浅谈形式美与艺术美(论文)
浅谈形式美与艺术美
爱美之心，人皆有之。自古以来，美在生活中扮演着不可缺少的角色。到了现代，人们更是将“美”变成了生活中重要的组成部分。是啊！既然“美”是在人类追求的精神享受，那么什么才是美呢？由于每个人所处的经济地位不同，自身文化修养的高低，还有各地风俗习惯的差异等，种种因素导致了每个人的审美观点不同。有的人喜欢那巍峨的高山，因为只有站在峰顶才会发出“会当凌绝顶，一览众山小”的感叹。有的人喜欢那波澜壮阔的大海，以内那惊涛拍岸，海天一色的景致会使人心旷神怡。还有的人喜欢色彩斑斓的夕阳晚景，因为看着那太阳从西边落下的时候，会让人不自觉的回忆起从前的时光。无论是高耸入云的山峰，波澜壮阔的大海，还是那色彩斑斓的夕阳。这都是源于人们在生活中的积累，才使我们逐渐的发现了美，进而产生了美学思想。直到近代最早使用美学这个术语作为一门学科名称的，是被称之为美学之父的德国理性主义者鲍姆嘉通（Baumg arten1714---1762).他是普鲁士哈列大学的哲学教授。他继承了莱布尼茨和沃尔夫等人的理性主义哲学思想并进一步加以系统化。美，需要基本的表现形式及法则才能将美的朱笔表达出来。像本文前面所提的山峰.大海和夕阳。就是形式美和艺术美的完美体现，才给人以无限的遐想。我认为形式美与艺术美的法则有以下几条：
形式美法则：
1.对比与统一
2.对称与均衡
3.比例与视觉重心
4.节奏与韵律
5.和谐与自然
艺术美法则：
1.意境与意象
2.美的灵魂及其原动力
先说形式美的法则：
1.对比与统一
对比与统一，顾名思义就是将两个反差极大的要素，成功的搭配在一起。虽然让人感觉对比鲜明强烈，却并不相互矛盾。
对比（对立）
例如，色调中的冷色调与暖色调的对比，生活中的大与小，长与短，高与矮。季节中的冬季与夏季，春季与秋季等。
统一（调和），就是将各种差异因素调和在一起，形成一个整体。
调和是在差异中趋向与“同”（一致），对比差异中倾向于“异”（对立）。调和是把两个相接近的东西并列。例如色彩中的红与橙.橙与黄.黄与绿.绿与蓝.蓝与青.青与紫.紫与红.都是临近的色彩。2
在现实生活中，将两种差异因素巧妙的结合在一起，会让人感觉鲜明.活跃.主题突出却不失整体。
例如，在音乐会里，一首乐曲的高音与低音，长声与短声的巧妙搭配会让听众发出“此曲只应天上有，人间哪有几回闻”的感叹。
唐代诗人陈陶写的《陇西行》
誓扫匈奴不顾身，五千貂锦丧胡尘。可怜无定河边骨，犹是深闺梦里人。
用的是用了虚实对比。作者在头两句实写将士忠勇，奋不顾身的杀敌，却死伤甚众。由第三句的“可怜无定河边骨”作为布点来虚写第四句“犹是春闺梦里人”死者的遗孀并不知道丈夫的死讯，常常在梦中与其相会。
全诗虚实对比运用得当，自然的溶入到整体中。仿佛电影中的蒙太奇效果，突出了作者的反战主题，使人看后不禁潸然泪下。对比与统一就是将局部之间的对比和局部与终于整体之间的对比衔接的自然而然。老子在道德经里将“对比与统一”已经说的非常清楚天下皆知美之为美，恶已；皆知善，斯不善矣。有无之相生也，难易之相成也，长短之相刑也，高下之相盈也，音声之相和也，先后之相随，恒也。3
天下人都知道美之所以为美，那是由于有丑陋的存在。都知道善之所以为善，那是因为有恶的存在。所以有和无互相转化，难和易互相形成，长和短互相显现，高和下互相充实，音与声互相谐和，前和后互相接随——这是永恒的。
我认为“对比与统一”就是人们对于“意识与形态”的认识。在《道德经》第一章就已经提到“无名，万物之始也；有名，万物之母也。故恒无欲也，以观其眇；恒有欲也，以观其所徼。”4
我们从事物的整体来领悟其中的奥妙，从事物的局部来体会它的端倪。所以说对比与统一符合了矛盾与统一的哲学观。2.对称与均衡。对称是指，以一条线为中轴，左右或（上下）两侧均等，容易人体中眼.耳.手.足都是对称5生活中可以找到很多对称的实例。例如，飞鸟的羽翼，昆虫的翅膀。在那些著名的建筑物中也有许多极具对称美的。如，中国的故宫，埃及的金字塔等。
物理学中的对称性是德国的女数学家艾米诺特（1882---1935）在1918年发现的，因此被称为诺特定理。
对称能给人传达一种稳重.大方.安静.祥和.完美的心理感觉。
人类自古以来就对对称美推崇备至，对称的概念已经渗透到所有的科学领域。6
均衡
均衡的特点是两侧的形体不必等同，量上也是大体相当，均衡较对称有变化，比较自由,也可以说是对称的变体。7
1918年，德国女物理学家艾米诺特发现了诺特定理之后，又有人提出了“宇称守恒”论，到了1956年杨振宁与李政道提出了“宇称不守恒”的物理理论。
德国哲学家布莱尼茨曾经说过：世界没有两片相同的树叶。
在现实生活中也没有绝对对称。大多数人的生长发育就是个例子，很多人的左肩比右肩高，或者是一只眼睛大，一只眼睛小。
所以说在世界上绝对对称是不存在的。
由于绝对对称的不存在，于是有诞生了一个新的概念---反演。反演就是一件事物里存在着两种因素的集合。如虚于实，美与丑，多与少，正与反，残缺与完美等。
例如米洛斯的维纳斯（断臂的维纳斯）虽然两臂已断，反而给人一种和谐.安静.庄严.肃穆的视觉美感。这是反演中残缺与完美两种因素的集合给人的视觉效应
还有文艺复兴时期的“三杰”之一的达芬奇。他的经典之作《蒙娜丽莎》是油画作品中的绝代佳品。画中的蒙娜丽莎那迷人的微笑和娴静大方的气质之所以表达的淋漓尽致，除了作者对画面主体的着力刻画之外，还有对画面背景的虚
化处理。《蒙娜丽莎》的背景采用的是类似于中国国画的散点透视，和大写意的处理手法。这个就是反演中的虚与实的因素集合。
无论是残缺与完美还是虚与实，都需要把握一个“度”这个平衡点，只要将两种因素的平衡点找好，就可以达到一种均衡状态，也就是变体的对称。
天地之间，其犹橐龠乎！虚而不屈，动而愈出。多言数穷，不如守中。、老子说到世界万物的集合因素千头万绪，如果人们去着重的处理各种因素则会像一团乱麻似的越理越乱。不如我们找到平衡各种因素的的平衡点，就可以达到一种量上的均衡。
在学习艺术的过程中，只要找到均衡虚实，强弱变化的中心点就是找到通向艺术之门的钥匙。
3.比例与视觉重心。
比例，就是整体与局部，局部与局部之间的关系。达芬奇曾经在〈论绘画〉中说道：美感完全建立在各部分之间神圣的比例关系上，各特征必须同时作用，才能产生使观众如醉如痴的和谐比例。中国西画的倡导者徐悲鸿先生在《新七法》中的第二条中说的就说道：“比例准确”。平时我们说体态匀称，其中就包括了比例关系。例如正常发育的人体，头部是身高的七分之一。人在不同姿态中比例也是不同，中国古代就有立七坐五蹲三的说法。这些是概括的说法，到了具体个人的时候还要结合自身来说。
那么什么样的比例才能表达出美感呢？公元前6世纪古希腊的毕达哥拉斯首先发现了黄金分割率。
相传古希腊哲学家毕达哥拉斯，有一次路过铁匠作坊，被叮叮当当的打铁声迷住了。这清脆悦耳的声音中隐藏着什么秘密呢?他走进作坊，测量了铁锤和铁砧的尺寸，发现它们之间存在着十分和谐的比例关系。回到家里，他又取出一根线，分为两段，反复比较，最后认定1∶0.618的比例最为优美。
“黄金分割率‘其实是一个数字的比例关系，即把一条线分为两部分，此时长段与短段之比恰恰等于整条线与长段之比，其数值比为1.618 : 1或1 : 0.618。
德国美学家泽辛把这一比例称为黄金分割律。此律的意思是：整体与较大部分之比等于较大部分与较小部分之比。如果物体、图形的各部分的关系都符合这种分割律，它就具有严格的比例性，能使人产生最悦目的印象。而人们曾通过检测人体，证明美的身体恰恰符合黄金分割律。如脐为头顶至脚底之分割点，喉结为头顶至脐分割点，眉间点为发缘点至颏下的分割点等；15个“黄金矩形”，如躯干轮廓、头部轮廓、面部轮廓、口唇轮廓等；它们都符合0.618的比值。
我国成年人体可分为较高、中等、较低三种。肩宽和臀宽的平均数为362毫米，从肩峰到臀底的高为586毫米，躯干的宽与高之比为1：1.618。如果把人体以肚脐为界分为上下两个部分，上部从头顶到咽喉，再从咽喉到肚脐；下部从肚脐到膝盖，再从膝盖到脚掌，这些上下两个部分中各自的比例关系，大体上都符合黄金分割律，即上部为3：5，下部为5：3。
人类自身的生长不但符合黄金分割率，而且将黄金分割率运用到生活中。例如报幕员站在舞台中的位置，根据黄金分割，应站在舞台宽度的0.618处。
若将屏幕的长与宽组成一条线段，取这条线段的黄金分割点，将线段分成两条线段，则屏幕的长与宽刚好接近它，所以高清晰度电视的屏幕设计成16：9。
绘画中的混色原理也是通过比例而获得美的一种绝妙原理，人们往往对色彩的调配比例是黄3—红5—青8，即:黄3+ 红5= 橙8，或者黄3+ 青8= 绿11，青5+ 红8= 紫13。这个调配量其实正符合斐波那契数列, 亦即符合黄金分割定理。
正是因为生长比例遵守了黄金分割率的特性，所以整体和局部的关系看起来才十分的和谐
视觉重心
重心是指一个物体的各部分都要受到重力的作用。从效果上看，我们可以认为各部分受到的重力作用集中于一点，这一点叫做物体的重心。从物理学上讲指物体内部各部分所受重力的合力的作用点。从视觉的角度来阐述视觉重心是人的视线接触画面，视线常常迅速由左上角到左下角，再通过中心部分至右上角经右下角，然后回到以画面最吸引视线的中心视圈停留下来，这个中心点就是视觉的重心。
视觉重心具有以下几点特性：
（1）居于画面中心。
（2）垂直或水平的比倾斜更易成为中心。
（3）被包围。
（4）相对于其它图形较大的。
（5）色感要素强烈。
（6）熟悉的图案，如果这件东西我们很熟，则一定会以它为焦点。
例如明末请初时期，八大山人中的石涛（1630--1724），他的作品《山水清音图》主要画的是黄山景色，构图取的是截景，主要手法是以实衬虚，靠画中景物的前后掩映来暗示空间。
画面中心的巨石和房屋就是视觉重心，作者处理的一实一虚，用巨石来衬托房屋，使人感觉如梦如幻。
在两千多年前，毕达拉斯学派就提出了“美是和谐”的学说。他总结出
整体与局部，局部与局部之间的协调搭配，才能够产生和谐。
古代说宋玉身材匀称，“多一分则长，少一分则短，”其中就包括他的身材比例匀称。只有比例匀称才能够在视觉上给人以和谐的美。“疏可跑马,密不透风”是国画技法中的一句话，说是疏密与度，错落有致。其中疏密错落在画面中占据多少才能够妙笔生花其中就有比例的因素。而在画面中心最引人视线的点正是均衡疏密.虚实.强弱的分水岭也就是我们所说的视觉重心。
节奏与韵律.
节奏是指运动过程中的同一种因素有规律的连续，韵律是有规律节奏的扩展。构成节奏的两个重要关系：一是时间关系，指运动过程：一是力的关系，指强弱的变化。把运动中的这种强弱变化有规律地组合起来加以反复便形成了节奏。9
例如，工地的喊的号子，音乐中的节拍。俄国的哲学家.文艺学家普列汉诺夫(1856～1918) 曾经说过：“对于一切原始民族，节奏具有真正巨大的意义”。因为他认为节奏原本从生活与劳动中形成并发展起来的。
例如表现战场上那种歌颂士万众一心，同仇敌忾那种令人精神振奋，热血沸腾节奏诗如《秦风.无衣》
浅谈形式美
什么是形式美？广义地说，它是客观事物外观形式的美，狭义地说，它是大量具体美的形式提炼、概括出来那种抽象形式所具有的美。它是相对独立的外部形式诸因素的美，即点线面、色彩、空间、构图、质材等形式因素的组合构成的审美特性。 形式美的构成因素 形式美的构成因素一般划分为两大部分：一部分是构成形式美的感性质料，一部分是构成形式美的感性质料之间的组合规律，或称构成规律、形式美法则。 构成形式美的感性质料主要是色彩、形状、线条、声音等。色彩对人的生理、心理产生特定的刺激信息，具有情感属性，形成色彩美。如红色通常显得热烈奔放，活泼热情，兴奋振作；蓝色显得宁谧、沉重、悒郁、悲哀；绿色显得冷静、平稳、清爽；白色显得纯净、洁白、素雅、哀怨；黄色显得明亮、欢乐等。形状和线条作为构成事物空间形象的基本要素，也都具有极富特色的情感表现性。如直线具有力量、稳定、生气、坚硬的意味；曲线具有柔和、流畅、轻婉、优美的意味；折线具有柔和、突然、转折的意味；正方形具有公正、大方、固执、刚劲等意味；三角形具有安定、平稳等意味；倒三角具有倾危、动荡、不安等意味；圆形具有柔和、完满、封闭等意味。声音本是物体运动产生的音响，其物理属性是振动。它的高低、强弱、快慢等有规律的变化，也可以显示某种意味。如高音激昂高亢，低音凝重深沉，强音振奋进取，轻音柔和亲切等。把色彩、线条、形体、声音按照一定的构成规律组合起来，就形成色彩美、线条美、形体美、声音美等形式美。 构成形式美的感性质料组合规律，也即形式美的法则主要有齐一与参差、对称与平衡、比例与尺度、黄金分割律、主从与重点、过渡与照应、稳定与轻巧、节奏与韵律、渗透与层次、质感与肌理、调和与对比、多样与统一等。这些规律是人类在创造美的活动中不断地熟悉和掌握各种感性质料因素的特性，并对形式因素之间的联系进行抽象、概括而总结出来的。 形式美的法则不是凝固不变的，随着美的事物的发展，形式美的法则也在不端发展，因此，在美的创造中，既要遵循形式美的法则，又不能犯教条主义的错误，生搬硬套某一种形式美法则，而要根据内容的不同，灵活运用形式美法则，在形式美中体现创造性特点。以下是关于形式美法则在不同方面的体现： 建筑形式美 一个建筑给人们以美或不美的感受，在人们心理上、情绪上产生某种反应，存在着某种规律。建筑形式美法则就表述了这种规律：建筑物是由各种构成要素如墙、门、窗、台基、屋顶等组成的。这些构成要素具有一定的形状、大小、色彩和质感，而形状又可抽象为点、线、面、体，建筑形式美法则就表述了这些点、线、面、体以及色彩和质感的普遍组合规律。 任何事物都有自己的内容和形式，没有无形式的内容，也没有无内容的形式。“形式”是指将自然形态经过人为加工而成为一种新的美的形式。作为内容存在方式的形式，包含两方面的联系，首先是内容诸要素的内部结构和排列方式，称为内形式，其次是与内部结构相关联的外部表现形态，即呈现于感觉形象的外观，称为外形式。如建筑物的结构与造型，建筑物的内部结构根据设计要求，可采用木结构、砖木结构、砖混结构、钢筋混凝土结构等，这是它的内形式；建筑物的外观造型、细部装饰、门窗柱及色彩直接作用于人的感官，这是它的外形式。事物的外形式美，总是诱发人们去欣赏它。 绘画形式美 面对一幅画，先从哪里看起呢？古人说得好：“观看之法，先观气韵，次观笔意，骨法位置传染，然后形似。”一幅画的好坏主要不在画得像不像，而在于主题能否扣住鉴赏者的心弦，给人以美的享受，使人从中受到教育、感染和启发。画得像不像只是一种手段，有的画需要像，有的画就不需要绝对像，像了反而不好。欣赏中国画一般依据南北朝时代谢赫在《古画品录》序言中首倡的“六法”，其中“气韵生动”已成为品评中国画优劣的最高标准。气韵生动是指画家借助于笔、墨、色等在画面上对于对象的本质特征的表现。这种表现不仅是对
浅谈摄影艺术讲课讲稿
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艺术美学论文
美学研究 之前虽是一名学艺术的学生，但是对美学的了解甚微。但是在学习了这个课程之后，对美学算是有了初步的认识。 艺术是美的核心对象，是美学研究的主体。美在艺术中得到最为鲜明的体现，对艺术的研究历来是美学研究的最重要的课题。从艺术上研究美，从美的角度考察艺术，是对艺术的本质，艺术思维规律，艺术作品审美结构和艺术创作的美学原理的高层次研究和哲理性研究。从美的角度考察艺术，是对艺术的本质，艺术思维规律，艺术作品审美结构和艺术创作的美学原理高层次研究和哲理性研究。从美学的角度去探讨艺术、研究艺术、创造艺术，是艺术在实践中得以不断升华，不断发展和不断创新的重要前提。因此对艺术的美学原理的研究，是艺术发展、艺术进步和艺术创新的重要任务。 究竟何为艺术呢？这是一个抽象而且带广泛性的概念。就像万事万物都具有矛盾，时时处处都存在矛盾一样。艺术也具有普遍性，社会、自然界，无处不存在艺术。我们身边充满艺术。比如说我们手中的一支笔，一本书是艺术，窗台上的一盆花是艺术，画家手中的一幅画是艺术，书法家所写的每一个字都是一门艺术。就我们穿的衣服，我们头上的发型，我们的举手投足都是艺术。然而，这些艺术是需要加工、创造的。比如说一幅模具，全是经过设计师的精心构想，设计加工而成的。一幅画是经过画家认真仔细的创作而成的。它凝结了画家辛勤的劳动；一句话是经过说话人动脑筋思考之后才说出来的。同是一句话不同的人说出来是不同的效果，同一个人用不同的方式或不同的语气说出来也是不同的效果。因此说艺术是需要加工的，创造的。而有些艺术实体并没有加工和改造的载体而要艺术家通过自己的臆想去主观创造，去虚构和设计。比如小说创作，有的小说人物形象故事情节完全是虚构的。可以看出，“艺术是艺术家凭人工创造的某种对象”。艺术描述的不是已发生的实有的事，他是一种创造，它可以而且应该虚构。 那么，何为美学呢？要知道何为美学，首先必须明确什么是美？美无处不在，秀丽的山川是美，无限的草原是美，奔腾的河流是美，辽阔的海洋是美，在大自然的怀抱里，在社会生活的领域中，在文学艺术的殿堂内，到处都有美的存在，到处留下美的踪迹。 有的人认为美是观念，是主观感受的产物，事物之所以美，是因为人感到它美。有的人认为美是形式，对象的美，美就在于形式各部分之间的对称、和谐及适当的批例等。认为美观念完全否认了美的客观存在，认为美是形式对象的美虽然从事物的客观属性方面来寻求美的根源，但却离开了人的社会生活，忽视了人的社会实践，忽略了人的主观臆断和主观感受。把美仅仅归结为事物的某种自然属性。可以说，这些观点都是不科学的，要洞察美的本质，定义美的概念，就必须从客观实际出发密切联系人类丰富的审美活动。从人类丰富的审美活动中去探索美的本质。那么，美是什么呢？美在哪里？在于物，在于心？美是物的客观属性，还是人的主观意识？美既不在于物，也不在于心？美是物的客观属性？还是人的主观意识？美的根源深深地隐藏在人类的社会实践中，是人类在实践中逐渐形成和发展起来的。而美的根源在于人的本质力量的对象化。人的本质力量是指人的自由自觉的生活活动。而人在各种创造性的活动中所显示出的品质，性格、
摄影与影视艺术欣赏学术论文
摄影与影像艺术欣赏论文 这学期我们开了一门摄影与影视艺术欣赏的选修课。课程设在每周二晚上，开始我对这门课程的安排并不是很满意，因为它设在周二的晚上，而周二晚上学校的活动很多，这便与我们参加活动形成了冲突。可是，自从上了这门课，我觉得还是蛮值的，它让我对摄影产生了热爱。 记得第一次课，老师开始给我们介绍了一下这门课程，后来又放了几部电影的片段，其中有一部非常经典并且很感人的一部影片，我想这部片子应该人人皆知吧。那就是《泰坦尼克号》，那个画面呈现在我们面前，依然那么感人，它那里面的声音拍摄出来也给人一种很真实的感觉，但老师说那是人工合成的声音，虚拟的声音，这足以显示当今社会的技术之发达。同时老师也放了好多片段，主要是给我们介绍拟声的，他说有很多影视作品里的有些声音听起来虽然真实，但是那些摄影师们在真实的环境中，想要捕捉这样真实的声音真的是很困难的，所以，人们通常借助现代科技，通过人们对那些事物的熟悉度，来人工模拟出来的，虽说是通过人工模拟合成的，但是还是很真实。所以，真的要感叹一下，摄影艺术是多么的神奇啊。它将现实社会拍摄的惟妙惟肖，真的让人为之叹服。 大家还记得吗？让我们最熟悉不过的无声电影？卓别林。卓别林自小与母亲相依为命，虽然母亲在小舞台上做歌舞演出，但收入很少。卓别林也进入了演艺界，并且受到欢迎。不过他不以此为满足，又到美国发展，从此与电影结下不解之缘。他丰富的肢体语言使他在整个默片时代成为备受瞩目的风云人物。卓别林最出色的角色是一个外貌流浪汉，内心则一幅绅士气度、穿着一件窄小的礼服、特大的裤子和鞋、戴着一顶圆顶硬礼帽、手持一根竹拐杖、留着一撇小胡子的形象。在无声电影时期卓别林是最有才能和影响最大的人物之一。他自己编写、导演、表演和发行他自己的电影。从在英国的大剧院作为孩童演员登台演出到他88岁高龄逝世他在娱乐业从事了70多年的生涯。从狄更斯式的伦敦童年一直达到了电影工业的世界顶端，卓别林的一生是20世纪最引人瞩目的一生之一，他本人成为了一个文化偶像。他一生中私生活和公众生活的高高低低受到了有些人的高度赞扬，也受到了其他一些人的严格批判。而那天课上老师给我们放的是1936年的摩登时代这部影片，让我们感受到了那个时期工业革命的发展成果。他的作品具有独特的艺术风格，他的喜剧性的表演令人捧腹大笑，但是又使人笑后感到泪水的苦味，充满了对受压迫受欺凌的人们的同情。他的影片大部分由他自己编导、自己主演、自己配乐。他既擅长表演粗放的滑稽，又善于表演微妙的讽刺。 有一天，老师放了一部关于小熊的电影，这让我记忆犹新。那部小熊的电影，让人看了十分感动。这部片子讲的是，一个刚出生的小熊，依偎在妈妈的身边，等待着妈妈觅食给自己，开始的那一幕真的让人有点寒心，母熊在蜜蜂窝里一个劲的啄食，然后给小熊吃，小熊也时不时的去帮妈妈的忙，突然，危机出现了，蜜蜂窝上面的石块开始松动了，开始母熊已经有感觉了，可是她并没有把那当回事，继续努力的啄食着。可是不幸真的发生了，摄影师将那悲惨的一幕呈现在我们面前，血腥的情节让我们部忍心再看下去，有的同学纷纷闭上了眼睛，只听那块巨石从高空坠落，恶狠狠的砸到了母熊的头上，母熊顿时失去了生息。小熊呆坐在旁边，还没有来得及感觉情况，悲剧就发生了。它看着母亲就那样被大石压着，不动声色，这时它才感觉到了事情不妙。它极力的去帮石头挪开，可是面临着石头，它太渺小了。这时摄影师捕捉到了最真实的一幕，小熊流泪了。它不停得在母亲身边转动，它依然期待着母亲能够醒来，它就这样，不知不觉，天黑了，它就依偎母亲身旁，伴着哭泣声睡着了，当然我知道这哭泣声是摄影师们合成，但它却真实的反映出了小熊当时无助，可怜，痛苦，孤独的内心世界，这让我们对小熊顿生了同情之心。。。。。。 一部带血的纪录片《海豚湾》，引发人类关于生态问题的终极思考。电影讲述一群反捕杀海豚志愿者赴日本实地拍摄揭露当地渔民捕杀海豚行为的故事；主题是揭露包括国际捕鲸
浅谈摄影艺术语言的创造与提炼
浅谈摄影艺术语言的创造与提炼 摘要：随着如今人们对于生活艺术品质的有了越来越深刻的追求，在生活中摄 影艺术的魅力展现在一定程度上体现着人们对于艺术的热爱，在当今先进摄影电子设备不断完善和进步的同时，人们对于自身摄影艺术的要求也逐渐提高。本文中先简要阐述了摄影艺术的发展，随后分析了摄影的艺术表达与创造，最后对于摄影艺术的语言运用和提炼予以了全面的探究。 关键词：摄影艺术；创造；提炼 前言 摄影艺术也可以说是一种瞬间艺术，通过瞬间影象表现出真实的图像内容，也就是把思维、判断和构想在瞬间实现。面对被摄体，通过距离、接触、本体以及内部感觉等等，从而产生摄影艺术情绪的冲动，从而抓住生活中足以引起某种艺术感受的主题联想的刺激物，在大脑中迅速过滤、定位，并充分调动摄影艺术的语言，利用光线、色彩、取舍、构图、对比、虚实、夸大、压缩等，加大影像语言的程度和强度，并调配好需要的情绪色调，把它深刻的表现出来，这就是摄影艺术语言表现的根本所在，也是摄影艺术的魅力之处。 1.现代摄影艺术的发展 在目前很多的当代艺术表达中，摄影艺术可以说是其中最为年轻的之一，摄影的产生都源于近代科学技术的发展。自从1839年发明摄影这门技术，再到19世纪末期产生的绘画派摄影、纪实摄影以及肖像摄影。从那以后，摄影艺术的发展开始越来越明朗。可以毫无疑问的认为摄影技术的发展决定着是摄影艺术发展的前提。摄影器材的不断改进和完善，尤其是近几年摄影技术和设备的快速发展和更新，为摄影艺术发展提供了坚实的基础。而在摄影艺术发展过程中，它与当今社会的艺术潮流和思想潮流有着非常重要的联系。 在如今摄影艺术语言的不断丰富和完善和摄影艺术表现形式日益多样化时，使得摄影者们的技术手段不断地变化到最终走向成熟，因而摄影艺术的流派也随之而产生了。要想认识摄影艺术的发展，就有需要进一步了解摄影艺术的流派，摄影流派是伴随着历史而产生、发展和消亡的。此外就是流派与风格的概念的区别，在平时，常常将流派与风格并提，但流派是指群体的，而风格则是指个体的。纵观摄影艺术史的流派，大致有以这些：写实主义摄影、绘画主义摄影、印象派摄影、自然主义摄影、抽象摄影、主观主义摄影和超现实主义摄影等等[1]。 2.摄影艺术的语言创造与表现 摄影艺术属于造型艺术中的一类，通过视觉感官来展现。这和美术绘画的静止性、空间性和造型性等的相似之处的存在的原因是摄影艺术也是平面空间的表达。然而，摄影艺术是一定要面对真实物体的，这就是所谓的“现实中实体再现”，也是与美术绘画的差异所在。无论是任何一种艺术都一定特有属于自身的语言，而对于摄影艺术来说，它的艺术语言是依赖光线、线条、影调、色调和空间感等构成它造型语言。正是通过这些语言来构建成摄影的艺术魅力。这些摄影艺术语言利用其独特的形式表达给人以真实的感官思维，运用色彩、光线、影调等语言
浅谈对摄影的认识。。
浅谈对摄影的认识 一段文字可以记录一个故事，一段声音可以讲述一个故事，而一张孤零零的图片却只是故事里某个瞬间的再现，这样的瞬间呈现叫做摄影。摄影一词是源于希腊，意思是“以光线绘图”。摄影是指使用某种专门设备进行影像记录的过程。有时摄影也会被称为照相，也就是通过物体所反射的光线使感光介质曝光的过程。 有人说，摄影家的能力是把日常生活中稍纵即逝的平凡事物转化为不朽的视觉图像。是的，摄影既能真实纪录客观世界一切事物，也能完成人类想象中最具有创意的表现。 摄影师能够还原瞬间真实的再现。严格意义上的摄影无疑是真实的，由于摄影师心中的悸动而促使他把眼中的真实保留下来，这个过程是去功利化的。而且作为第三只眼睛的镜头是没有丝毫偏颇的。就算拍出的照片有优劣之分，那也是当时的光线、景物、角度等因素造成的结果。摄影是一种瞬间的真实，它反映的不是一个准确无误的故事，而只是故事中的一个场景。这样的真实有无限多个过去，有无限多个未来，当它孤零零地摆在那里，很少有人能猜出整个故事的全面真实。然而这样的真实性还是拥有巨大的魅力的，一方面观者希望看见这种真实，这也就是为什么电视这种视听媒介比报纸、广播更大众化的原因，因为它对真实的还原度更大，至少看起来是这样的。另一方面，使摄影更迷人的原因也许就是它本身的不完整性吧！这种片面的真实往往是一种悬念、一种诱惑，引起人们无限的猜测和向往。
摄影是一种向善的诉求。美学中有移情之说，摄影中同样有移情的存在。事实上，摄影大部分时间是在把他者“我化”，当你看到小路旁一朵漂亮的花儿，当你看到夕阳下牵手散步的老夫妻，当你看到草坪上亲密无间的母女…如果你手中刚好有摄影设备，你无法控制自己不去把她们拍下来装进永恒。摄影是人性之善的外现，是一种美的冲动。再或者，当你看到满目苍夷的灾难现场，当你看到悲伤失望、充满不安的人群，当你看到残暴血腥、不忍一睹的场景，你会因为心中悲伤而举起相机，对这样的瞬间的凝固，是你对镜头里“他者”产生悲悯之情的体现。同样的，一张引起轰动的摄影作品，之所以引起观者的共鸣，必定是因为它从正面或反面提出了向善的诉求。人无法对不能引起自身情感触动的事物产生关注，对于一个摄影者而言，让他打开镜头凝固眼前的事物必定需要一个理由，而这个理由就是把他者“我”化过程中的触动，而这种触动，触及的是主体一条向善的神经。 摄影也会造成美的假象。摄影追求的是一种瞬间的永恒与不朽，正如世间万物没有不消逝的一样。这种永恒和不朽理所当然的是一种假象。没有不凋谢的花朵，没有不老去的美人，摄影却妄想把种种的美种植到相框里。当人们沉浸在这种永恒的美的假象里时，作品的现实里的主体已经不见了，已经被人们遗忘了。在这个过程中，能指与所指已经严重脱离互不相干，摄影之初震撼摄影师的那种真实之美已经被一种假象之美所代替。这种假象之美是经过了观者的注视和理解、经过了时间的流逝、经过了空间的变迁之后所产生的。能指与所指之间的距离越来越远，作品折射出的情感意向早已被观者的主观倾
浅谈戏曲形式美
浅谈戏曲形式美 在世界戏剧表演艺术三大体系中，中国的戏曲艺术独具一格，有其自己的特色。除了程式化，虚拟化等这些审美特征外，戏曲艺术还特别注重形式美。 任何事物，都有其内在和外在形式。所有的舞台艺术都讲究一定的形式美，再好的内容，也要有好的、美的形式来包装，这一点，戏曲艺术尤其如此。戏曲艺术注重形式美，不仅体现在化装服装，舞台美术等方面，也体现在演员的表演上。 中国戏曲表演是唱、念、做、打的综合艺术，特点是溶歌、舞、剧于一炉。其实，一切舞台表演艺术（如话剧，歌剧，舞剧，杂技等）都是时间艺术和空间艺术的综合，在其表现手段上都或多或少地综合着几种艺术美。但中国戏曲艺术，却有它自己独特的美学个性。首先，戏曲艺术它几乎溶合了包括语言、诗词、音乐、舞蹈、雕塑、武术、杂技、绘画、工艺、建筑等一切的艺术美。任何一种表演艺术，都没有象戏曲这样，把自己的形象全部溶化在如此丰富多彩的艺术美之中。其二、戏曲艺术所综合的诸美，其中有些环节虽然有其一定的客观独立性。但戏曲不同于其它表演艺术形式的是，在戏曲舞台艺术上，每一种艺术美，都被溶化到表演中来，成为塑造形象的直接手段，成为形象本身。其三，在戏曲艺术的审美活动中，戏曲艺术和它的受众都特别地注重形式美。而且形式美贯穿于戏曲表演艺术的始终和各个层面。 一、语言形式美 话剧和戏曲都是通过语言来表现思想情感、塑造人物的。但戏曲和话剧不同，话剧的语言关键要规范化，而戏曲的语言
和语音却是丰富多彩的。我国的戏曲剧种众多，构成各个剧种除了音乐，其中最大的区别就在于语言。各种地方戏曲，都有各自的语音美。它们或悠扬，或豪爽，或俏丽，或激越…… 这些各不相同的语言，到了戏曲舞台上，它们便和同是舞台表演的话剧不同，戏曲语言的念白，它的表现形式特别讲究吟诵美。此时它的音韵和生活中的话语很不一样，它讲究抑扬顿挫，四声的抑扬回旋，声音的韵律节奏。 很多剧种都有两大声系的念白，如京剧的念白分为韵白和京白，黄梅戏的念白分为大白和小白等。京剧的京白和黄梅戏的小白，都是比较生活化的语言，音调也很接近生活化。但韵白和大白就不同了，它的声调比较夸张，吐字讲究“喷口”，分清“尖团”，严守“出声、行音、归韵”，依照“突阴平，抑阳平、回旋去声、扬滑上声”这一处理语音语调的艺术规律，进行拖腔行韵。 “千斤白，四两唱。”从这个话里可见戏曲对道白的重视程度。戏曲的语言，不管你表现的是什么内容，表现什么情感，但首先一条，你语言道白的外在形式一定要美，给人以极强的感染力。 二、音乐形式美 语言和音乐结合，便产生了剧种音乐。戏曲音乐是剧种的生命，失去了这个剧种的音乐，就没有这个剧种了。这一点和话剧电影不同，后者只是把音乐作为某些场景的配乐、插曲，音乐基本上还是客观的，主要起烘托气氛的作用。而在戏曲表演里，它是塑造形象直接的和主要的艺术手段。 戏曲音乐又分为声乐和器乐两大部分。 声乐当然就是指剧种的唱腔了。“言为歌之本”。这一点，
美术作品的形式美
美术作品的形式美 任何事物都有自己的内容和形式，没有无形式的内容，也没有无内容的形式。作为视觉艺术、造型艺术或空间艺术的美术，总是通过一定的艺术形式如线条、色彩、空间、构图和材质等形式要素及其组合关系构成的形式美作用于人的感观，使人们透过艺术作品的形式认识其内容，获得审美的感受。如果说美术创作过程是从内容到形式，那么美术鉴赏则是一个逆向过程，即从形式到内容，前者的终点成为后者的起点。美术作品的内容和形式具有历史性与时代性，它不是固定不变的，随着时代和生活内容的变化，美术的形式也在不断变化，在继承、借鉴旧有形式的基础上产生出新的艺术形式。 那么，什么是作品的形式呢？形式，是指构成事物诸要素的结构和显现方式。“形”即称“原形”，包括原始形、自然形；“式”指“法式”、“法则”。“形”是自然的，“式”是人为的。“形式”是指将自然形态经过人为加工而成为一种新的美的形式。作为内容存在方式的形式，包含两方面的联系，首先是内容诸要素的内部结构和排列方式，称为内形式，它是尚在美术家头脑中的反映形式、精神形式。其次是与内部结构相关联的外部表现形态，即呈现于感觉形象的外观，称为外形式。内形式直接体现事物内在要素的构成关系，因而与事物的内容紧密相关。事物的外在形式具有独立审美价值，而形式美则是美的事物的外在形式所具有的相对独立的审美特征。内形式与外形式好比建筑物的结构与造型，建筑物的内部结构根据设计要求，可采用木结构、砖木结构、砖混结构、钢筋混凝土结构等，这是它的内形式；建筑物的外观造型、细部装饰、门窗柱及色彩直接作用于人的感官，这是它的外形式。事物的外形式美，总是诱发人们去欣赏它。形式美具有抽象性，因而具有某种朦胧的审美意味。原始图案，如鱼、蛙、虫等，经历了一个由具象到抽象的转变过程，人们从图案上点线面的组合关系及几何纹样的变化中很难看出有什么明确的社会内容，获得的仅是审美意味。现代英国美学家克莱夫·贝尔用“有意味的形式”来解释图案的形式美是有一定道理的。实际上这种抽象的图案是人类在实践中积淀了丰富的社会内容，以至逐步脱离了原来的内容而形成的。
艺术原理论文
北京电影学院艺术硕士MFA研究生2013—2014学年第1学期 《艺术原理》课程论文 任课教师：陈晓云 系别：文学系 研究方向：电影剧本创作 学生：李非非 完成时间：2013年11月20日 艺术的语言与电影艺术 成绩： 评语：
谈到艺术这个词，就让我们不禁联想到美。它的美是通过它自己独有的语言来向外界表达的。 我理解的艺术语言，是指：任何一门艺术都有自己独特的表现方式和手段，运用独特的物质媒介来进行艺术创作，从而使得这门艺术具有自己独具的美学特征。这种独特的表现方式或表现手段，就叫作艺术语言。它有两个基本要求：（1）准确地体现本门类艺术的特点； （2）表现艺术家的独特个性和创造精神。 艺术是众多语言中的一种，它可以表达我们心中的想法，喜怒哀乐，一种情怀或者某种感情。 艺术是语言，它不是学问，不是宗教，更不是职业。说它是学问是对它的尊崇给它地位，说它是宗教是对它的神秘不解给它神化，说它是职业是对它的亵渎。在学院派眼里艺术是学问，永远有太多的需要探索；在凡高心中艺术是宗教，让处于苦难中的灵魂得到解脱；在业外人士看来，艺术是职业，对他们来说艺术是属于特定的人——艺术家。 艺术只是语言，语言的学问、语言的宗教、语言家的职业，不同于大多数的语言，越是简单的东西越是让人难以理解。 艺术绝对是语言。语言，文字，音乐，美术，舞蹈、电影等等，这是艺术，是艺术的种种形式，用它能表达出我们的感情，不是吗？作家在写作的时候不只是希望能写好吧？要写的很美、很流畅、力求表达自己的想法，达到意境中追求的那种效果。诗人用心去体会，利用文字去描述，文字又是什么呢？书面的语言，文学语言，艺术语言的一种。歌者利用歌声去抒发，画者则利用美术去描绘，舞者利用自己的身体作为语言。我们在追求表达的东西，不就是我们心中的那些感情和感受吗？艺术正是提供了这种便利，它只是种语言，只是个载体，我们才是创造的主体，真正艺术的，是人，有了工具，人们追求美好，追求梦想与力量的心愿得到了实现。 艺术是一个很大的领域，可以区分为十几种门类，如更细致一些甚至可以区分为几十个品种。要想在这么多的艺术门类中都成为行家，成为高明的鉴赏专家，几乎是不可能的。因为人的精力、才能、生命都是很有限的，不可能成为“全才”。因此，我们要有重点地把握一两种艺术门类是必要的。同时，要求我们的审美眼光开阔一些，多涉及一些艺术门类，多掌握一些艺术语言，还是可以做到的。对多种艺术门类都略具一定的欣赏能力和趣味，也还是可能的，而且是有益的。特别是音乐、舞蹈、绘画、建筑、雕塑等几种门类，在深层意义上是相通的。它们有各自的艺术语言，如音乐中的节奏、旋律，舞蹈中的人体造型、动作、绘画中的色彩、线条等，可以阐发自身之外的其它门类，所以我们欣赏建筑，很容易联想到凝固的音乐；我们欣赏绘画很容易联想到定格的镜头：我们欣赏舞蹈，又容易联想到流动的雕塑。在观赏战国青铜器《鸟盖瓠形壶》时，从它那弧形的轮廓和上收下放、略带倾斜的体形，可能使人联想到姑娘舞姿中轻盈的腰身和衣裙，
浅谈摄影艺术的形式美
浅谈摄影艺术的形式美 艺术的目的，是通过表现手段创造美的作品，现实生活的美，经过艺术家的反映、加工，提炼而产生艺术作品。美的事物是内容与形式的统一体，它必须具有目的性，规律性的内容，。摄影艺术和其它艺术一样是人类创造审美价值的实践活动。它利用其特有的视觉可以感受的艺术形象来对现实生活进行独特的审美反映。任何艺术虽来源干生活，但又不是生活的简单复制品，所谓“按照现实生活本身的 面貌来反映生活”，并不是要求机械地再现现实生活中个别对象的外貌。哲学家 黑格尔就坚决反对“把对外在现象的单纯模仿作为艺术的目的”。摄影是用具有鲜明具体的可视的艺术形象反映生活，在艺术创作中不仅要努力选择那些最能反映事物的本质特征，最富有艺术表现力，最能激动人心的生活场景和细节，而舍弃一切无助于表现创作意图的不必要的东西。而且要在这种选择的基础上加以提炼、概括和创造。摄影艺术是审美的艺术，随着时代进步，摄影艺术也随人们审美能力和审美要求变化、发展。单凭熟练的摄影技术、技巧是远远不够的。要想获得成功必须将摄影技术技巧与摄影艺术美有机地融合在一起，在摄影艺术作品中体现出构图美、光线美、造型美、线条美、影调美和色彩美等。风格、手法的多样，作品能否使人感动．缘于作者审美意识的深度，思维的活跃与感情的变化等。我认为还应有“慧眼”，应该用眼去发现，用心去感受．用情感去溶合，用脑去思考。只有这样，拍摄出的摄影作品才能真正地称得上是摄影艺术作品，才会有个性，有感染力．根据摄影学习、作品观赏和创作实践，就此谈谈初浅的体会。摄影艺术的形式美，什么是摄影艺术的形式美?这是一个不容易表达清楚的精髓，它的规律以及在摄影创作中的意义和作用，也是值得探讨的问题。
浅谈形式美与艺术美(论文)
浅谈形式美与艺术美 爱美之心，人皆有之。自古以来，美在生活中扮演着不可缺少的角色。到了现代，人们更是将“美”变成了生活中重要的组成部分。是啊！既然“美”是在人类追求的精神享受，那么什么才是美呢？由于每个人所处的经济地位不同，自身文化修养的高低，还有各地风俗习惯的差异等，种种因素导致了每个人的审美观点不同。有的人喜欢那巍峨的高山，因为只有站在峰顶才会发出“会当凌绝顶，一览众山小”的感叹。有的人喜欢那波澜壮阔的大海，以内那惊涛拍岸，海天一色的景致会使人心旷神怡。还有的人喜欢色彩斑斓的夕阳晚景，因为看着那太阳从西边落下的时候，会让人不自觉的回忆起从前的时光。无论是高耸入云的山峰，波澜壮阔的大海，还是那色彩斑斓的夕阳。这都是源于人们在生活中的积累，才使我们逐渐的发现了美，进而产生了美学思想。直到近代最早使用美学这个术语作为一门学科名称的，是被称之为美学之父的德国理性主义者鲍姆嘉通（Baumg arten1714---1762).他是普鲁士哈列大学的哲学教授。他继承了莱布尼茨和沃尔夫等人的理性主义哲学思想并进一步加以系统化。美，需要基本的表现形式及法则才能将美的朱笔表达出来。像本文前面所提的山峰.大海和夕阳。就是形式美和艺术美的完美体现，才给人以无限的遐想。我认为形式美与艺术美的法则有以下几条： 形式美法则： 1.对比与统一 2.对称与均衡 3.比例与视觉重心 4.节奏与韵律 5.和谐与自然 艺术美法则： 1.意境与意象 2.美的灵魂及其原动力 先说形式美的法则： 1.对比与统一 对比与统一，顾名思义就是将两个反差极大的要素，成功的搭配在一起。虽然让人感觉对比鲜明强烈，却并不相互矛盾。 对比（对立） 例如，色调中的冷色调与暖色调的对比，生活中的大与小，长与短，高与矮。季节中的冬季与夏季，春季与秋季等。 统一（调和），就是将各种差异因素调和在一起，形成一个整体。 调和是在差异中趋向与“同”（一致），对比差异中倾向于“异”（对立）。调和是把两个相接近的东西并列。例如色彩中的红与橙.橙与黄.黄与绿.绿与蓝.蓝与青.青与紫.紫与红.都是临近的色彩。2 在现实生活中，将两种差异因素巧妙的结合在一起，会让人感觉鲜明.活跃.主题突出却不失整体。 例如，在音乐会里，一首乐曲的高音与低音，长声与短声的巧妙搭配会让听众发出“此曲只应天上有，人间哪有几回闻”的感叹。 唐代诗人陈陶写的《陇西行》
美学论文《论艺术美》
论艺术美 艺术美是人类审美的主要对象，是美的高级形态，它存在于艺术作品之中，是艺术家对生活的审美观点、审美情感和审美理想与现实的美、丑、不美不丑、亦美亦丑特性在艺术形象中的结合，是艺术家创意的物化形态。它的本质和社会美、自然美一样，也是人的具有积极社会意义的内在精神的感性显现。 对艺术定义的理解，可以体现在对艺术品的把握上。艺术品可以通过与非艺术品的区别来定位，而一些艺术定义的成果可以帮助区别艺术品与非艺术品。真正的艺术品，首先必得当得人们在“艺术品”的本义上直接的指称。进而言之，对艺术品与非艺术品的区别，首先必须分清本义上的“艺术品”和其他意义上的“艺术品”；其次必须在本义上比较不同物品，把握被人称为“艺术品”的事物与其他事物的区别。 “艺术品应是感性的精神性的人工制品”： (一)艺术品应是人工制品 艺术品从根本上是人的实践性产品，艺术品是一种人生现象、社会现象。艺术品必须经过人的行为才得以成立、得以认定，这一特性，证明了艺术家和艺术家实践的必然性，艺术必须包含人与实践，艺术品的意义与人的实践有关。 (二)艺术品应是精神性的人工产品 在艺术的诸多定义中，无论是“游戏说”，还是“表现说”、“符号说”等，无不认识到艺术品在一定的形式上承载的意义是对应于人类的精神活动和精神需要的。此处，精神性不是指艺术品纯粹存在于人的头脑中、意识里而不需要任何物质的东西，而是指艺术品的各种质素必须是精神性的或是可以转化为精神性的，它们不是赤裸裸的、有限性的肉体欲望和功利性。 (三)艺术品应是感性的精神性的人工产品 人的精神至少可以区分为感性和知性。一是具体的，一是抽象的；一是遵从感性运作规律的，一是遵从以形式逻辑为主的知性思维规律的；一是获得以意象为主要内容的结果的，一是获得抽象的规律等成果的。值得注意的是，“感性”是精神性的，它不同于有限的、功利的欲望。 在探讨了艺术品的定位之后，还需要分析作为艺术存在流程第二个环节的艺术作品的基本特征。艺术作品一方面是艺术创作活动的终点、成果与超越，另一方面又是艺术鉴赏活动的起点与基础，因此，在完整的艺术活动中，艺术作品处于中介和桥梁的位置。 首先分析艺术作品的一般层次结构，在此基础上进一步探讨艺术作品的风格和形态问题。，艺术作品作为艺术家审美活动的产物，必然要以一定的物质媒介和审美意象，来表达艺术家在自己的人生实践中所体验和把握到的人生价值和意义。因此，我们既不能像形式主义者那样切断艺术作品与现实人生的联系，也不能像传统的社会学研究那样把作品与现实的关系等同于一种认识活动，而应该从本体论的角度把作品与艺术家的人生实践联系起来。这样，作品所表达的内容就不至于和现实生活混同起来，因为它不是对于现实生活
中国画的形式美在西方油画中的应用
龙源期刊网 https://www.360docs.net/doc/8c16686535.html, 中国画的形式美在西方油画中的应用 作者：李轻舟 来源：《环球市场》2017年第08期 摘要：绘画是造型艺术中非常重要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形态等艺术语言，通过造型、加色和构图等艺术手段，在二维空间（即平面）里塑造出静态的视觉形象，以表达作者审美感受的艺术形式。绘画的种类很多，从地域上区分，分为东方绘画和西洋绘画，东方绘画主要是中国水墨画，西洋绘画的代表指的是西方的油画。中国画又称为水墨画，其发展历史悠久，在世界绘画领域中独树一帜，是我国绘画体系的主要流派。而西方的油画艺术，对于世界绘画领域的影响是最大的。 关键词：中国画；形式美；西方油画 纵观20世纪的中国美术发展史，就是一部批判、继承本民族的传统艺术文化和吸收、借鉴现代西方艺术思潮的历史，西方现代艺术追求的抽象神似，与中国的书法与写意绘画有着异曲同工之妙，都是对主观精神的表达，而中国画胜在更注视其中的意境深远，与用笔的经营。 1 中国画的艺术表现特征 1.1 在工具材料上 中国画是用毛笔、墨在宣纸、绢帛上作画的，它讲究笔墨，着眼于用笔墨造型。笔又分为硬笔、软笔、兼毫笔，绘画过程中，根据笔的硬度与韧性，绘画的对象特征来选择笔的应用。墨分为油烟墨和松烟墨两种，这两种墨用法不同，作画时一般用油烟墨较多，松烟墨黑且无光泽，多用于书写，绘画中偶尔用其来作黑紫的底色。国画的用纸主要是宣纸和绢，宣纸因其吸水性好，容易渗化，用水一旦稍多就会淹，也正因为宣纸具有这种特性，在国画创作时，画出来的墨色浓淡错落有致，富有变化，能够充分的发挥中国画特有的表现力和笔墨技巧。 1.2 中国画是我国的优秀传统文化 集诗书画印于一体，表现意义深厚含蓄，笔墨技法变化丰富，有着明显的民族化的表现特征。在表现方法上，中国画采用一种散点透视的方法，首先中国画追求神似，这是中国画画家的一项作画准则。在画面的构成上，中国画讲究诗、书、画、印交相辉映，形成独特的形式美与内容美。中国山水画更多地依靠虚实、遮挡以及不规范的大小比例关系来暗示行云、流水、山石、树木的空间，而使得对自然的表现更加肆意、主观、淋漓尽致。山水在我国文人艺术家的心目中一直是一种纯粹而重要的精神象征。人物画是中国画中的一大画科，人物画的创作需要表先出任务的精神气质，提倡“以形写神”。力求表达出任务的个性，逼真传神，形神兼具，气韵生动。 2 在绘画中形式美的应用
影视欣赏论文
社会影视鉴赏论文 选 修 课 院系：电子计算机系 专业：电气自动化 班级：电气101 姓名：霍翠翠 学号：20101188 日期:2012-5-23
浅谈电影与文学的关系 通过上选修课（社会影视文学鉴赏），我有很多收获，今天想谈一下电影与文学作品的关系。首先何为文学，以语言为手段塑造形象来反映社会生活、表达作者思想感情的一种艺术。起源于人类的生产劳动。何为电影文学，电影文学是一个多层次的复合概念。其艺术学的概念内涵，指在电影发展过程中发展起来的与戏剧文学等传统文学类型并列的一种新兴文学类型。在电影艺术的发展道路上，作为综合艺术的电影在汲取诸种艺术养料丰富自身综合特质方面，获得与文学的密切融合关系。文学各种样式对电影的渗透，电影对文学的叙事手法、抒情手法和塑造人物性格的丰富艺术手段的借鉴，使电影艺术在增强自身的表现能力，形成新的综合艺术特质方面，发挥作用。电影文学作为电影的文学基础构成，是以电影的独特视听思维方式来构思和写作的文学形式，兼有电影和文学的双重属性。电影文学，集中表现为电影的剧作基础，即电影剧本。电影剧本包括文学剧本、分镜头本和台本（工作台本、完成台本）三个部分。电影文学又指电影作品的文学性含义，包括电影剧作的文学价值、电影创作借鉴与融合的文学形式因素、电影剧作的文学个性等等。电影文学，还直接和经常反映在电影对文学作品的改编方面。 在文学与影视的关系上，把文学作品改编成影视剧，一直以来都是人们讨论的热门话题。从传播形式来看，影视剧和文学名著是两种不同的艺术。较之影视，经典名著的历史更为长远，但在文字具备文学本质功能的时候，它的作用和现代的影视艺术却十分近似，作为
艺术摄影论文
艺术摄影论文 一：浅谈艺术摄影用光技巧的重要性 光与影这两者具有非常密切的联系，不管是自天还是夜晚，影子都会因为光的存在而 存在。在现实生活中，光表现得较为现实，在此种背景下，光与影的完美组合成功的转移 了人们的注意力，也影响了人们对事物的准确判断。在摄影过程中，摄影师要借助自身的 艺术修养，通过光影技术等多种手段来达到较好的艺术效果。 一、摄影艺术的概述 所谓摄影是指借助镜头来表现真实画面的艺术媒介。从这一点来看，摄影媒介不能将 自己诊释出来，正因为如此，这种艺术介质影响着人们对摄影的看法。我们平常所看到的 照片具有明显的真实性。摄影师借助照片将真实的场景呈现出来，与此同时摄影师也具有 表现真实场景的欲望。摄影摄像技术借助不同的形式来持续、分化其所涉及的领域。 二、光线对生活与拍摄的影响 一拍摄的整体效果受到光线的影响 从物理学的方面来讲，照射在某一物体表面的光线、物体本身的反射能力都会影响着 某一物体本身的亮度。比如:一块黑色的抹布，虽然这块抹布自身具有较弱的反光能力， 但是如果将这块抹布放置在强烈的光线下，此时这块抹布的亮度值会增加。经过实践证明，拍摄对象在不同的光线中，所呈现出来的亮度是不同的。究其原因在于由于主观光线与客 观光线的影响，因此所拍摄的对象所呈现出来的结果是不相同的。在整个拍摄过程中，某 一种因素都会影响着亮度值。因此拍摄对象的最终效果会受到亮度值的影响。 二摄影过程中，光线的季节变化 我们都知道，太阳的位置会随着时间的变化而变化。因此照射在被拍摄物体上的光线 也会随着太阳位置的变化而发生变化。由于角度的变化，此时被拍摄物体表面的阴影与质 感会发生变化。通常情况下，最适宜的拍摄时间是从1o点到14点这一段时间;最合适的 采光角度是被拍摄物体上方的4-5度左右。虽然有时候所用的测光是相同的，但是由于所 选择的角度并不相同，因此所呈现出来的阴影却是不相同的。如果摄影师所采用的角度是 高角度，那么所呈现出来的阴影较短;如果摄影师所采用的角度是低角度，那么所呈现出 来的阴影较长。在拍摄过程中，摄影师要根据环境、季节、时间等因素来运用好光线。 三光线的软、硬区分 从光质的角度上来讲，可以将光线分为软光与硬光这两种。软光是指不会产生明显阴 影的光线。比如:阴天时候的光线就是软光。由于光线并不能直射到物体上，因此阴影部 分与受光部分会形成较小的反差，因此能见度较高的阴天往往是最佳的拍照时间。硬光是 指没有云彩遮挡下太阳光，又或者是人造光。比如:照明灯等。在直线光线的照明下，阴
浅谈现代油画的形式美
浅谈现代油画的形式美 形式美就是现实形象或艺术形象的形式之美、它包括构成形象的色、线、形、音、这些形式因素有规律的组合的美。形式美是一种具有相对独立的审美对象，而油画作品的艺术形式美对构成的规律和语汇的探索是不可回避的课题，同时也为油画的艺术创作活动提供了广阔的空间。 与其他艺术形式相比，油画天然石二维的一部浩瀚的油画史，一方面一直伴随着真实空间对二维的表现形式的挑战和二维依托媒介对空间描绘的幻觉；另一方面是平板画面表现的物理事实。从这个意义上讲，油画作品艺术的表现形式主要体现在：一是油画艺术的依托媒介的物理事实；二是客观形态作为油画形象自身所包含的抽象意味。我们可以把这两点称作油画艺术的装饰美感。无论是具象还是抽象形式油画艺术的画面结构方式是艺术家创作风格的一个重要标志。其组织要素往往表现出节奏、韵律、比例、均衡等组织秩序和排列关系，这些视觉符号在形式上的延展与进退关系概括起来有以下几种情形，应该说这些情形是把握了油画艺术形式美感的重要尺度。 在一幅好的油画作品中，色彩给人以强烈的吸引力形式给人以无限的想象力印象派画家所表现出来的大胆的奔放的笔触绚丽的色彩、意蕴的边线等营造了作品较为深远的意境，在当代绘画中画面中的形式构成了画面的骨架，构成了的元素极其重要如果说色彩和形式是画面的内在美，那么构成则是画面的内在美那么，构成则是最直接的外在表现。 按照美的规律对生活素材进行选择、加工、概括、提炼构思出主观交融的审美意象，然后再使用物质材料将审美意象表现出来，最终构成内容没与形式美相统一的艺术作品。另外在艺术创作中，首先要艺术构思，是“形之于手”。是更为艰辛的实践操作过程，同时是前者的实现过程，也是艺术构思的深化、充实、修正和提高的延续过程、还是不断检验原来的旧构思、探索、推进新构思的过程。我想每一个艺术家的的创作经历是不同的但创作的理念应是相近的。艺术创作过程就画家不同因素，创作过陈是不同的。艺术创作是艺术家运用一定的艺术媒介创作形式的过程，是艺术产生过程中一个复杂的审美创作活动，创作过程伴随作者强烈的心理活动因素遵循绘画产生的特殊规律。艺术传递是艺术家借助一定的物质材料和艺术语言将构思成熟的艺术形式转化为艺术作品。无论是什么画种都是由一定的物质材料用你的绘画语言表现出来我在艺术传递我重点表达色调，意象，构成，技法，因为我是用这些因素来表达自己的心灵，每一张新画的开始，都是一个新生命的脱变。 中国著名画家吴冠中曾这样写到“我爱绘画中的意境，不过这意境是结合在形式之中，首先通过形式才能体现。用绘画的眼睛去挖掘形象的意境，这就是我艺术生涯的核心........《油画实践甘苦谈》” 他对传统中国画和油画形式的融合有专门的探求。作品《富春江畔》（1963）、《富春江》（1963）、《微山湖》（1962）等作品可以看到他对传统山水和树木画法的采用，中国传统绘画中的审美意境."空灵"、"萧疏"、"淡泊"、"飘逸".时而直接时而含蓄地流露于画面之中。显然这些情调与油画材料的凝重、具有塑造性等性质有距离，为此吴冠中运用了水彩画法，让水性稀释油性的"滞重"感。但是要看到，吴冠中最有中国特色的作品还不仅仅是发挥"水性"的形式，而是更有综合内容的，包括对色彩的平面化处理，点、线、面的抽象结构和简化了的具体物象关系，以及油画色彩的浓重和丰富性与中国民间艺术清新明朗的格调和传统中国画淡雅清澄趣味的结合等等。 这一阶段的一些作品颇能体现他70年代的艺术风格，如《人寿年丰》（1959）、《蓖麻》