片，霍克尼则把照片用在多重影像的构图中，而安迪?沃霍尔用摄影因素构成了他的艺术符号和表现方式，他大胆尝试凸版印刷、橡皮或木料拓印、金箔技术、照片投影等各种复制技法，他的作品几乎说不清算是照片还是绘画，现代绘画与摄影的边界越来越模糊。作为新绘画复兴标志人物的里希特在创作中通过对业余摄影者的照片复制作为创作元素，把经过摄影镜头过滤的客观现实再用绘画的方式表达出来。“我以绘画说明摄影”，“照片是最完美的绘画”，里希特用他的名言道出了摄影对绘画创作的影响。参考文献 [1]苏珊?桑塔格.《论摄影》[M].湖南:湖南美术出版社,2008.